29 de junio de 2010

KARATE KID, de Harld Zwart


El mismo director que se encargo de dirigir la película para niños/adolescentes "Agente Cody Banks" y también "La pantera rosa 2", es quién se acredita la remake de "Karate Kid". Aquella que por el año 1984 fuera un éxito de taquilla llegando a realizarse tres secuelas. Recordemos que aquí los protagonistas eran Ralph Macchio (Daniel San) y el maestro Mr Miyagi, Pat Morita. En la nueva versión encontramos que Daniel-San es reemplazado por un carismático Jayden Smith, si el hijo de Will Smith, y en lugar del maestro, aquí devenido en encargado de edificio, la estrella de artes marciales Jackie Chan.

Fui a ver el film empujada por la añoranza de mi época infantil y con mi mente encasillada en las comparaciones. Pensé que iba a ser muy difícil rescatar el espíritu de la versión original. Debo admitir que me equivoque y mucho, ya que no solo lo rescata, sino que además se toma el atrevimiento de adquirir vuelo propio.

La historia cuenta como Dre Parker y su madre, por cuestiones laborales, se mudan de Detroit (EEUU) a China, específicamente a la gran Beijing. El film girará en torno a la adaptación de ambos a esta exótica cultura, sobre todo de Dre a su nueva escuela en donde conocerá a la joven violinista Mei Ying. Debido a este suceso tendrá que enfrentarse a un engreído Cheng, quién hará de todo para interferir en la relación. Será el Sr.Han quién, además de adoptar una actitud paternal, le enseñe secretos y técnicas sobre las artes marciales para que Dre se defienda y también para que compita contra Cheng en el gran torneo de Kung-Fu.


No solo es la familia Smith quien aquí da un empujón económico para posicionar al pequeño Jayden en el mundo cinematográfico. Parece que el gobierno de China también ha puesto su buena cuota, porque apreciaremos en todo su esplendor los lugares mas prototípicos del país, como la Ciudad Prohibida y la Gran Muralla. Además de varios aspectos de sus tradiciones ancestrales, como el teatro de sombras.


Dejando a un lado mi embelesamiento por la cultura oriental repito nuevamente que "Karate Kid" la remake rescata fielmente el espíritu de la primera, a su vez diferenciándose ya que el argumento varía bastante. El film es muy ágil, a pesar de su larga duración estaremos todo el tiempo expectantes y siguiendo lo que el pasa a Dre. El amor, el espíritu competitivo, la amistad, una coreografía de puños y patadas y la música, formaran parte de este cóctel, que se sostiene, mas allá de su clásica y correcta forma, por aquel dejo de nostalgia ochentosa.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

BRIGADA A, de Joe Carnahan


Hablando de remakes y ochentosas, nuevamente el cine norteamericano nos ofrece otra. Esta vez la adaptación de la exitosa serie televisiva "Brigada A" o "Los magníficos". Si aquella en la que se encontraba Mario Baracus, aquel enorme hombre que relucía collares y anillos de oro. Recordemos que en la serie un grupo de ex combatientes de la guerra de Viet-nam son enjuiciados por un delito que no cometieron. De este modo se transformaban en fugitivos y mercenarios por "obligación”, para así desde el anonimato impartir justicia.

La historia en el film no dista mucho a la serie y el tratamiento tampoco, salvo por el avance en los efectos especiales, que en esta nueva adaptación parecen ser de vital importancia. Aquí Liam Neeson encarna a Hannibal Smith, el líder del grupo, Bradley Cooper a "Face", el playboy y el encargado de conseguir maquinaria para las misiones; el luchador Quinton Jackson a Mario Baracus y Sharlto Copley al "loquito" Murdock. En verdad el casting fue acertado ya que ninguno de los nuevos personajes desentona con los originales.

En esta reinterpretación se cuenta una aventura en escenarios internacionales, entre Irak, Alemania y Estados Unidos. Aquí como ex combatientes de guerra, pero de Irak, también recibirán una condena por un crimen del cual no son culpables. Pero respaldados por un agente de la CIA, el equipo se dará a la fuga con la intención de encontrar a los verdaderos culpables.

El film sostiene la acción de golpe de efecto en golpe de efecto, tanques, aviones, explosiones y espectacularidad, tapando así la precaria trama. Hay que reconocer que mantiene el humor que rescataba la serie tornandose desvergonzada. Entre el absurdo y lo bizarro, a causa de lo vertiginoso del ritmo, este tanque de acción pochoclero ofrece, literalmente, mucho ruido y pocas nueces.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Rios


23 de junio de 2010

KICK ASS, de Matthew Vaughn

Dave Lizewski es un adolescente fanático del comic que embargado por este fervor, además de transitar una etapa de cambios psicológicos y hormonales, y con el peso de la muerte de su madre a cuestas, decide convertirse en superhéroe. Se pone su traje verde, un tanto ridículo, su máscara y sale a recorrer las calles en busca de justicia. Pero justamente en una de las primeras escenas, cuando es atacado por dos ladrones y lo hieren de muerte, nos daremos cuenta que esta desprovisto de todo tipo de cualidades extraordinarias. Conciente de sus limitaciones, pero adquiriendo una "falsa fama" vía youtube, debido a que un par de curiosos graban con el celular como defiende a un hombre de una golpiza, Kick Ass se cruzará con Hit girl y su padre Big Daddy (Nicolás Cage). Dos nuevos superhéroes que salvaran al mismo de la muerte en manos de unos narcotraficantes. Hit girl y su padre si cumplen con todas las características del superhéroe clásico, protegen su identidad y tienen logística y entrenamiento de avanzada. Influenciada por su padre Hit Girl ha dedicado su corta vida a prepararse para vengar la muerte de su madre en manos del archivillano de la película, quién es el que suministra toda la droga en New York. Entre malvaviscos y chocolate caliente, la niña y su papá tienen una relación cotidiana sumamente afectiva, Hit Girl aprende a manejar el arsenal de armas que tiene en su casa y a la hora de matar a sus enemigos no dudará ni un instante.

Kick Ass explora varios entramados como la influencia de la tecnología hoy en día en pos y alcance de la comunicación, los vínculos en las relaciones familiares, el control sobre el otro como ejercicio abusivo de poder, la noción de fácil acceso a las armas instaurado en Estados Unidos y la preocupante naturalización de la violencia, todo esto solapado, inteligentemente, bajo la forma de comic. Recalco la forma en que se tratan estos tópicos, porque la película es muy violenta, por momentos hasta gore, y a pesar que el género se presta a la fantasía, el impacto en lo físico se transfiere de modo muy real y visceral, por esto mismo es prohibida para menores de dieciséis años. Si bien el asunto puede generar controversias desde lo ideológico, paradójicamente la crudeza trasmitida hace tomar conciencia de la materialidad de la muerte.

Una película muy pop en su estética, con reminiscencias a las de Tarantino en cuanto a las escenas de acción. Con buen ritmo, entretenida, aunque con algunos desfasajes de guión, y en la que sobresale la actuación de la pequeña actriz Chloe Moretz quién con su carisma se adueña del film. 


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

21 de junio de 2010

LEGION DE ANGELES, de Scott Stewart

“Legión de Ángeles” es la opera prima de Scott Stewart quién es responsable, en buena parte, de la creación de los efectos especiales en varios films del mainstream norteamericano. El leit motiv de esta película esta basado en una amenaza externa y desconocida que viene a irrumpir la aparente normalidad. En vísperas de navidad Dios desepcionado por el comportamiento de la humanidad, decide enviar un ejército de ángeles a la tierra para exterminar a los seres humanos. Pero será el arcángel Miguel (Paul Bettany), líder de esta legión, quién se revelará comenzando a hacer todo lo posible para proteger a los seres de la tierra. Un pequeño grupo de personas aisladas en el bar de una vieja estación de servicio ubicadas en el medio del desierto, ofrecerá resistencia ante el ataque de esta angelada legión. El mismo se produce allí porque entre ellos se encuentra Charlie, una joven embarazada quién lleva en su vientre al salvador de la raza humana.

En la primera parte nos encontramos ante una película apocalíptica en donde trasciende la acción cimentando a la misma. Abundan efectos especiales, ángeles musculosos, tatuados y muchas armas, hasta las alas cumplen esta función. En su segunda mitad se torna pretenciosa agregando cuestiones pseudo existencialistas y demagógicas en donde predominan diálogos inconexos. La historia gradualmente va perdiendo interés, suspenso y tonalidad, de oscura pasada a rosada, de animada a tediosa y de simple a ostentosa.

Atrapada en el plano de la contradicción, pero no justamente una contradicción dialéctica y hegeliana, sino mas bien una de índole histérica, la misma se vuelve artificial descuidando su construcción narrativa y la de sus personajes, quebrantando así la verosimilitud conformada en un principio en este pequeño universo ficcional, y dejando en el espectador un cierto halo de ajenidad y extrañeza.


Nota producida para el portal Ay love, por María Paula Ríos

19 de junio de 2010

DIOSES, de Josué Méndez

"Dioses" es la segunda película del director peruano Josué Méndez, la cual estuvo coproducida por Perú, Argentina, Francia y Alemania. Este joven director debuto con "Días de Santiago" en el año 2004 un film con muy buena recepción por parte del público que contaba la historia de Santiago, un ex soldado peruano de veintitrés años que regresa a Lima después de haber luchado contra la subversión terrorista, el narcotráfico en su propio país, y en el conflicto con Ecuador. En film se centraba en la adaptación y la supervivencia que tenía que desafiar Santiago ante una sociedad abrumada de conflictos sociales y por ende "sin memoria" ante lo afrontado por esta generación de jóvenes.

En "Dioses" Méndez sigue hurgando espacios incómodos en un país que tiene una división de clases altamente marcada. Esta vez hace una ficción que refleja la clase alta peruana, un grupo social aislado en todo sentido, geográficamente, ya que generalmente ubican sus mansiones en la playa sobre el lado del Pacífico, y socialmente, ya obvian todo los conflictos económicos y sociales del resto de Perú.

La historia explora el micromundo que conforman Agustín un alto empresario peruano que trae a casa a su nueva esposa, Elisa, una joven muy bonita veinte años menor que él, que proviene de una familia humilde y que hará lo que sea por adaptarse a este ambiente. Diego, el hijo menor, que vive de exceso en exceso, fiestas, borracheras y mucho sexo. Y quién siente una gran atracción por su hermana mayor Andrea, persiguiéndola a sol y a sombra. Y Andrea que lleva una vida de perfil mas bajo, sin por esto dejar de ser caprichosa, la niña mimada de papá, y quién también esconde un gran secreto.

La película oscilando entre un tono paródico y melodramático y sin desbordar originalidad, pero respetuosa tanto en su ritmo narrativo y puesta en escena, desviste, sin demagogias, aspectos de la realidad en la clase alta peruana. Ámbito  donde la hipocresía, la frivolidad, el conformismo y la indiferencia son moneda común . Como bien lo define el propio director "este tema muestra como la miseria moral, y no solo la económica, está presente en mi sociedad, mas allá de la clase social a la que se pertenezca...".

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

MARMADUKE, de Tom Dey

"Marmamduke" esta basada en una historieta creada en 1954 por Brad Anderson, la cual se público por muchísimos años en el diario mas famoso de Canadá, el Toronto Star. Por los años setenta la misma tuvo una adaptación televisiva. Ahora le toca al cine y de la mano de Tom Dey, un director norteamericano con tres películas en su haber y que distan bastante en temáticas, "Shanghai Kid" un western combinado con artes marciales con Jackie Chan y Owen Wilson, "Showtime" un policial con Robert De Niro y Eddie Murphy, y una comedia de amor con Sarah Jessica Parker y Matthew McConaughey, "Soltero en casa".

"Marmaduke" es un adorable y gigante perro de raza gran danés que vive con los Winlows, una familia tipo conformada por una madre ama de casa, tres hijos y el padre que es experto en marketing para alimentos de mascotas. Debido a cuestiones laborales del padre, la familia se debe mudar de Kansas a la costa oeste en California. Por lo que Marmaduke tendrá que adaptarse a este ámbito ajeno, y afrontar situaciones como ganar un lugar entre sus nuevos amigos o enamorar a la perrita de sus sueños.

Como observamos en “Marmaduke” están trasladadas toda clase de inquietudes humanas, y no caninas, típicas de un adolescente norteamericano. Por lo que el film se convierte en una comedia de adolescentes, pero encarnado en la piel un perro que hasta habla y todo (con la voz de Owen Wilson). Habrá perros amigos "loosers" (los que no tienen pedigrí) y los ganadores que si son de raza, una gran fiesta descontrolada para ganar simpatía, y hasta practicará surf nuestro simpático can humanoide quién hará lo  imposible para pertenecer al nuevo lugar.

Dejando a un lado lo ideológico y lo remanido del género, la música funciona acorde a lo que se cuenta, los efectos son ágiles y los gags están bastantes logrados. Estamos ante una película familiar que al público infantil lo van a divertir sin defraudar.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

14 de junio de 2010

LOS MEJORES DE BROOKLYN, de Antoine Fuqua

Antoine Fuqua es un director norteamericano de mucha acción, entre sus films anteriores podemos recordar la oscarizada "Día de entrenamiento" o "Lágrimas del Sol". Es un hombre de oficio y hay que destacar que sabe maniobrar muy bien los ámbitos policiales o militares.

En "Los mejores de Brooklyn" se cuenta, independientemente, la historia de tres policías y las vicisitudes que cada uno de ellos atraviesa. Eddie (Richard Gere) es un policía solitario autodestructivo, que ha resignado una vida familiar por su carrera. A punto de retirarse se siente vacio, desilusionado, muy pocas cosas lo emocionan. Sal (Ethan Hawke) es un joven que tiene una familia numerosa y necesita dinero para mudarse de la casa en que vive, el espacio es chico y su mujer (embarazada) necesita paredes sin moho debido a una alergia que padece. Sal comienza a corrumpirse para conseguir el dinero, además de cargar con la culpabilidad de haber asesinado a un narcotraficante por el vil metal. Tango (Don Cheadle) hace tiempo trabaja como agente encubierto en el epicentro del mundo de las drogas. El problema es que su vida personal ha traspasado ciertos límites y ahora se encuentra en el dilema de tener que traicionar a quién se ha convertido en su mejor amigo, el traficante Caz (Wesley Snipes). También existen los oficiales superiores que harán de todo por quedar bien o conseguir un mejor puesto en la institución.

Una película de acción, clásica y bien narrada, con actuaciones y un timing correcto. Las escenas son crudísimas, con un realismo muy logrado, y donde no son ajenos tampoco los dejos de cuestionamientos vinculados con lo moral y la culpabilidad. Como valor agregado se puede rescatar el tratamiento logrado en la vida cotidiana de los personajes. Cotidianidad no ajena a los problemas económicos y sociales de un barrio bastante alejado del "sueño americano". Aquel sueño que hace tiempo ya ha dejado de venderse, afortunadamente, en el cine norteamericano. Film recomendado para aquellos que disfrutan del género policial y la acción a raudales.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

ZENITRAM, de Luis Barone

Sobre un relato paródico con tintes políticos de Juan Sasturain, escritor argentino y quién condujera el programa cultural en Telefe, "Ver para leer", esta basado este film que narra la historia de una especie de superhéroe/antihéroe argentino. Luis Barone, su director, a pesar de tener cinco películas filmadas ("24 horas (Algo está por explotar)", "Buenos Aires plateada", "Los malditos caminos" "El tigre escondido" y "Zenitram"), tiene mas experiencia en dirección de televisión que en cine. Parte del elenco de la película esta compuesto por Juan Minujin, Luis Luque, Daniel Fanego y los españoles Jordi Mollá y Verónica Sánchez. Y como nota de color hay apariciones breves de personalidades del mundo de la cultura como Jorge Dorio, Tom Lupo y José María Muscari.

La historia está situada en futuro no muy lejano, donde el agua es uno de los elementos mas preciados del mundo, y por lo tanto en nuestro país su distribución esta monopolizada por una empresa extranjera. Es una Argentina bastante marchita y gris. Y existe un gobierno de apariencia populista, pero que toma medidas políticas antinacionales. En medio de este contexto, y tras ser despedido de su empleo como basurero, al joven Martínez le revelan que pronunciando su apellido al revés, Zenitram, y tocándose sus genitales, posee el don de volar y adquiere una gran fuerza. Al revelarse ante el mundo como el superhéroe argentino, Zenitram se vinculará con el periodismo y con el gobierno. Y a través de un viejo amigo científico, se posicionará como la esperanza del país para solucionar la problematica del agua.

El planteo del film es sumamente interesante, con tono de parodia recorre varios momentos históricos y políticos de nuestro país como el de la dictadura militar, los estereotipos de la década menemista o la famosa pelea del actual gobierno con los medios. También cuestiones como lo ecológico, el amor, el "argentinismo", el comic, etc. Pero como bien diría el refrán: "el que mucho abarca poco aprieta", por lo que no se logra cristalizar una idea de todos estos elementos. Creo que falta solidez en la construcción del guión, la historia cambia de matices sin una buena cohesión y muchas de las actuaciones, como la del mismo Zenitram y los españoles, no logran alcanzar el tono que requiere la historia. Una historia que por momentos aburre y en donde se entremezcla sin lograr consistencia lo cómico y lo dramático.

Una pena porque creo que Zenitram tiene buenas intenciones, una búsqueda de estilo propio, con ideas atractivas, pero se queda rasante en el vuelo.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

TODOS TENEMOS UN EX, de Fausto Brizzi

“Todos tenemos un ex” es la segunda producción del director italiano Fabio Brizzi que en su país fue un gran éxito de taquilla. La primera, "Notte prima degli esami"(2006), fue de corte menos comercial, con menor presupuesto y solo se estreno en Italia y Polonia. Cabe aclarar que Brizzi tiene mucha experiencia en la tv italiana y esto se nota en el film, ya que por momentos se asemeja a una sitcom.

Sin nuevos descubrimientos “Todos tenemos un ex” remite a la película coral con seis historias de parejas que sufren, se pelean, se aman, se odian y se reconcilian. Pablo, el novio de Monique, esta celoso de David (ex pareja de ella) y se encuentra en guardia porque lo siente una gran amenaza. Sergio de un momento a otro debe asumir el hacerse cargo tiempo completo de sus dos hijas adolescentes tras la muerte repentina de su ex esposa. Julia y Marc tienen una armoniosa vida en París pero debido a un traslado de negocios a Nueva Zelanda deberán aprender a mantener su amor a la distancia. Loredana y Lucca tratan de asumir de la manera mas madura su divorcio, al contrario de Filippo y Caterina que en medio de este proceso de separación se disputan por la "no" custodia de sus hijos. Y Elisa, quién esta a punto de casarse con Corrado, se encuentra con un ex en el lugar y momento menos esperado.

Las historia son fluidas y agradables y transitan la típica idiosincrasia italiana, voces fuertes y esa cierta tendencia hacia la exageración, agitándose entre el humor y el dramatismo. Si bien cae en los lugares comunes de siempre, como su final totalmente conservador, el verosímil y los personajes estan noblemente construidos. Reflexiones sobre el amor y todos sus ingredientes nos acerca esta comedia que sin llegar a sobresalir brinda momentos nítidamente disfrutables.

Nota elaborada para Ay Love, por María Paula Ríos

ESTA VIVO, de Josef Rusnak

Parece que la escasez de ideas se acentúa cada vez mas en el maistream estadounidense, ya que nuevamente nos encontramos ante una remake. Esta vez de una película clase b, homónima, de la década de los 70´ dirigida y escrita por Larry Cohen. Quién también colabora en el guion de esta nueva versión a cargo de Josef Rusnak.

Leonore, una joven y aplicadísima estudiante universitaria, queda embarazada de su novio Frank. Ambos, dispuestos a iniciar una familia, se mudan a una casa de lo mas terrorífica. Este será uno de los primeros indicios que anticipará lo que esta por suceder, sin descartar las intuiciones de la futura mamá. Cuando llega el momento del parto ocurre una terrible masacre, mueren asesinados el médico y las enfermeras, solo queda con vida el bebé y su madre. Todo el hecho queda sumido en un terrible misterio, y la parejita volverá a casa con su hijo, que comienza a manifestar conductas infrecuentes como por ejemplo el devorarse una paloma. Sucederán una serie de asesinatos en torno al infante señalándolo, muy a pesar de los sentimientos de la madre, como el autor de los mismos. Leonore se empeñará en proteger a su hijito tratando de justificar lo injustificable.

El enfoque del film no produce nada novedoso con respecto al anterior y, en todo sentido, esta menos logrado. Solo se limita a retratar el universo de frágil cordura de la madre, a diferencia de la antigua versión que se expandía ante la mirada y las reacciones de toda la comunidad frente a un fenómeno tan pavoroso y causalmente inexplicable. Agregando que narrativamente no se genera ni suspenso, ni misterio en la historia. Su antecesora cimentaba esto dos factores en el intento de nunca develar del todo la fisonomía del niño. Intuíamos algo tenebroso y monstruoso, pero no lo veíamos. En cambio en la actual ya de entrada se nos muestra a la criatura, tiene una apariencia normal y concibe la idea de dulzura y ternura típica de la edad, lo cual le quita total verosimilitud en combinación con las escenas sangrientas.

¿Que mas agregar??, no creo que entusiasme siquiera a los amantes del genero.


Nota elaborada para Ay Love, por María Paula Ríos

11 de junio de 2010

LA ROBE DU SOIR, de Myriam Aziza (BAFICI 2010)

Myriam Aziza es una directora francesa con algunos films en su haber, entre ellos un documental Nos traces silencieuses , con quién comparte la realización con Sophie Bredier. En La Robe du Soir coescriben el guión juntas. Seguramente esta película tendrá su estreno en Francia y diversos países de Europa pero no creo que llegue a las salas argentinas.

Le Robe du soir, traducido a nuestro idioma, significa El Vestido de Noche. Lo cual esta relacionado, dentro del contexto del film, con el atravesar esa línea tan delgada que separa la niñez de la adolescencia, comenzar a tener gustos y querer actuar como una mujer.

Juliette es una niña de doce años muy aplicada y obediente en la escuela. Parece estar embelesada con su maestra, una mujer atractiva, sofisticada y con muy buen trato. Le gusta como se viste, como se maquilla, su sentido del humor, y debido a lo estudiosa que es Juliette, parece no querer defraudarla, hay cierta complicidad entre ambas. Pero un día la profesora vuelca su atención hacia un compañero de la joven. Un adolescente muy capaz pero con problemas de concentración, por lo que la maestra decidirá impartirle clases particulares. A partir de este momento, debido a los celos, se dará un quiebre en la vida de Juliette ya que la admiración se comenzará a convertir en una gran obsesión.

Debemos tener en cuenta el contexto familiar de la niña/adolescente, ella vive con sus hermanos y sus padres están casi siempre ausentes. El padre no vive con ellos y la madre trabaja todo el día. Juliette se identifica y desea ser como su maestra, teniendo en cuenta además que esta atravesando la etapa del despertar sexual, se confunden sus sentimientos.

Se nota que la directora tiene oficio, la factura del film es impecable. Esta muy bien filmado, la música acompaña en tono exacto, el ritmo es ágil y denota ese extrañamiento que siente Juliette ante sus emociones tan ambivalentes. Generando también suspenso e interés por querer saber en que devendrá esta gran obstinación. Pero el problema es su resolución ya que se nota forzada y sobreexplicativa. Una pena para un film que en su construcción revela la ambigüedad propia del despertar de un adolescente.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

CONTACTOS DEL CUARTO TIPO, de Olatunde Osunsanmi



Olatunde Osusanmi es un joven director que ya incursiono en el género del terror con su primer largometraje, The Cavern, donde relataba una historia de descenso a los infiernos. Pero con Contactos del cuatro tipo logra muchísima mas repercusión debido a su temática, sus actores y su método para filmarla, una especie de mockumentary (falso o pseudo documental).

En la primera escena de la película aparece la actriz Milla Jovovich informándonos que lo que estamos a punto de ver esta basado en hechos reales. Que ella representa a la doctora Tyler y que la película esta alternada con (supuestas) grabaciones de casos verídicos. Y que esta en nosotros que creamos o no lo que sucedido. El arranque es interesante y genera un cierto halo de misterio.

Todo sucede en Nome, Alaska, un pueblito que desde hace cuarenta años sufre de desapariciones de personas las cuales son inexplicables. La Dra Tyler de adentra en el mismo para investigar y se comienzan a acontecer sucesos impactantes. Tras la misteriosa muerte de su marido, Tayler descubre extraños comportamientos en algunos de sus pacientes quienes experimentan inexplicables trastornos y alteraciones de sueño. Sucesos que relaciona, tras averiguaciones, con posibles abducciones extraterrestres muy traumáticas que acontecen en esta gélida zona del mundo.

Que decir, hay algo de original en esta forma de intercalar grabaciones de casos supuestamente verídicos con la ficción, en realidad es interesante este bucle interminable pseudo realista. El problema reside en mal aprovechamiento de este recurso, en la chatura de como se aborda. Al final terminamos viendo otra película mas que funciona a base de golpes de efectos visuales, dejando a un lado el poder transmitir sugestión lo cual generaría mayor suspenso y veracidad a merced de lo que se cuenta. Fanáticos del género la van a pasar bien, escépticos abstenerse.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos 

8 de junio de 2010

DIVERSA, 6to Festival de Cine Internacional Gay Lésbico Trans


Cobertura de la Sexta Edición del Festival Internacional de Cine Gay Lésbico Trans para la revista digital española ENCADENADOS, haz click aquí y te enterarás de todo

6 de junio de 2010

SERAPHINE, de Martin Provost

Provost narra la historia del develamiento de una de las pintoras mas asociadas al arte naif, Séraphine Louis, también citada como Séraphine de Senlis. Contextualizada en un pueblito de Francia en los principios de 1900, Wilhem Uhde, un alemán con una extensa colección de arte y con fama de atinar grandes talentos artísticos, un día casualmente se tropieza con una obra de Seraphine y se asombra al averiguar que ella es la autora. Ya que la misma es quien limpia en la casa que él renta.

Con una vida muy particular y una sensibilidad a flor de piel, Séraphine queda huérfana a los cinco años. Sin recibir educación y sola en la vida le queda sobrevivir limpiando casas, lavando ropa para los adinerados y ayudando en distintos negocios del pueblo. Un tanto hosca y poco comunicativa guarda con recelo su gran secreto y todos los ritos en torno a su afición de pintar, como prepara los colores o como dispone los lienzos.

Wilhem Uhde decide inmediatamente ser su tutor y brindarle la posibilidad para que desarrolle su arte, pero la interrupción de la Primera Guerra hace que Uhde tenga que regresar a Alemania. Aquí hay un impass entre ambos, pero en estos años la capacidad artística de Séraphine se potenciará al máximo transformándose en una verdadera artista. Ya culminada la guerra Uhde vuelve a Francia y en una exposición del pueblo admira un cuadro de la virtuosa Séraphine y queda azorado. Retornado de este modo a buscarla y por fin darle la posibilidad que había quedado truncada. Ahora Séraphine por fin entrega su vida al arte convirtiéndose, a su vez, en víctima de excesos y traspasando los límites de la cordura.

El tempo de la película es pausado y con algunos desfasajes narrativos. Debido a la necesidad de querer abarcar tantos sucesos en la vida de la artista los mismos pierden consistencia en la singularidad. Pero conocer los pormenores de esta pintora genial, sensible, inocente, sufrida y que exuda libertad; sumada la excepcional interpretación de Yolande Moreau, la cual eleva notablemente el film, ya que narrativamente es bastante convencional, hace que valga la pena experimentar la visión de este singular, rústico e ingenuo modo de captar la realidad.
Nota elaborada para el portal Ay Love, por Maria Paula Rios

ESTAMOS TODOS BIEN, de Kirk Jones

Estamos todos bien es una remake de aquel drama italiano Stanno Tutti Bene del director italiano Giuseppe Tornatore y protagonizada por el gran Marcelo Mastroiani. En esta versión lo suple en el protagónico otro buen actor norteamericano, Robert De Niro, quien interpreta a un viudo con problemas de salud ya retirado de su trabajo que quiere reunir a sus cuatros hijos en casa tal como lo hacía su mujer. Tras la imposibilidad de congregar a todos juntos, debido a los compromisos que tienen cada uno de ellos, decide emprender viaje e ir a visitarlos uno por uno.

Un viaje iniciático en cuanto a descubrimientos e introspección emocional se refiere, ya que a través de este recorrido surgirán verdades familiares dolorosas las cuales el protagonista, puede que inconscientemente, tiene vededadas. Ciertamente no están todos tan bien como lo indica el título.

Este film es un drama que en su primera parte esta bien construido, vemos un De Niro totalmente creíble, un padre exigente, detallista y preocupado que ha trabajado toda su vida para darle lo mejor a sus hijos. Y que lo aqueja la ausencia de su compañera, esposa, en parte cómplice de ocultarle gran parte de la realidad.

Cuando la historia esta llegando a su desenlace se torna mas melodramática, hay situaciones mas lacrimógenas y algún que otro golpe bajo. Pero nunca pierde su lógica ya que la narración deviene en esto. Estamos todos bien nos va a tocar de cerca, va a generar mucha identificación con los personajes y por lo tanto puede que se nos caiga alguna que otra lágrima.

Sin destacarse en su género, es un film correcto en su estructura y donde se hacen presentes temas como la melancolía, la soledad, las relaciones, el perdón y sobre todo la aceptación.


Nota elaborada para el porta Ay Love, por María Paula Ríos

UN SUEÑO POSIBLE, de John Lee Hancock

Un sueño posible está basada en el libro "The Blind side: Evolution of the game", que a su vez esta inspirado en una historia verídica. Michael Oher es un enorme joven afroamericano quién consigue por casualidad una beca en una escuela católica, donde en su gran mayoría son blancos y adinerados, debido a su capacidad deportiva. Michael viene de los suburbios, del lado marginal de la ciudad y su familia es totalmente disfuncional. Una madre ausente y un padre suicida que no lo reconoció nunca. Por lo que el joven se encuentra solo y a la deriva hasta que un día lo encuentra bajo la lluvia la familia Tuohy, y he aquí que cambiará su vida ya que esta familia cristiana lo aceptará, lo adoptará y lo guiará, a través del esfuerzo y la voluntad, a que se transforme en una estrella deportiva.

El papel de Leigh Anne, la mentora incondicional de Michel, le valió el Oscar a mejor actriz a Sandra Bullock. Oscar totalmente acorde a sus criterios y políticamente correcto, ya que subraya el ideal de la mujer estadounidense, esposa fiel devota de su familia y con una alto compromiso cristiano. Debo confesar que me cae bien Sandra, pero este es una de sus peores actuaciones, remanida, previsible e impostada.

En esta historia hay un subtrama implícito totalmente peligroso. Lo que se cuenta es aleccionador, moralista hasta el extremo y sumamente tranquilizador. Tranquilizador sobre todo para aquellas conciencias guiadas "por el debe hacer", para limpiar en gran parte culpas y estigmas sociales. Pensemos en lo que simboliza cada personaje y da miedo, Michael es de color, con grandes problemas para relacionarse "salvado" por una familia perfecta, donde hay aceptación sin cuestionamientos por ninguno de los miembros, que lo amolda a su estilo de vida sin respetar sus costumbres, sus orígenes, en fin su verdadera esencia. Me gustaría saber si Michael hubiera sido rebelde o con problemas de adicción y sin talento para el deporte si lo hubiesen aceptado del mismo modo.

Nos encontramos ante una comedia dramática, con graves problemas de guión, plagada de lugares comunes y con altos aires de responsabilidad social, pero tocados con tal liviandad y superficialidad que asusta. Parece un manual didáctico del buen cristiano, y como es costumbre en la idiosincrasia norteamericana siempre tapando y emparchando, sin nunca ahondar en las causas de las dificultades sociales que los aquejan, para así por lo menos de este modo, acercarse alguna vez a la reflexión y a la aceptación de los errores.
Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

2 de junio de 2010

LA ISLA SINIESTRA, de Martín Scorsese

La última producción del gran Martin Scorsese, La isla siniestra, esta basada en la obra del escritor Dennis Lehane. Autor a quién le adaptaron a pantalla otras de sus obras como Río Místico ( Clint Eastwood), y Desapareció una noche, dirigida por Ben Affleck. Las cuales se caracterizan por ser oscuras, intrigantes y sumamente perturbadoras. La isla siniestra no es la excepción, destacando a su vez en la misma una impetuosa impronta poética que plasma este sanguíneo realizador.  

Teddy Daniels es una agente del FBI, quién junto a su nuevo compañero, se internan en una isla de máxima seguridad, que contiene a pacientes psiquiátricos con antecedentes delictivos, a investigar la extraña desaparición de una de las pacientes del recinto. A medida que se vayan adentrando en la investigación su supuesta realidad se ira desdibujando hasta alcanzar la máxima incertidumbre.

La isla siniestra es una construcción tan completa como compleja. Es un thriller psicológico, es un policial negro y también es un drama. Tiene un nivel narrativo tan potente y un tratamiento visual pocas veces visto, digno de uno de los grandes del cine como lo es Scorsese.

El punto de vista o la percepción de la realidad del personaje son uno de los elementos claves del film. Vemos como Teddy Daniels (un Leonardo DiCaprio que en cada nueva interpretación se supera actoralmente) recorre esos pasillos repletos de secretos, de dolor, de historias terribles, lo cual hace potenciar su sensibilidad, su propio recuerdo y su oscuro pasado, perdiéndose él también en ese laberinto de obsesiones y delirios, que rozan con límite de la ¿irracionalidad?.

Paradójicamente el film con un estilo muy clásico juega constantemente con la ambiguedad. Si bien en un principio nos plantea una trama muy simple, a medida que el relato avanza cada vez todo se va haciendo mas confuso y angustiante. Se presentan multiplicidad de elementos aislados que desorientan, pero hacia el final comienzan a despejarse las dudas y estos elementos cobran un alto grado de significancia y funcionalidad en relación a la historia.

Scorsese da cátedra con esta película sugestiva, terrorífica y dramática. Dándose el lujo, además, de reflexionar sobre los propios mecanismos del dispositivo cinematográfico.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

1 de junio de 2010

CRISALIDAS, de Fabio Junco y Julio Midú


Crisálidas es una producción netamente argentina y de interior del país. Es bueno contar de donde proviene este film y la historia que conlleva. Julio Midú y Fabio Junco encaminaron la propuesta de hacer cine en su ciudad, Saladillo, y que los vecinos de la misma intervengan como protagonistas en las realizaciones. A esta iniciativa la llamaron Cine con Vecinos y hoy en día, además de contar con un Festival de Cine, ya es el vigésimo primer largometraje que concluyen. Destacando también que Crisálidas fue declarada de Interés Provincial por la Cámara de Diputados de Buenos Aires por el proyecto cultural comunitario que promueve.

La película cuenta una historia coral sobre cinco mujeres que trabajan en un taller textil en un pueblito de Argentina, las cuales están adormecidas en su monótona realidad. Mercedes tiene una vida casi soñada, un marido profesional, un hijo y un muy buen pasar, pero se siente presa en este pueblo que no le brinda las oportunidades para seguir desarrollándose en lo que quiere. Marisa experimenta algo parecido, esta casada con un trabajador rural y se siente absorta por la rutina de su matrimonio. Sofía vive sola con su padre ya retirado y esta preocupada porque aún no encontró su amor, no formó una familia, y tiene miedo del "que dirán". Ana vive con su abuela, quién la crio tras la muerte de su madre, y esconde un gran secreto, esta muy enferma y aún no se lo ha confesado a nadie. Y Norma es una mujer que vive sola y está encasillada como "la gordi simpática" del pueblo, lo cuál padece con mucha angustia.

Como lo indica el nombre de la película estas cinco mujeres están en una fase pasiva y larvaria, pero a su vez experimentando, en potencia, una gran transformación. Y la película girará sobre este tópico, sobre las intenciones de sus protagonistas de poder cambiar el sentido de sus vidas, superar sus angustias y sentir posibles sus sueños.

Teniendo en cuenta el poco presupuesto destinado al film hay que subrayar, si bien a veces nos remite al formato televisivo y nos encontramos con algunos problemitas de guión, que tiene muy buenas intenciones y que se va superando respecto a las obras anteriores de los realizadores. Encontrando un tono dramático la historia se siente honesta, muy humana y las actuaciones no profesionales dan una bocanada de aire fresco hallando la empatía necesaria con el espectador. 


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos