20 de noviembre de 2009

ZEBRAMAN


El largometraje de Takashi Miike pone énfasis en la dicotomía del hombre anónimo, quien, cose por las noches con sus torpes manos el disfraz del superhéroe. Sin duda una singular parodia, historia que nos recuerda al Quijote en lucha constante con una realidad árida y monótona, quien inventa su propia armadura ₍a rayas en este caso₎ para salvar al mundo, un reto tan noble como imposible, sin embargo la realidad que nos muestra Zebraman está encantada por sus desmedidas posibilidades. Los efectos especiales a la hora de construir el mundo interno de la película llegan a ser un tanto notorios, en cuanto se da una gran diferencia entre las criaturas extraterrestres con la atmósfera de cotidianidad de los escenarios iniciales. En cuanto a la actuación, ésta es hilarante y expresiva, ridiculizando así a los personajes de las series y películas de súper héroes. Me agradó la suerte de montaje rítmico cuando Zebraman lucha en la cancha de la escuela con los extraterrestres.

La coreografía de los combates muy bien respaldada por los movimientos de cámara rápidos, acentúan una violencia exagerada y cómica de las escenas ₍villanos cuyos rostros son hundidos, o personajes partidos por la mitad). Shinichi, profesor de primaria poco respetado, tropieza con las limitaciones de su realidad y sin embargo aspira a convertirse en el héroe de su infancia, llega a dar lástima su pésima suerte y sus intentos suicidas de volar, extrañas características para un personaje principal que sin embargo llega a conectarse con el público por su jocosidad ingenua y torpe.

Otro personaje que resalta por sus características es Asano, el niño paralítico que acompaña en sus locuras a Shinichi y lo apoya como un verdadero escudero. Si en ésta historia Zebraman es el Quijote, este pequeño niño ocupa el lugar de Sancho Panza. Todos estos elementos elaboran una suerte de realismo mágico que hubiera podido ser mejor elaborado, pero que al final resulta muy divertido.

Estefanía Cárdenas

LA HUERFANA

Una muñeca rusa
Por Gabriela Mársico


"La huérfana" de Robin Christian y Jaume Collet Serra se presenta como un filme de suspenso y horror. Sin embargo, podría verse como una parodia del cruce de los dos géneros, ya que no llega a ser ni una cosa, ni le alcanza para ser la otra. Lo que sí queda en claro es su ideología racista y xenófoba. Esther, una huérfana rusa, (la soberbiamente maldita Isabelle Fuhrman) es adoptada por John y Kate (Peter Sarsgaard y Vera Farmiga, respectivamente) desprevenidos padres que toman tal decisión con el fin de olvidar, y llenar el vacío por la pérdida de una hija nonata…

Esther es brillante, educada, pero fatalmente rara. Y esa rareza se irá acentuando a medida que, Esther, al mejor estilo Stalin, con hacha o cuchillo en mano se vaya deshaciendo de todos aquellos que la cuestionen, o la rechacen, como otrora el dictador ruso sacaba de juego a los disidentes. Sin contar, claro, con la cándida escena en la que Esther invita a su hermanita, revólver en mano, a jugar a la ruleta rusa.

De monstruos y xenofobia 

El filme sólo cumple con dos mitos básicos del género de terror: la monstruosidad física y la psicológica. Esther es un monstruo debido a una alteración física que contraviene las reglas de la normalidad. Ese es el secreto endeble y poco consistente sobre el que se sostiene una parte del misterio, que más tarde, será descubierto y explicado contra toda la lógica del género. La otra monstruosidad es de tipo psicológica, y la acerca a otra niña psicópata, Karen, la asesina preadolescente de Bad Seed, que al igual que Esther se encuentra más allá de toda compasión o entendimiento. En una palabra Esther es un monstruo psicópata, una asesina serial, y para colmo de males, rusa…. Desde el principio, Esther es estigmatizada como diferente. Ella misma lo admite con cierto orgullo, pero además aparece su diferencia más importante y gravitacional en el filme: su origen estonio.

En una de las primeras escenas donde la familia está reunida compartiendo la mesa, su hermano adoptivo le dice que ella viene de Transilvania, poniendo así en evidencia la ya legendaria y archiconocida ignorancia de los norteamericanos sobre todo lo que no lo sea, digo, norteamericano. Esther, con justificada superioridad intelectual le explica que Transilvania no está en Rusia sino en Rumania. Digamos, que Estonia tampoco es parte de Rusia, aunque durante todo el filme hagan referencia a ella como rusa. Si pensamos que de Transilvania surgieron el conde Drácula, y la condesa Bathory, sin mencionar al ya célebre empalador Vlad Tepes, esa alusión sobre su origen no es para nada inocente. Con referentes así que más podría hacer la pobre Esther que ir por la vida ensuciándose las manos con sangre. Europa Oriental, para el norteamericano promedio, siempre ha representado un territorio tan oscuro, peligroso e indescifrable como el inhóspito territorio del subconsciente. Pensemos en la fabulosa Cat People de Jacques Tourneur. Allí Irina Druvobna, proveniente de los Balcanes, la felina Simone Simon, encarna a una mujer gato que se convierte en una pantera negra asesina cuando sus deseos sexuales se despiertan…

Sin ir tan lejos pensemos en las maldiciones aberrantes y destructivas de la gitana en la paródica Drag me to hell de Sam Raimi, por no mencionar la saga de Drácula y compañía. ¿Un filme de terror? Más allá de toda carga ideológica que el filme pueda contener o no, está el problema del género. La película no produce miedo, ni siquiera inquietud. El miedo, definido por Lovecraft, es la emoción más antigua y poderosa de la humanidad. Y el tipo de miedo más antiguo y poderoso es a su vez, el miedo a lo desconocido. Una de las razones por las que el filme La huérfana no produce miedo es justamente porque lo desconocido implica lo impredecible y en la historia que se cuenta no hay lugar para ello.
Desde que Esther es introducida en la familia, sabemos que se producirán crímenes tan espantosos como inverosímiles. Incluso anticipamos el orden de la lista de sus víctimas, y hasta el modo en que se deshará de ellos. En una de las escenas finales, John descubre en el cuarto de Esther la planificación secuenciada de un incendio largamente premeditado, dibujado con acuarelas, y encendido por la luz del velador, y el odio y las ansias de venganza de una niña de nueve años….Claro, como sabremos al final, no todo lo que reluce es oro, y no todas las niñas que parecen serlo, lo son de verdad...


PEQUEÑO MANUAL ILUSTRADO DEL BUEN AFGANO

Sobre "Cometas en el cielo"


Niño rico y niño pobre; lealtad, celos, valentía, cobardía, sacrificios, injusticias gratuitas (uf! si las hay: en una de las primeras escenas violan al niño pobre). Arrepentimientos, resarcimientos y por sobre todo voluntad, mucha voluntad. Fidelidad, amistad incondicional y admiración del niño pobre hacia el rico. Celos y “sana” envidia del niño rico hacia el pobre. Porque este es valiente y audaz; dosis que le falta para colmar de satisfacción a su padre. El niño pobre sirve las bebidas en la fiesta de cumpleaños de su mejor amigo e inclusive tiene que servirle al adolescente que lo violó. Que más decir. . . .

Invaden los rusos Afganistán y el niño rico se exilia con su padre a la tierra de las “oportunidades y de la libertad”, los Estados Unidos de Norteamérica. Allí los asilan y consiguen un hogar y trabajo digno; hasta, ya adulto, encontrará el amor, obviamente que con una mujer de su misma etnia, y se casará. Pero a este joven honrado y obediente lo atormenta la culpa por el mal comportamiento que tuvo con su par, al cual siempre recuerda (desde lejos). Por esas cosas de la vida, el destino (y no él) determinará que vuelva a su país, y es así que tendrá la oportunidad de redimir los pecados de su infancia. Nos enteramos que el joven pobre formó una familia; pero lamentablemente muere acribillado con su esposa debido a conflictos civiles de su país, y su hijo queda en manos de los talibanes. También resultará que a él joven rico le revelarán que su amigo de la infancia fue su hermano, fruto de un romance fugaz entre su padre y una sirvienta (un paria). Por lo que, para enmendar sus errores y los de su padre, tratará de rescatar a su sobrino de esta nueva y devastada Afganistán.

Todo esto es demasiado. Demasiado demagógico, atiborrado de clichés sentimentalistas, de los lugares mas comunes del drama; desbordado de golpes bajos y con el aporte de una mirada sumamente subjetiva, en donde prevalece todo el tiempo el imaginario de la cultura occidental (en los comienzos del film se lleva a cabo una de las carreras mas originales del cine, una competencia de cometas, en la cual la estética se mecha entre la imagen poética y metafórica propia del cine iraní y la puesta en escena vertiginosa típica de una carrera de autos del maestreim norteamericano). En esta historia no hay lugar para tamices intermedios. Hay muy malos o muy buenos; de los más valientes y los mas cobardes ; pero si hay espacio para “el deber hacer” y así poder enderezar situaciones indebidas, obviamente habrá que sacrificarse y asumir los “castigos” que depara la vida como consecuencia de tales acciones; en fin… pensar que uno de los comportamientos que se le adjudica al terrorismo es el extremismo. Paradójico, no?.

Por otro lado el querer sobreexplicar que hay buenos afganos –no todos son talibanes- además de subestimar al espectador deja flotando en el aire cierto tufillo a prejuicio. ¿Acaso resabios de la política antiterrorista instalada por Mr. Bush? Esta ficción, basada en el best- seller del escritor Khaled Hosseini, pretende abarcar tanto que el relato vuela por demasiados lugares. Según un experto en el tema: “La cometa es un juguete o instrumento de fácil manejo, pero debemos tener en cuenta algunos requisitos además de las condiciones del viento. Aunque toda cometa esta diseñada para volar, la persona que quiera volarla lo debe tener que hacer y sentir de verdad…. “ . Elevarse de verdad es lo que este film no logra ya que se percibe demasiado la artificialidad del vuelo.

María Paula Ríos



XIOU XIOU DE REGRESO A CASA.



"Xiou Xiou" es entre otras tantas cosas una historia negra y amarga sobre la pérdida de la inocencia, las esperanzas y la vida misma; es en definitiva una historia basada en un hecho real, la fuente no es otra que la nouvelle escrita por la guionista Geling, que cuenta la historia de una adolescente, la tal Xiou Xiou, (amiga suya de infancia) que a pesar de todo (ni más ni menos que lo vivido por el personaje de ficción en el film) logró sobrevivir dentro de lo que se llamó en la China comunista: "Revolución Cultural de la Juventud". Xiou Xiou rastrea el programa "bizarro" llevado a cabo en la China comunista entre los años 60 y 70, consistente en enviar adolescentes urbanos a las afueras remotas de China con el sólo propósito de ir de algún modo cerrando el abismo ideológico entre los hijos de la sociedad burguesa y los hijos analfabetos del campo. Los chicos enviados (vestidos con sacos de neto corte militar, haciendo flamear primorosamente las banderas de su partido y entonando vivaces cánticos patrióticos) son cargados y despachados -previa selección y distribución- dentro de camiones militares que los llevaran a su destino final... De esta forma la escalofriante "Revolución Cultural de la Juventud" terminó por enviar a chicos como Xiou Xiou a las regiones más remotas de las estepas, donde eran abandonados a su suerte y sin ningún tipo de recursos durante años, porque los dirigentes que allí los habían enviado -llevando a cabo sus impecablemente diseñados programas burocráticos- habían cambiado de opinión o de lugar de residencia, olvidándose por completo de los chicos que ellos mismos habían destinado hasta esos desolados parajes.

Las mismas Chen y Geling (directora y guionista respectivamente) convivieron con este miedo de ser "enviadas" a las estepas durante su adolescencia. Muy pocos fueron los que lograron "evadirse" del sistema por el hecho fortuito de habérseles reconocido algún tipo de talento artístico, en estos casos el Estado tenía mejores planes para ellos: Chen fue enviada al Shangai Film Studio, y Geling fue entrenada como bailarina profesional a los doce para actuar en el Ejército de Liberación del Pueblo. Veinte años después estos dos talentos lograron "salirse" del sistema y del régimen comunista para hacer un film sobre los que no pudieron lograrlo... Por esta razón podría considerarse a "Xiou Xiou..." no tanto como un film político disidente, sino más bien como un trabajo catártico con aspiraciones artísticas por parte de ambas realizadoras originado tal vez por una insoportable culpa de sobrevivencia...

Xiou Xiou o la pérdida de la inocencia 

Una vez cargada en el camión, lo último que verá Xiou Xiou es la cara impasible y resignada de su madre, y lo último que nosotros veremos de ella es una creciente ola de polvo que terminará incluso tragándose al camión que la lleva y que la despachará a su vez en las áridas estepas. Xiou Xiou es abandonada y librada a su suerte como parte de su entrenamiento en el arte de la vida campestre. Sola y desorientada, bajo la tutela de Lao Jin, un tibetano tan anárquico y salvaje como los caballos que arrea - fue brutalmente castrado por sus enemigos durante una guerra Tibetana, y por eso mismo vive recluido por voluntad propia llevando una vida solitaria - sigue los pasos, el rumbo incierto que toma el tibetano por las estepas, alimentando en cada tramo de su recorrido la esperanza de volver a casa. Y esta esperanza es la que lleva a Xiou Xiou a ponerse todas las mañanas ese chalina roja y a esperar de pie al lado de la carpa que alguien venga a buscarla. 

Nada de lo que Lao Jin haga por ella - alimentarla, caminar millas y millas para traerle agua, construirle con piedras un pequeño lago artificial (una especie de bañera no casualmente con la misma forma de un ataúd), sostenerle un espejo mientras ella se peina- evitará que Xiou Xiou se escape y se pierda en medio del bosque y de la lluvia (a la mejor manera de un cuento infantil) para que Lao Jin finalmente la encuentre, y le explique que no existe otro modo de volver a su casa sino es con un permiso que el gobierno otorga, ya que en caso de ser encontrada en casa de sus padres sin ese "permiso" sería devuelta de inmediato. Xiou Xiou conoce a un vendedor ambulante que casualmente pasa por el lugar y que le dirá una sarta de mentiras con respecto al permiso que necesita (promete conseguírselo si ella accede a sus requerimientos) con la sola intención de abusar de ella, al igual que tantos otros hombres que vendrán a verla con el mismo propósito. Desesperada por volver a casa Xiou Xiou acepta ser sodomizada a cualquier hora de la noche, creyendo en todas las mentiras que le cuentan los hombres del mismo modo que ha venido creyendo en todos los preceptos de la adoctrinación de su partido. Xiou Xiou se pregunta: "¿qué más podría hacer una chica para sobrevivir? Después de todo no tengo nada, ni conexiones ni dinero, sólo me tengo a mi misma..." A medida que se hace correr el rumor de que una chica bonita de la ciudad se entrega por un "permiso" cada vez son más y más los hombres que vienen para tener sexo con ella. 

Lao Jin no hace nada o no puede hacer nada (es tan impotente como la misma Xiou Xiou) para evitar la profanación de su adorada diosa que se lleva a cabo frente a sus propios ojos todas las noches; sin embargo esta pasividad (con la que ambos aceptan su destino) no debería asombrarnos, ya que sus actitudes frente a la vida hablan elocuentemente de cómo un régimen totalitario anula toda capacidad de elección, aplasta la dignidad y destruye por completo la valoración propia: ¿cómo podría explicarse que un hombre tan temerario y feroz que anda con rifle al hombro y que no duda en disparar a los desconocidos que se atreven a acercarse a la carpa, sólo atine a quemarle el zapato a uno de los tantos abusadores de Xiou Xiou, porque resulta ser un oficial del Estado?.

Xiou Xiou de regreso a casa

A esta altura de los acontecimientos nadie podría ya poner en duda que desde un Estado totalitario como la China comunista, las fuerzas de dominación ejercidas a través de un gigantesco aparato burocrático no sólo terminan por fragmentar y enajenar al individuo, sino que además destruyen y aplastan el ser interior de cada uno de ellos reduciéndolo a una nada; es entonces cuando se hace necesaria la recuperación del ser para devolverlo a su condiciónde integridad natural. Uno podría preguntarse ¿y como se llevaría a cabo esta recuperación de la integridad? Es en la tradición budista donde se habla de esclarecimiento o iluminación como una manera de volver a casa, y esos esfuerzos por regresar son descriptos en términos de la recuperación de uno mismo de su propia integridad. Paradójicamente a lo que podría creerse parece no haber otro destino para Xiou Xiou que el de -en cierto modo-volver a casa. En la última escena del film Xiou Xiou volverá a ponerse -como tantas veces lo hizo- la chalina roja , pero ya no estará dispuesta a esperar que alguien venga a buscarla, será ella misma la que se hará cargo de su "salida". En el pueblo escuchó que un hombre logró volver a la ciudad disparándose en el pie...Xiou Xiou le pedirá el rifle a Lao Jin para herirse en ese mismo lugar, aunque finalmente no se anime a hacerlo. Es entonces cuando el feroz y temerario Lao Jin se hace cargo de la situación y decide ayudarla a "salirse", lo que en otros términos significaría no sólo devolverle a Xiou Xiou la integridad perdida sino además llevar a cabo la recuperación de su propio ser. La última imagen que nos muestra el film son dos pájaros volando a casa...
 
Un veneno con sabor agridulce

Puede endilgársele a Chen el haber ornamentado y embellecido una historia tan negra y tan amarga con bellas flores silvestres, amaneceres paradisíacos dignos de una postal, o con melodías algo dulzonas, sin embargo tanta belleza plástica no ha logrado menguar ni un ápice la degradación no sólo física sino sobre todo mental de una adolescente sometida a un abuso sistemático dentro de un contexto de una política de explotación. Y es aquí mismo dónde surge otro interrogante: ¿cómo podría Chen denunciar al mismo sistema que la llevó a triunfar a una edad temprana? ¿puede alguien que ha conseguido sobresalir como producto de un sistema político volverse en contra de ese mismo sistema? Los interrogantes quedan planteados, pudiendo tomarse como una posible respuesta entre tantas este mismo film -que a pesar de su slogan marketinero que lo promociona como prohibido en China por su contenido social y político, y de su belleza algo ornamental- puede resultar tan corrosivo como el mismo veneno, o ¿acaso importa como nos sea suministrado (Chen nos inocula el veneno en dosis muy pequeñas y un poco dulzonas) en tanto y en cuanto siga surtiendo el mismo efecto?.

Gabriela Mársico

EL CINE SEGUN TRUFFAUT

EL HOMBRE QUE AMABA DEMASIADO A LAS MUJERES.....




Francois Truffaut nace el 6 de febrero de 1932 en París. De pequeño se entera que es adoptado por la actual pareja de su madre; la relaciòn que Francois sostendrá con ambos será muy conflictiva. Luego de merodear por diversas escuelas a los catorce años abandona los estudios y a los dieciséis años funda un cine-club donde predominan largometrajes de directores estadounidenses como Howard Hawks, John Ford, Alfred Hitchcock..... .
Su problemática vida incitará a que lo internen en un centro de menores. Tras una breve estadía en el reformatorio conoce a André Bazin, quién lo anima a organizar exhibiciones cinematográficas para los trabajadores (“Travail et Culture”). 

A los dieciocho decide enrolarse en el servicio militar; desde alli intercambia correspondencia con el escritor francés Jean Genet llegando (en uno de sus permisos) a conocerlo. El escritor le envía libros y gracias a este Truffaut conoce la serie negra (Williams, Irish, Goodis...), obras de las cuales mas tarde adaptará a cine. Truffaut decide desertar antes de ser enviado al exterior. Es arrestado y hospitalizado en varias ocasiones, hasta que lo destituyen del ejercito “en deshonor”. A partir de entonces, con su ilustre período de crítico cinematográfico (al cual le va a dedicar siete años), Francois Trufffaut comienza una nueva vida.

TRUFFAUT EL CRITICO, CAHIERS DU CINEMA Y UNA TEORIA DE AUTOR 

Pese de reseñar cientos de películas para la revista Arts, Cinémonde y Elle, su mayor mérito como crítico lo logra en Cahiers du Cinéma, revista fundada en abril de 1951 por André Bazin y Jacques Doniol-Valcroze, en la cual escriben personalidades como Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Claude Chabrol, Eric Rohmer, etc (en ese entonces un grupo de amigos que se habían conocido por frecuentar la Cinemateca Francesa).

Los “Cahiers” reivindicaron el cine popular de Hollywood (Hawks, Hitchcock, Fuller, Welles...) halagando la habilidad narrativa y el estilo vital del mismo; también avalaron a cineastas franceses de la época menospreciados como Jean Renoir, Robert Bresson, Abel Gance, Max Ophuls..., y en Italia al mismísimo Rosellini. Por otra parte sembraron escepticismo en el cine francés del momento, el cual se orientaba a la adaptación de grandes obras literarias o reconstrucciones históricas. Este se conocía como cine de ''Tradición de calidad''

El ataque mas feroz a esta ''tradición de qualité “(también llamado ''realismo psicológico'') lo hace Truffaut a los veintidós años en un artículo titulado: ''Una cierta tendencia del cine francés''. En este texto denuncia a directores como Claude Autant-Lara, Jean Delannoy, René Clemént, Julien Duvivier, Yves Allégret, Marcel Carné...... y a los guionistas Jean Aurenche y Pierre Bost, de deteriorar grandes obras maestras con inconformismo y psicologismo vano. Y los acusa de sobrevalorar el guión menoscabando el rol del director. Por lo que esgrimirá que el único autor y responsable de una película es el director.

De aquí surge la renombrada “TEORIA DE AUTOR'' o ''política de autor'', la cual entenderá y practicará de una manera muy sentimental: ''de los artistas que uno ama, uno debe también amar sus errores, y que en ellos......se contiene algo único y esencial''. Después de escribir sobre fenómenos cinematográficos, Truffaut decidirá abocarse a la filmación.

TRUFFAUT EL DIRECTOR: “REALIDAD Y FANTASIA O EL SURGIMIENTO DE LAS CONTRADICCIONES” (ULRICH GREGOR) 

En 1955 realiza con Rivette y Resnais un cortometraje llamado “Une Visite”. En 1957, con el grupo de los “Cahiers”, filma su primer cortometraje reconocido: “Los Mocosos”; el cual le ayudará a financiar su propia productora, “Les Films du Carrose”. A este movimiento de jóvenes que provenía de la crítica francesa y se lanzaron a dirigir, se lo llamo “NOUVELLE VAGUE” (Nueva Ola). Estos rompieron las reglas que el cine francés venía imponiendo hasta el momento.

Bajo la influencia del estilo estadounidense, los escasos recursos económicos y otro enfoque sobre la realidad, descubren una nueva manera de realizar cine incorporando novedosos procedimientos, como el de abandonar los estudios para rodar en ambientes naturales, cotidianos o romper con la hilaridad narrativa del relato. Expresaron una nueva concepción en el modo de hacer cine.

FILMOGRAFIA COMENTADA



-“LOS 400 GOLPES” (1959), dedicada a André Bazin.
Este cuenta la historia de Antoine Doinel, un niño rebelde que demanda atención a causa del abandono emocional que sufre por parte de su padres; no solo es la incomprensión de estos lo que lo acompañara sino también el ser indiferente ante la misma sociedad.
En este film Truffaut expone y afronta sus propias vivencias juveniles. “Los 400 golpes” es una crónica de soledad y desamparo que hasta el día de hoy emociona debido a esa recurrencia realista sazonada con espíritu poético.

-“DISPAREN SOBRE EL PIANISTA” (1960)

Charlie Koller es pianista en un pequeño bar. Su verdadero nombre es Edouard Saroyan, había sido un famoso concertista. El suicidio de su mujer, quien había manteniendo relaciones intimas con su agente, es el determinante de su estado anímico y su encubrimiento actual.
Film que habla sobre la identidad ; este aspecto se pone de relieve mediante primeros planos del rostro arrugado de Charlie, mediante la doble iluminación, reflejos en espejos rotos, etc. Hay un yo doble, vacilando entre el pasado y el presente.

-“JULES ET JIM” (1961)

Antes de la primera guerra mundial, dos escritores, Jim (un francés) y Jules su amigo alemán, se enamoraran de la misma mujer: Catherine. Esta se casa con Jules y se van a vivir a Alemania. La guerra separara a los tres amigos pero cuando esta finaliza se reencuentran y Catherine termina siendo la amante de Jim.... .Este largometraje es una adaptación de la primera novela del escritor Henri-Pierre Roché.

-Antoine et Colette, ‘’EL AMOR A LOS VEINTE AñOS” (1962)
En esta reaparece Antoine Doinel (y lo hará en tres films mas) alejado del delito y de sus padres, pero experimentando lo que es el amor (en este caso no correspondido) con la difícil Colette. Nos encontramos frente a un Antoine que se comienza a integrar al mundo del trabajo.

-"LA
PIEL SUAVE” (1964).

Pierre Lachenay es editor de una revista literaria, esta casado hace diez años y tiene una hija. En un viaje a Lisboa conocerá a la azafata Nicole y entre ambos se entablara una singular relación. Cuando Pierre regresa a Paris pretende mantener su relación conyugal sin perder a Nicole, pero su esposa descubrirá el engaño y tomara una trágica decisión.
“La piel suave” confirma un rasgo muy característico de otros filmes del director: presenta al hombre débil, indeciso, sediento de una confirmación de su personalidad y de comunicación. Y no será casual que evoque el modo de como Hitchcock trabajaba con sus personajes femeninos, ya que durante el transcurso de este film se desarrolla la experiencia que Truffaut mantiene con Hitchcock: la publicación de un libro fruto de una larga conversación entre ambos.

-“FARENHEIT 451” (1966)

Basada en una novela de ciencia ficción de Ray Bradbury, esta historia se desarrolla en un mundo del futuro que no esta definido ni temporal ni espacialmente. El bombero Montag provoca incendios en ves de apagarlos, se dedica a quemar libros, porque en esta sociedad esta prohibido leer. Pero un día Montag quedara subyugado por la lectura; lo denunciaran y deberá huir a los bosques donde viven los amantes de la lectura que memorizan libros para poder transmitirlos a generaciones futuras. Los libros aquí no son simples objetos, sino que determinan el comportamiento de las personas. Por este motivo hay contanstemente primerísimos planos de los mismos: “Los libros aquí son personas y cortarlos seria lo mismo que dejar la cabeza de un actor fuera de cuadro” (Truffaut).

-“LA NOVIA VESTIDA DE NEGRO” (1967)

Mientras Julie Kohler sale de la iglesia al finalizar su boda y organiza a los invitados para una fotografía, su marido David es asesinado. A raíz de este suceso Julie comenzara a investigar el crimen para vengar su muerte.
La película es un claro homenaje a Hitchcock, la influencia de este se ve en toda la construcción lúdica que se sosotiene: en las confusiones, en las alusiones alegóricas, en la puesta en escena, en el anonimato de la protagonista, en la importancia delegada a objetos, etc. Pero por sobre todo en el ultimo asesinato, en donde predomina el sonido ante la construcción visual como revelador del mismo.

-“BESOS ROBADOS” (1968)


Esta es la tercer película de la “serie Doinel”. Reaparece Antoine expulsado del ejercito por incumplidor y relacionándose con la familia de su novia Christine. Su problema a resolver será el laboral por lo que conseguirá empleo como asistente en una agencia de dectives privados. El mundo en que Antoine se encuentra es distinto al de “El amor a los veinte años”, su perspectiva ha cambiado, es la de un adulto casi-autónomo. El núcleo del film lo constituirá la relación que sostiene con Christine, en la cual se refleja el comportamiento previo al matrimonio.

-“LA SIRENA DEL MISSISSIPPI” (1968), dedicada a Jean Renoir

Este film esta basado en la novela policial de Williams Irish, “Waltz into Darknees”. Louis Mahé, un fabricante de cigarrillos de la isla Reunion, decide buscar esposa por medio de un aviso en el periódico. Así se casara con una estafadora. Tras un breve periodo de matrimonio esta desaparecerá con su dinero. Louis encarga una investigación privada para hallarla y viaja a la Rivera Francesa a descansar. Pero allí se topará con esta y se disparara el conflicto cuando se de cuenta que esta realmente enamorado.

-“EL NIÑO SALVAJE” (1969), dedicada a Jean-Pierre Léaud

Película basada en un hecho real. En 1978 encuentran en la capital de Francia a un niño que vivía en el bosque en estado salvaje. El doctor Jean Itard (encarnado por el mismo Truffaut), tratara por todos los medios integrar al niño a la sociedad. “El film enumera una serie de ejercicios que el Dr. Itard le hace hacer al niño para educar su oído, sus ojos....sus sentidos. Debería ser posible seguir estos ejercicios. Al principio de cada uno, el publico debería saber lo que pretende Itard con el niño, para comprenderse así el desenlace y poder seguirlo con interés de un punto a otro”. Truffaut.

-“DOMICILIO CONYUGAL” (1970)



Nuevamente nos encontramos con Doinel, aquí ya casado con Christine (su novia en “Besos Robados”) , y cambiando varios trabajos. En las sagas anteriores Antoine siempre protestaba contra ciertas reglas sociales o intentaba huir de ellas; pero ahora se tendrá que acatar a ellas: “Si no te ocupas de la política, la política se ocupa de ti.... al menos a fin de mes”. Esta nueva realidad cambiara la vida de Antoine.

-“LAS DOS INGLESAS Y EL AMOR”(1971)



Casi diez años después de “Jules et Jim”, Truffaut vuelve a adaptar una novela del escritor Henri-Pierre Roché. Dos hermanas galesas, Muriel y Anne, se enamoraran de Claude. Este por su parte no sabrá a cual de las dos elegir....... .La secuencia introductoria es muy significativa: mientras la madre de Muriel y Anne lee en el jardín, se rompe una de las sogas de la hamaca en la cual Claude juega, de la misma manera se romperán los vínculos de Claude con ambas hermanas.

-“UNA CHICA TAN DECENTE COMO YO” (1972).


Durante un estudio sobre criminalidad femenina, el sociólogo Stanislas Prévine conoce a la joven asesina Camille Bliss. Tras varias investigaciones quedaran anulados los indicios que habían llevado a condenar a esta. Una vez en libertad, Camille cometerá un nuevo delito, del cual será acusado Stanislas. Mientras ella se transforma en estrella del espectáculo su benefactor permanecerá en la cárcel. Basándose en una novela de Henry Farrell, Truffaut deja de lado sus melodramas románticos para incursionar en la comedia de humor negro y satírico.

-“LA NOCHE AMERICANA” (1973),dedicada a Dorothy y Lilian Gish


Cine dentro del cine. El tema central de la película sin lugar a duda se basa en la comunicación audiovisual. “La noche Americana”, es una ruptura premeditada con las dificultades de la profesión y al mismo tiempo una mirada retrospectiva hacia las etapas de su propia creación. Esta retrospección esta planteada en el papel del director que presenta su inseguridad desde las primeras escenas. Se pone de manifiesto como el mismo, ante dificultades de tipo técnico y comercial muchas veces lo llevan a tener que escoger entre sus propias aspiraciones o la posibilidad de realizar el film. Se institucionaliza una brecha entre la realidad y la ficción.
A partir de esta posición dialéctica básica (realidad-ficción) surgirá la búsqueda de una verdad mas allá de las antítesis. Aparentemente Truffaut asume esta verdad en los conceptos de vida y cine. En esta obra desnuda su modo de percibir y crear cine:"la actividad cinematográfica es, para el director, un proceso de mediación de la realidad; en el centro de este proceso el cineasta mismo se transforma a su vez en objeto de observación y reflexión”

-“LA HISTORIA DE ADELE H” (1975)
Esta nos muestra una espectral joven (protagonizada por Isabelle Adjani) atrapada en el seno de un amor enfermizo. Quién, además, tiene que llevar a cuestas la figura de un padre omnisciente y poderoso como el mismisimo Victor Hugo.

-“LA PIEL DURA” (1975)
Patrick vive con su padre inválido y lo único que quiere es dar su primer beso; Julien vive en un hogar disfuncional, su madre alcohólica lo maltrata, el director del colegio lo tiene como un “caso especial”, por lo que el mismo contexto lo llevará a delinquir. Es alrededor de estos dos personajes que giraran las historias de otros tantos niños.

-"EL HOMBRE QUE AMABA DEMASIADO A LAS MUJERES’’ (1976)
Reflexión sobre las relaciones que establecemos en base a carencias, miedos y atracciones. En este caso entre Bertrand Morane y las mujeres. El film también ahonda en el binomio vida y muerte, obsesión mas que recurrente en la obra del director.

-“EL CUARTO VERDE” (1977)

Trabajo bastante bizarro de Truffaut, que él mismo protagoniza. Un hombre atado a su pasado iniciara un sorprendente culto a los muertos, lo que lo llevará a cometer necrofilia con rasgos casi fetichistas.

-“EL
AMOR EN FUGA” (1978)
La última historia de la “serie Doinel”. Antoine ya divorciado de Christine, se encuentra en un viaje con Colette (su primer amor). Pero este se encuentra en pareja con Sabine, pero cuando regrese a París se encontrará con que ella ha decidido dejarlo. Christine y Colette tratarán de interceder para que la pareja se arregle, pero finalmente Antoine mismo logrará recuperar el amor de Sabine. La película es una especie de film-mosaico que permite al personaje reencontrarse con todas las mujeres significativas en su vida.

-“ EL ULTIMO METRO’’ (1980)




En el París ocupado por los nazis, un grupo de teatro intentara montar una obra. El director es un judío- alemán que se esconde en el sótano del teatro. Al enterarse que lo busca la Gestapo, antes de desaparecer, dejará todas las indicaciones para la puesta en escena de la obra. Es interesante destacar que la narración de la película se desarrolla en dos planos, por lo que se emplea dos tonos de color muy diferentes: uno muy realista para mostrar la vida cotidiana en los rincones del teatro y otro deliberadamente artificial para representar las actuaciones sobre el escenario.

-“ LA MUJER DE AL LADO” (1981)


Siete años atrás Bernard y Mathilde tuvieron un amor muy intenso y separaron de manera violenta. El destino los reunirá nuevamente cuando Mathilde (recién casada) se ínstale en la casa contigua a la de Bernard, la cual este ocupa con su mujer y su pequeño hijo. Esta, penúltima película del director, es un drama de amor y pasión, mágico y sensible, construido alrededor de la interrelación entre dos parejas.

-“ VIVAMENTE EL DOMINGO” (1983)

Julien Vercel , es el principal sospechoso de un doble asesinato: el de su mujer y el de la amante de esta. Las circunstancias se complicarán cuando se le impute un tercer asesinato. Esto lo obligará a huir de la policía. Será su leal secretaria Bárbara la encargada de descubrir la verdad enfrentándose a situaciones imprevistas.

La última película dirigida por Francois Truffaut (quién muere en 1984), es una comedia policíaca dedicada a la “serie negra” norteamericana y al mismo tiempo un homenaje a Hitchcock. Esta rodada en blanco y negro ya que (según el director), las escenas en esta tonalidad poseen mas fuerza y resultan mas misteriosas para este tipo de género.
La realidad se transforma en una imagen de la fantasía, en una construcción ficticia, y es allí en el transcurso de la elaboración de este proceso para el público, que se concreta para Truffaut la verdadera esencia del cine. 

“La película de mañana se parecerá al que la ha rodado y su número de espectadores será proporcional al número de amigos que tenga....... La película de mañana será un acto de amor.” Francois Truffaut.

Maria Paula Rios

EL CAMERAMAN Y BUSTER KEATON



Al ver "El Cameraman" de Buster Keaton, nos da la impresión de que el film se plegara sobre si mismo (un film que habla del film) convirtiéndose así, en la imagen de su propio espejo, como si su estructura narrativa se asemejara a la trayectoria de un boomerang, que una vez disparado, recorrerá cierta distancia: la perfecta trayectoria de una curva (que no es otra cosa que el vuelo por el tiempo y el espacio -contraídos y expandidos- por el propio Buster) para volver luego a su punto de partida. El film comienza con un Plano General de una manifestación, vemos a Buster hundiendo su nariz y dejándola arrobado dentro de la espesa melena de una atractiva señorita. Buster está casi inmóvil, se deja llevar (sacando provecho) por una fuerza superior a si mismo (los vaivenes de la muchedumbre) conoce el espacio, y sobre todo sus leyes, así, con un solo movimiento rítmico y sincrónico (el azar puede estar de su lado) sigue sin despegar su nariz de la melena de la señorita. El film al igual que Buster, es inmovilidad en movimiento. ¿Acaso no son cada uno de los fotogramas más que fotos fijas?.

La ilusión de movimiento en el film se da a través de una continuidad de imágenes congeladas que pasan a través de una lente, de manera tan veloz, que llegamos a creer que la inmovilidad es acción. Sino recordemos la paradoja de Zenón que postula que el movimiento implica imposibilidad inherente. Aquí es donde Buster se vale del aparato cinematográfico para crear una nueva realidad (hecha de a pedazos, fragmentada, elidida) dentro del film, distinta a la realidad fuera del film (orgánica, de una sola pieza, e incesantemente continua). Buster arroja el boomerang, sin embargo él permanece fijo, constante e inmóvil (aún cuando está corriendo) porque lo que cambia es el medio que lo rodea, el lugar sobre el que se recorta su figura: sólo bastaría recordar la escena en la que Buster "sobreexcitado" después de recibir la llamada de su chica, deja el tubo de teléfono colgando, y se lanza a las calles en una acelerada carrera (sigue y retoma el recorrido de la curva, utilizando el espacio, -las transitadas calles de la ciudad como fondo-, para comprimir el tiempo), logrando llegar a la casa de su chica antes de que ésta cuelgue el tubo de teléfono.

En este film, Buster encarna la figura del cameraman, ávido por registrar la realidad con su cámara, y que con trípode al hombro, va en busca del material para un noticiero. Pues bien, llega a un campo de baseball dispuesto a filmar el partido que jugarán los Yankees, aunque los Yankees jueguen en St Louis; pero eso no importa porque Buster está acostumbrado a trabajar en los espacios vacíos, entonces, ¿qué mejor que un estadio vacío, para convertirse el mismo en boomerang y atravesar el espacio siguiendo la trayectoria de la curva? Frente a la mirada inquisitiva del cuidador, Buster completa la curva, vuelve al punto de partida y nos demuestra que la vida dentro de un film (elisiones incluidas) puede llegar a ser más rápida, más dinámica y hasta más perfecta que la vida misma; aún bajo circunstancias adversas, sino ¿cómo podría entablar una conversación con su chica, si una vez en el ómnibus, un grupo de pasajeros lo arrastra hasta el piso de arriba (el azar también puede estar en su contra) mientras que su chica queda rezagada en el piso de abajo?.

Nada mejor para un héroe como Keaton, que la presentación de un problema, para así poder resolverlo de la manera más tersa: ubicando "estratégicamente" la cámara y su cuerpo, logrando así la expansión y la compresión del plano. Keaton conoce tan bien su cuerpo (puede mantener una conversación "a la distancia") como el espacio en el que trabaja (aún sentado sobre una rueda), tal vez porque su cuerpo pertenezca naturalmente al espacio que ocupa (siempre sigue las leyes del medio que habita), y que mejor prueba que la filmación de la guerra Tong, en la que Buster, ubicado desde un lugar estratégico, -una plataforma que se balancea "peligrosamente" porque ha perdido su soporte-, se vale de dos extremos de la oscilante plataforma con el sólo propósito de planear y deslizarse en el aire con la plasticidad y la elegancia del más avezado esquiador. Después de filmar la guerra Tong, se escabulle y se va a las regatas con un mono de organillero, que es el que maneja la manivela de la cámara, registrando así de manera mecánica los avatares lógicos de la regata. Con este guiño Keaton parecería decirnos, que hasta un mono de organillero es capaz de "registrar" la realidad, pero sólo un cameraman es capaz de "filmarla" ubicando su cámara en el lugar preciso, seleccionando lo que va a filmar de esa realidad, con un ritmo y una cadencia (saltos en el tiempo y el espacio) estrictamente personales.

El mono filma las regatas, Keaton filma al mono y a las regatas, un tercer cameraman que no vemos, filma al mono, a Keaton, y a las regatas. Tenemos una misma realidad, vista desde tres ángulos diferentes, y en simultaneidad. En una de las últimas escenas, la chica que ha rescatado y que ama, se va con otro, Buster se "hunde" irremediablemente a orillas de un lago; sin embargo, sabemos que Buster tiene infinitos recursos, y si el azar esta vez vuelve a estar de su lado, con su timing impecable, con la rectitud de espíritu de un matemático, y con un movimiento económico y elegante, puede superar una situación que parecía insalvable. El film termina en una manifestación, casi en el mismo punto de partida, el boomerang lanzado, después de haber hecho la trayectoria perfecta de la curva, vuelve a las manos de un Buster tan impasible, que casi nos cuesta creer que en realidad alguna vez se haya movido.

Gabriela Mársico

ME QUITAS EL ALIENTO


Con una estética minimalista, encuadres pictóricos, locaciones austeras, personajes parcos, Aliento, film de Kim-Ki-Duk, impone un ritmo ajustado a una historia intensa en donde el aliento es la clave. Jang Jin (Chang Chen) es un condenado a muerte por el asesinato de su mujer e hija, que debido al miedo a la inminente ejecución intenta suicidarse apuñalándose en el cuello para poner fin a la insoportable espera. Con la garganta herida ya no será capaz de emitir sonido (Chang Chen es taiwanés y no habla coreano). Sin embargo, así también como en BAD GUY, la expresividad de su bello rostro y la plasticidad casi animal de sus movimientos lo eximen de hablar o de recurrir a un gran despliegue de acción física. Yean (Ji-a-Park) es escultora y está también presa, pero dentro de un matrimonio infeliz: el marido además de serle infiel, le recrimina quedarse encerrada haciendo esculturas, y le sugiere salir para conocer gente nueva. Ella sigue su consejo, ya que al enterarse por un noticiero de que un preso, Jang-Jin se recupera de uno de sus frustrados intentos de suicidio, decide ir a visitarlo a la prisión.

En el primer encuentro Yeon le confiesa a Jang-Jin que ella, de chica, estuvo muerta durante cinco minutos aguantando la respiración debajo del agua. Y expresa la sensaicòn de muerte en estos términos: Mi cuerpo se hincha como un globo, me he convertido en un pájaro, en el viento. He desaparecido. Y así es como se siente dentro de su desdichado matrimonio: muerta. Yeon sólo cobra vida, habla, y vuelve a aparecer viva en las sucesivas visitas a Jang-Jin. Al final del encuentro, èl se quedarà con una hebra de su cabello y a cambio le dejará sobre el vidrio que los separa un beso dibujado sobre su propio aliento. A partir de entonces los encuentros se sucederán como las estaciones que Yeon apura y recrea empapelando las paredes de lasala de visitas con una especie de trompe-lóeil (engaña ojos) con flores, árboles, playa, mar y hasta un cielo de papel. Yoen se viste de verano en pleno invierno, canta karaoke desentonando tan bien como un aficionado, y logra así en cada encuentro, al igual que Scherezada, suspender el tiempo y aplazar el momento de la muerte. Aunque su intención precisamente no sea la de suspender el tiempo, sino la de hacer que el tiempo pase lo más rápido posible, tal vez por eso Yoen quemará, literalmente, las estaciones de papel con sus flores después de cada visita. Entre Jang-Jin y Yoen se establece un vínculo amoroso tan íntimo (a pesar de ser monitoreados por el mismísimo Kim-Ki-Duk, haciendo las veces de guardia y voyeur, a un mismo tiempo, e interrumpiendo los encuentros en el momento más inoportuno) y poderoso que hasta a los guardias les resulta cada vez más difícil separarlos. Cada uno, por su parte, deberán sufrir las represalias de sus respectivos compañeros. Jang-Jin sufrirá el acoso y los ataques de celos de su compañero de celda, a través del robo destrucciòn de las fotografías que le dará Yeon. Yeon, a su vez, deberá soportar las intromisiones de la amante de su marido, a través de llamados al celular, y hasta la de hacerse presente en off, en su propia casa.

Se sabe que existen diferentes modos de morir, teniendo en cuenta la ambiguedad y la ironía casi diabólica de Kim-Ki-Kuk, podríamos concluir que la pérdida del aliento, la muerte, es el leit motiv reiterado en distintos niveles que recorre e impregna toda la historia de principio a fin. La suerte de ambos ya está echada: les espera una muerte lenta pero segura. Jang-jin perderá el último aliento de vida por haberse convertido en víctima de la enajenación que produce vivir en una sociedad enferma que fomenta la destrucción propia y ajena, mientras que Yeon hará lo propio por haberse rendido y entregado a una vida vacía y carente de sentido, en donde los vínculos no son más que roles y convenciones sociales que la irán asfixiando hasta dejarla sin aire.

Gabriela Mársico

FULL BATTLE RATTLE, Tony Gerber, Jesse Moss.






Film proyectado en la edición del BAFICI 2008.








En el desierto de California, el gobierno de los Estados Unidos monta una puesta en escena bélica para simular rigurosamente los acontecimientos que se viven día a día en Irak. Full Battle Rattle muestra una semana de entrenamiento en esta pseudo comunidad en la que intervienen “actores” irakies, a quienes le designan su rol, y los soldados quienes ejercitan maniobras armamentistas, psicológicas y de índole social/costumbristas, para prevenir futuros conflictos que puedan surgir en el campo de batalla.Un dispositivo más de la era Bush para justificar la gran cantidad de dinero que malversa el ejercito en este país.

¿Por donde comenzar ante el caudal de dificultades que hallamos en este "docufilm"? En primer lugar se puede observar un posicionamiento político muy concreto; esto se evidencia en la manipulación de la música, los movimientos de cámara y en el acento dedicado a las historias personales de los actores irakies, como cuando vemos a dos jóvenes mujeres preparándose con gran entusiasmo para rendir el examen que las convertirá en ciudadanas estadounidenses; a uno de los mas veteranos proclamando con orgullo un reconocimiento personal de parte del gobierno; o como cuando asilan a un ciudadano ilegal por colaborar en esta causa.

Por otro lado advertimos como los soldados norteamericanos exteriorizan naturalmente comentarios racistas y ofensivos sobre las costumbres culturales de medio oriente. Y como plus final hay un discurso del mismo ex presidente Bush felicitando a todos los que colaboran en este proyecto para ayudar a combatir al terrorismo y a ¿democratizar? Irak. Full Battle Ratle es peligrosamente turbia en cuanto a su discurso y penosamente se asemeja más a una publicidad pro ejército que a un documental.
Hoy en día se originan múltiples mutaciones mediáticas que automatizan las emociones de las personas, estas cada vez mas se asemejan a aquel apocalíptico Videodrome con el cual nos supo sugestionar el talentoso David Cronemberg. Cuando se desdibujan los límites entre la ficción y la realidad acentuándose a su vez la naturalización de la violencia en un pais donde se tiene el mismo acceso a armas que al de golosinas y donde cotidianamente se exhiben fusilamientos por TV, las consecuencias adoptan las formas mas contraproducentes.

“Lo siniestro se da, frecuente y fácilmente, cuando se desvanecen los límites entre fantasía y realidad; cuando lo que habíamos tenido por fantástico aparece ante nosotros como real o cuando lo real sume el carácter de lo fantástico…” (Sigmund Freud)

Maria Paula Rios

HERMOSOS PERDEDORES


"Tu última oportunidad" de Joel Hopkins que dirigió y escribió este film cuyo título original es Last chance Harvey, es una “dramedia”, si pudiéramos así llamar a ese híbrido de comedia romántica y dramática. A simple vista, podría resultar una comedia ligera y otoñal como tantas. Pero si uno tiene la paciencia de esperar a que el germen del genio brote, entonces será recompensado con una lección de actuación de talento y sutileza. Kate (una espléndida Emma Thompson) es una mujer madura que ha pasado los cuarenta hace rato, y que mantiene una relación edípica con su madre, (una magnífica Kathy Baker) que no deja de llamarla cada cinco minutos para contarle los pasos que sigue su vecino polaco al que no ha dejado de espiar por la ventana de su casa. Kate es soltera y trabaja en el aeropuerto de Heathrow haciendo encuestas a los pasajeros, entre los que casualmente se encuentra el tal Harvey del título (un magnífico Dustin Hoffman) que a su vez es un frustrado músico de jazz que se gana la vida haciendo jingles para una agencia publicitaria.

El tal Harvey viaja a Londres para ser padrino de la boda de su hija, que a último momento le informa que el padrino será su acaudalado suegro, más sólido y mejor plantado no sólo en el plano financiero. Harvey rechazado y humillado por su propia hija decide no quedarse a la recepción y volver a su trabajo en N.Y. Sin embargo, pierde el vuelo y por esa misma razón se queda sin trabajo. Desconsolado, Harvey decide ponerle el pecho más que a la situación, a los tragos con los que apurará tanta humillación. Y es en este mismo punto donde comienza a operar la magia o química entre Harvey y Kate, dos seres que comparten esa rareza y fragilidad que sólo podría tener un unicornio de cristal. Los dos poseen esa cualidad que trasciende el talento y el genio de la actuación: gracia y sutileza. A partir de ese encuentro, nos harán sentir que la ley de gravedad no existe porque todo lo que dicen y hacen se torna vaporoso, evanescente y liviano, en el mejor de los sentidos. Los dos son a simple vista una pareja despareja. Sin embargo, la ligereza de Harvey hará que la diferencia de estatura no se note, porque cuando él camina a su lado, más bien parece flotar.

Kate, por su parte, no tiene mejor suerte, viene de una malograda cita a ciegas, porque su candidato justamente no tiene ojos para ella. Sola, sin amor, y con una madre por demás demandante y paranoica: a esta altura el vecino polaco se ha convertido en Jack el destripador, (una sub trama que refleja la desdichada vida de la protagonista: una mujer que mira pasar la vida por una ventana, igual que su madre.) Kate asiste a un taller de redacción porque como le confiesa a Harvey, quiere escribir una novela de esas que venden en los aeropuertos o supermercados. Llegado a cierto punto los dos sienten que ya no pueden separarse. Caminan bordeando el Támesis, conversan y se divierten con los recursos que les quedan: el río, las calles, los árboles y los bancos de un parque. Y eso es todo. O casi. Las miradas de sesgo, las sonrisas apenas dibujadas y los silencios precisos y oportunos, nos hacen creer por un instante que todo es posible, incluso que suceda el amor de la forma más inesperada, deslizándose suave y lento, apenas perceptible, pero tan real como una pequeña barca sobre el Támesis.

Gabriela Mársico

LA VIDA ES BELLA


Un film tan polémico, que ha despertado tanta controversia, como lo es "La vida es bella" de Begnini, merecería, como toda expresión artística merece, una crítica "en serio" exenta de todo tipo de prejuicios; y hasta ahora solamente lo único serio y libre de prejuicios que he encontrado es la critica de Maurizio Viano publicada en la revista Film Quarter. Señalo "en serio" y "libre de prejuicios" porque hasta ahora no he leído otras críticas que tomen "La vida es bella" en serio, desde una postura que no estuviese exenta de prejuicios -de todo tipo-. La crítica de MV al film parecería tomar como puntos de apoyo, tres visiones ("ángulos") de distintos teóricos, de acuerdo al rumbo y a la forma que va tomando su discurso. Valiéndose de las nociones de Metz, Viano "entra" al film merodeando su entorno, a través de la "filmología", que es el estudio científico desde "afuera" del mundo cinematográfico realizado por psicólogos, psiquiatras, sociólogos, etc. En este caso acude al sociólogo francés Bourdieau para darnos la definición de "gusto", primer prejuicio contra el que se alza Viano. "

Nuestros gustos, preferencias y reacciones, según el sociólogo francés, "se producen como resultado del talento, de la libertad y la inteligencia, más que de la lógica sociocultural, la competencia y el privilegio". Viano ilustra con varios ejemplos este fenómeno sobre la recepción del film, a través de criticas y comentarios que lo descalifican, desde lo histórico, lo ético y lo moral, más que de lo estrictamente cinematográfico. Llega a la conclusión de que los medios especializados (revistas de cine que apuntan a un lector más sofisticado) y los especialistas (eruditos del cine) son los que desprecian, o en el mejor de los casos, toman distancia; mientras que por el contrario, son los estudiantes universitarios de cine y de otras disciplinas distintas los que muestran gran entusiasmo. Dejando de lado las críticas de los "eruditos" y a "la vida es bella" como "película en si", Viano se interna en el film y se propone tomarlo como "hecho fílmico" desde el interior del mundo cinematográfico, pidiéndole prestadas varias nociones "teóricas y filmológicas" a Metz. Dice Viano: "Debería tenerse en cuenta que el proyecto de Benigni, lejos de depreciar/vulgarizar el Holocausto, lo ratifica como la peor pesadilla de la historia, y lo re-inscribe en la memoria colectiva a través de un "código" inusual."

¿Cuál es entonces este código inusual que debemos des-cifrar para entrar dentro del universo que nos plantea el film? El código que propone Begnini para que "entremos" a su film, no es otra cosa que un conjunto de reglas que rigen el universo mítico poblado por dioses y monstruos del cuento de hadas, la llave para entrar a ese universo es el juego, un juego que consiste en ser capaz de vivir la vida como si fuese un cuento de hadas. Se supone que el "juego" comienza en la segunda parte de la película, y sin embargo no es cierto. Maurizio Viano, parecería utilizar la noción gestáltica de Arnheim sobre el "pensamiento creador" que este a su vez había tomado de Wertheimer: "pensamiento creador es el proceso de destruir una gestáltica a favor de una mejor". Volvamos a "La vida es bella" para que la definición del pensamiento creador tome carnadura. ..."Un poco después de que los prisioneros llegan al campo, nos encontramos con la escena más divertida del film. Guido (Begnini) traduce para "beneficio" de su hijo las normas del campo, transformando las órdenes brutales en reglas elaboradas de un "juego" (para la sobrevivencia, de hecho así le parece a Guido), para ganar "el gran premio" y transforma además al guardia del campo, en uno de los "tipos malos" del juego.

Arnheim dice que existen relaciones con la psicología del pensamiento productivo, un cambio súbito en las funciones de un objeto o un episodio se encuentra tan a menudo en cintas cómicas como en los procesos mentales, y en estos con tanta frecuencia como en los chistes. Arnheim cita el ejemplo de Charles Chaplin que hace de policía, mientras un fornido matón, con objeto de ahuyentar al hombrecito, dobla un farol de gas como si fuera un pedazo de alambre; Charlot toma el farol y lo baja un poco hasta que la cabeza del grandulón queda cubierta por la pantalla del farol: la pantalla se llena de gas y deja atontado al duro; de este modo, Chaplin con el farol, Benigni con la transformación de las normas en reglas del juego, han reestructurado uno la función del farol de gas (objeto), y (el episodio) las normas de un campo de concentración, el otro. Entonces, volviendo a Metz, (y a través de Metz, al sistema Pearciano) la creación "Intencional" de un judío optimista que "desvía" los ojos de los "signos" de una tragedia inminente es mucho más que una reflexión sobre las ventajas de la des-identificación. Está al servicio de razones estructurales (arquitectónicas)que el film como comedia y cuento de hadas exige.

Por esa misma razón el film permite que la comedia predomine a lo largo de la primera mitad, porque se niega a convertir a Guido y a su tío Eliseo en "íconos". Como anticipé anteriormente, el juego no comienza en el campo, empieza con el cortejo a Dora. El juego consiste en la habilidad de transformar cada hecho en otra historia, la posibilidad de que lo que sucede en la narración llamada realidad pueda tener otro "significado"; como por ejemplo en el texto inventado y entretejido por la imaginación de Guido, que consiste en el arte de vivir la vida como si fuera una alegoría en la que nuestra imaginación puede darnos la llave. Volvamos al principio, y analicemos la elección de Benigni de "La vida es bella" como título del film, tomada por el mismo de unas cartas escritas por Trotsky durante su exilio mejicano. Este titulo, afirma Viano, opera en niveles múltiples. Tanto en el "habla" diaria, la expresión original, "Dai/La vida e bella" se utiliza para alegrar a alguien, nos pide que veamos las causas de nuestra desesperanza desde una perspectiva más amplia.

"La vida es bella" funciona también en un nivel cinematográfico, porque enlaza/emparenta al film de Benigni con el de Capra: "Que bello es vivir", en términos dialógicos, un film dialoga con el otro: en el sentido del humanismo Capreano, como una muestra del modo en el que el amor, la ternura y el humor pueden mantener en alto el espíritu bajo las circunstancias más opresivas. Sin embargo, Viano, concede que "La vida es bella" no es el título más apropiado para el film, ya que no conlleva una justificación diegética, y expone al film a críticas malintencionadas como las de Peary, (ver crítica de Viano, pag. 30) "¿Puede uno imaginarse a alguien que haya sobrevivido a los campos, diciendo una frase como esta?" .

Gabriela Mársico

VIII FESTIVAL DE CINE DE CUENCA, ECUADOR

Por María Paula Ríos, Area Diagramación de Contenidos del Festival


Me encuentro en Cuenca, una hermosa ciudad del Ecuador, trabajando para el Festival de Cine. Les voy referir de que se trata este festejo:

Desde hace ocho años el Festival de Cine Internacional de Cuenca, ha presentado las propuestas más variadas de la cinematografía mundial. Siempre tuvimos un fuerte compromiso con la gente de la ciudad, por esto organizamos funciones gratuitas al aire libre en barrios, proyecciones con debates en los colegios y en las tradicionales salas de nuestra ciudad.

A lo largo de nuestras ediciones, entre nuestros invitados, contamos con la presencia de Isaki Lacuesta, Laurent Cantet, Pablo Trapero, Roman Chalbaud, Gustavo Fontán, etc. Y han frecuentado realizaciones de los directores mas renombrados en el circuito festivalero, como las de Lisandro Alonso, Kim ki Duk, Victor Erice, Albet Serra, Takashi Miike y Lucrecia Martel entre otros.
A continuación iré anticipando todas las novedades de este Festival, ya institucionalizado en Ecuador:

Competencia Oficial

Alicia en el País, de Esteban Larraín. (Chile, 2008)


Alicia Esquivel, una niña aymara, en busca de trabajo atraviesa a pié 180 kilómetros de desierto, desde su pueblo natal al sur de Bolivia, hasta la localidad de Chile, San Pedro de Atacama. Un viaje iniciático, despojado y minimalista que delimita un universo único; entregándonos, a su vez, una mirada austera sobre una realidad tapada que se acrecienta día a día.


El Camino, Isthar Yasin Gutiérrez. (Costa Rica, 2007)

Road movie que nos sitúa ante el universo tal cual lo percibe Saslaya, una niña de doce años, quien junto a su hermanito Darío decide abandonar Nicaragua para ir en busca de su mamá a Costa Rica. El film desnuda, sin demagogias ni aleccionamientos, una realidad incómoda que muchos prefieren no ver.



Los Condenados, Isaki Lacuesta. (España, 2009)

Dos ex militantes argentinos se reencuentran treinta años más tarde en una excavación para buscar el cuerpo de un compañero desaparecido . En este encuentro surgirán tensiones y secretos escondidos que aflorarán a medida que se acerquen a una impredecible final, donde no todo es lo que parece.


El Bosque , Piort Dumala. (Polonia, 2009)

Piort Dumala, uno de los mas reconocidos animadores polacos, realiza su primer largometraje fuera de los parámetros de esta técnica. En el “El Bosque” se interna casi de lleno al registro realista. Ambientando en tonos sepias, relata la singular relación de un padre y su hijo que viven en medio del bosque. Metafórica y sumamente artesanal, esta obra nos evoca rastros de Tarkoski y Sokurov.

La Clase, Laurent Cantet. (Francia, 2008)

Retrato de un año escolar en un establecimiento parisino al que asisten adolescentes de las más diversas etnias. La película, basada en la obra del escritor y docente François Begaudeau, quien protagoniza el film junto a un grupo de actores no profesionales (son estudiantes), trasciende el ámbito escolar para dar cuenta de cómo afectan al mismo multiplicidad de factores externos.

Soy Huao, Juan Baldana. (Argentina, 2009)

Juan Baldana se interna en la selva amazónica con una familia huaoraní y registra sus costumbres diarias, como se relacionan entre sí y con las diferentes instituciones (educativa y religiosa) que se acercan a la comunidad. El film además de resaltar como este pueblo funciona en comunidad, nos muestra lo esencial que es para los seres humanos el contacto con la naturaleza.


Noticias sobre el VIII Festival de Cine de Ecuador

RESTROSPECTIVA HOMENAJE: 50 AÑOS DEL INSTITUTO CUBANO DE ARTE E INDUSTRIA CINEMATOGRAFICA, (ICAIC).


En el marco del VIII Festival Internacional de Cine de Cuenca tendremos una retrospectiva integrada por cineastas cubanos, sobre los cincuenta años del ICAIC. Entre los títulos que proyectaremosse encuentran: "El Benny", "Fresa y Chocolate", " Son para un sonero", "Suite Habana" y "Clandestinos", entre otras. El Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfico, es una institución dedicada a la promoción de la industria cinematográfica, la cual fue creada en 1959, a ochenta y tres días del comienzo de la Revolución Cubana. El principal evento de esta institución es el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, el cual se motiva en convocar producciones que quedan fuera del circuito comercial cinematográfico.

FOCO DEL CINEASTA ECUATORIANO CESAR “POCHO” ALVAREZ.
También el FICC, proyectará films en Foco del prolífico realizador ecuatoriano, Cesar “Pocho” Álvarez. Pocho es un realizador de cine y video independiente y además se desempeña como productor, fotógrafo y guionista. Sus inicios fueron en el año 1977 y actualmente cuenta con más de cincuenta películas en su haber.


Porque Cesar Álvarez es un realizador comprometido con su país y sus orígenes, siempre registrando cuestiones de alto contenido humanístico, es que la octava edición del Festival de Cine de Cuenca decide rendirle un merecido tributo proyectando una muestra de sus realizaciones.

CINE DE TERROR. ZONA OSCURA



El Festival de Cine de Cuenca, en sus ansias de enunciar nuevas propuestas, decide incluir este año una sección de cine de terror independiente argentino. El director de las películas que conforman esta sección se llama Adrian García Bogliano, quién también es integrnte de la productora argentina de cine de terror “Paura Flics”, la cual tiene su sede en La Plata (Argentina).
Los títulos que se proyectarán en esta sección son, 36 pasos, Grite una noche, Habitaciones para turistas y No morire sola.

Visión Latinoamérica

Bagatela, de Jorge Caballero. (Colombia, 2008)


Al estilo de Raymon Deparmon en Delitos fragantes (1998), Jorge Caballero registra el funcionamiento de un sistema de penalidad muy severo para delitos que no lo son tanto y que, en su mayoría, son consecuencia de conflictos sociales como la falta de trabajo y el hambre.

El estado de las cosas, de Marcos Loayza. (Bolivia, 2007)


Documental con tintes dramáticos intencionales que desnuda la situación de un país aquejado por gran injusticia y desigualdad social.

La Mini Desazón, de Felipe Moreno Salazar. (Colombia, 2009)


Mas dichos del controvertido escritor colombiano Fernando Vallejo. Aquí, sus declaraciones siguen tan polémicas como en “La Desazón Suprema” (Luis Ospina). Continuando esta la línea “La mini desazón” recopila mas afirmaciones fulminantes de este hombre de letras.

La Colorina, de Fernando Guzzoni. (Chile, 2008)


Documental que retrata a Stella Diaz Varin artista iconoclasta y totalmente transgresora del sistema chileno pinochetista. Deambulando entre ensueños y la marginalidad, La Colorina, así la llamaban por su larga cabellera roja, recorrió las calles bebiendo, derrapando poesía y enamorando a personalidades del mundo de las artes como Alejandro Jodorowsky y Nicanor Parra entre otros.

Paraguay: nosotros también podemos, de Cristian Jure. (Argentina/ Paraguay, 2009)


Documental que aborda las nuevas formas políticas de Paraguay con la ascensión de Lugo al poder, quién rompe con la antigua hegemonía del Partido Colorado. Siguiendo la línea de sus otros documentales (“Es la Economía ¿Idiota o cómplice?”, “Bolivia para todos”), Emilio Cartoy Díaz ofrece otra investigación sobre las manifestaciones políticas en Latinoamericana.

Invitados

Rogelio París es un reconocido director de cine cubano que nació en La Habana. Estudió Derecho e Historia en la Universidad de La Habana y cursó en la Escuela Profesional de Publicidad. Comenzó trabajando como director y guionista en televisión. En el 64´ ingresó en el ICAIC como Director de documentales. Actualmente es profesor titular de Dirección de Cine en la Facultad de Cine Radio y Televisión del Instituto Superior de Arte. En el Festival de Cine de Cuenca, presentará su última película “Kangamba”, film que retrata el enfrentamiento entre el ejército sudafricano racista UNITA, contra las fuerzas de la FAPLA, leales al gobierno angolano y un grupo de combatientes cubanos de la FAR, estacionados en Kangamba, un pequeño pueblo del sur de Angola.
Emilio Cartoy Díaz es productor y realizador de televisión en Argentina. Es director de Imagen y Radio TEA (Taller Escuela Agencia), fundador del Festival Latinoamericano de Video de Rosario y miembro de la Comisión de Educación y Comunicación de la Fundación El Libro. Entre sus tantas realizaciones encontramos, "Bolivia para todos", "Historia de dos orillas", "¿Es la economía idiota o cómplice?. Las películas en las que interviene Emilio cotienen un alto contenido social y político, manifestando así las distintas realidades de América Latina. El año pasado el Festival de Cine de Cuenca también contó con su presencia, en donde presento dos de sus realizaciones e impartió charlas por los medios y universidades de nuestra ciudad.

Jorge Vivanco Maldonado es un cineasta Lojano (Ecuador). Posee gran experiencia (mas de quince años) en actividad teatral, como actor y director. Además de contar con una extensa trayectoria en la actividad cinematográfica como guionista y director de varios filmes. Ha escrito y publicado obras de teatro, radio, poesía y cuento. Entre sus realizaciones más destacadas encontramos “Chacón Maravilla”, ganadora del premio al mejor filme infantil en el Festival de Cine de Finlandia, “Memorias de campaña”, ganadora del premio Coral al mejor video documental en el Festival de Cine de La Habana; y en 1989, “Tequimán”, fué elegida por el público infantil en el Segundo Festival Latinoamericano de Cine Infantil en (1991). En el Festival presentará dos de sus realizaciones dedicadas al público infantil, "El duende y la Biendivia", y "Sara la espantapájaros".

Renny Arozarena, protagonista del film "El Benny",homenaje al popular músico cubano Benny More. El mismo es graduado en la Escuela Nacional de Instructores de Arte. Ha trabajado en los grupos teatrales Hermanos Ruíz Aboy, Olga Alonso, Teatro de Arte Popular y Teatro Caribeño dirigidos, respectivamente, por Julio González, Humberto Rodríguez, Tito Junco y Eugenio Hernández. Ademas de impartir diferentes talleres y cursos de actuación en los principales teatros y casas de cultura de Ciudad de La Habana, ha incursionado tanto en la TV, como en el cine. En la actualidad dirige el grupo de teatro Talismán.

Ganadores del VIII Festival de Cine de Cuenca

MEJOR PELÍCULA: "LOS CONDENADOS", de Isaki Lacuesta. (España 2009)


"Por el coraje para tratar con intensidad y sin concesiones una problemática casi tabú de una época convulsionada en Latinoamérica"

MEJOR DIRECCION: "SOY HUAO", de Juan Baldana. (Argentina, 2009)


"Por encontrar la distancia justa para retratar, narrar y respetar a una comunidad ancestral"

MEJOR GUION Y MEJOR ACTUACION: "ENTRE LOS MUROS", de Laurent Cantet. (Francia, 2009)


"Por generar un gran efecto de realidad social a partir de un tono exacto en cada actuación individual y en interacción colectiva"

MEJOR FOTOGRAFIA:"EL BOSQUE", de Piort Dumala. (Polonia, 2009).

"Por la variedad y eficacia en el uso de la luz como elemento dramático"


Jurados

Rodrigo Díaz (director, desde hace 25 años de Festival Latinoaméricano de Trieste en Italia)
Javier Porta Fouz (programador del BAFICI y jefe de redacción de la revista argentina de cine El Amante)
Manuel Lima Perez (docente del instituto de cine ITEK, Ecuador. Técnico con varios trabajos realizados en el cine y la televisión cubana)
Diana Astudillo (periodista, fotógrafa y productora VI edición del Festival de Cine de Cuenca.)