28 de julio de 2010

TOY STORY 3 , de Lee Unkrich (Pixar)




Directo al corazón







Por enésima vez una película del grupo Pixar nos vuelve a sorprender y emocionar. El talento parece no tener fin es estos casos, sino al contrario se renueva y se supera. Hemos visto historias de lo mas variopintas provenientes de Pixar y cada una de ellas, en mayor o menor media, halla su propia identidad. En este caso nos encontramos ante la tercera parte de la saga de "Toy Story", aquella en donde un conjunto de juguetes, Woody, Buzz y pandilla, se ponía a merced de su dueño Andy para experimentar las mas coloridas aventuras y fantasías propias del juego. Es increíble notar como la historia, a través de las tres películas, va madurando como lo hace su protagonista. Si, Andy ahora ya es un adolescente y esta a punto de partir hacia la universidad, y sus juguetes han dejado de ocupar un lugar significativo en su vida. Por lo que la troupe esta un tanto deprimida ya que hace tiempo que no los usan y no saben cual va a ser su futuro, si el ático, la basura o una donación. Por una equivocación terminaran en un hogar de niños donde conocerán a nuevos amigos y enemigos, que a su vez también son viejos juguetes. Entre ellos a Ken, que sucumbirá bajos los encantos de Barbie, y al vil Lotso y su compañero Bebote quienes actuaran como mafiosos instituyendo un sistema totalitarista en la guardería. Con varios problemas a cuestas y con la despedida de su dueño Andy tendrán que lidiar nuestros amigos para encontrar un nuevo lugar en sus vidas.

Hay que destacar en párrafo a parte, la presencia de Totoro como uno de los nuevos amigos. En modo de homenaje al gran Hayao Miyazaki aparece este enorme personaje que no emite una palabra, pero con solo su presencia y su gran sonrisa emociona y rememora los grandes momentos que también nos hizo disfrutar.

"Toy Story 3" se trata de tantas cosas….., de afrontar los cambios, del desapego, de la solidaridad - aquí todos se ayudan entre si (menos el resentido del Oso Lotso)- y del valor de la amistad, entre otras. La película evoca lo mas tierno de nuestro infancia llegándonos a conmover, pero sin nunca recurrir a lo aleccionador o al golpe bajo. Aquí los estados emocionales fluyen con total naturalidad generando una noble identificación y despertando la nostalgia mas sana. No mas que cualidades posee este grupo de animación, muy sentidamente humano, que sigue manteniendo intacta la magia de la creación. 


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

24 de julio de 2010

ENCUENTRO EXPLOSIVO, de James Mangold

Mucha acción, una cuota de comedia y el romance son el eje de esta nueva producción de James Mangold, director que ha transitado varios géneros con films como "Inocencia interrumpida", "Identidades", o la oscarizada "Johnny & June, Pasión y locura". Los protagonistas de "Encuentro explosivo" son los reconocidísimos Tom Cruise y Cameron Díaz, quienes ya habían compartido pantalla en "Vainilla Sky", remake de la película española de Alejandro Amenabar, "Abre tus ojos". A pesar de que en este la protagonista era Penélope Cruz, ya se percibía la química que Cruise tiene con la Díaz. Y efectivamente así queda trasladado en "Encuentro explosivo", siendo uno de los elementos vitales para que la historia funcione.

El argumento presenta a Roy Miller, un agente secreto del FBI devenido en fugitivo debido que le ofrece protección a una batería energética que promete ser revolucionaria, y a su dueño Simon Feck a quién quieren capturar tanto el mismísimo FBI como un mafioso español que se quiere apoderar también de la codiciada batería. En medio de este tumulto aparece June Havens, una joven despreocupada que repara autos antiguos y se prepara para asistir al casamiento de su hermana. Usada como señuelo por Roy sin darse cuenta se involucrará en esta historia, en donde las máximas serán las explosiones, el peligro, la huída permanente y sobre todo el amor.

Autorreferencias como "James Bond", "Sr. y Sra. Smith" y las "Misión imposible", atañen a esta película que recicla todos estos elementos para parodiar el género del espionaje. Invadida de escenas de acción extraordinarias todo el tiempo rozará el límite con el absurdo. Pero gracias a los buenos efectos especiales y las actuaciones, lo cual provoca una naturalización de las situaciones, la película sale a flote entre tanto maistream reiterativo y pochoclero. Sin pretender ser mas que una película de entretenimiento "Encuentro explosivo" cumple ampliamente con la premisa asegurando alta dosis de humor, adrenalina y romance.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

22 de julio de 2010

EL APRENDIZ DE BRUJO, de Jon Turteltaub


Hipotéticamente, si el gran Merlín viese como se evoca su imagen o leyenda mítica para este tipo de películas, seguramente se levantaría de su tumba y haría un gran hechizo para contrarrestar tanto pastiche. Nos encontramos nuevamente ante una película de la companía Disney, la cual a veces produce cosas maravillosas como la reciente Toy Story 3, y otras engendros como "Aprendiz de Brujo".


Aquí Nicolás Cage encarna a Balthazar Blake, un mago sucesor de Merlín que subsistirá por miles de años ya que su misión es encontrar al "elegido", aquel quién podrá destruir el lado oscuro de la magia, representada en gran parte por Maxim Horvath (excelso Alfred Molina).Blake encontrará al escogido en la actualidad y en la ciudad de Manhattan, New York (locación ideal). El mismo será el insípido Dave Stutler (Jay Baruchel), quien su única inquietud es recuperar un amor de su infancia, sin importarle mucho las dotes fantásticas y las sucesiones por poseer.

Lo único que sale airoso son los efectos especiales, muy cuidados por cierto, y la presencia de la bella Mónica Belluci que aparece unos pocos instantes y por lo menos ilumina un rato la pantalla dotando de misticismo a esta historia que lo carece en todo sentido. Ni la figura de Nicolás Cage logra reavivar algún vestigio de misterio o ambiente mágico. Dueño de una estética "pop fashion" lo único que importa en el film son las canciones de moda y la resurrección "cool" de este antihéroe devenido en aprendiz de mago. Nunca se logra una comunión en toda esta parva de elementos, entre ellos complejos de adolescente, historia de amor y magia mística con villanos de lo mas tenebrosos incluido. Por lo que se torna anacrónico pero en el sentido mas literal, ya que los sucesos y los épocas realmente se sienten muy distanciadas y vacuas. Una pizca de sentido común, otra de contenido, mas dos patas de sorpresas le hace falta a esta producción para que surta efecto.

 Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

18 de julio de 2010

CHERI, de Stephen Frears

El director inglés Stephen Frears, quién nos supo conceder gratas historias como "Alta Fidelidad" y "Amistades peligrosas", regresa a la pantalla con otra película de época situada en la "belle epoque", a finales de siglo XIX, antes de la iniciación de los conflictos bélicos en Francia. Retorna con una de sus actrices fetiche, una madura y exquisita Michelle Pfeiffer, acompañada por la avasallante Kathy Bates y un jovencísimo Rupert Friend.
En esta época las cortesanas cumplían una función social importante y las que pululaban la clase alta ganaban mucho dinero. Por lo que cuando se avecinaba su retiro, lo hacían holgadamente y con todos los lujos. En este ámbito nace y se cría Chéri, un joven caprichoso y hedonista cansado de hacer lo que quiere. Cuando el novato a través de su madre conozca a Lea, una madura y sensual cortesana, se relacionará íntimamente con ella llegando ambos a enamorarse. Hasta que un día su madre, un tanto preocupada, se interponga arreglándole un matrimonio con una muchacha de su edad. Los amantes intentarán hacer su vida, pero el sentimiento compartido aflorará en cada rincón y en cada recuerdo fortaleciéndose aun mas en la distancia y en la imposibilidad.

Las actuaciones son precisas y muy verosímiles, teniendo en cuenta que por momentos la historia adquiere un tono teatral. La reconstrucción histórica es notable, hogares palaciegos con jardines pictóricos y vestimentas ostentosas y refinadas. Todo acorde a los lineamientos pautados en esta época muy prospera económicamente, sellada por la euforia y el optimismo de una determina clase social. Tal majestuosidad y empalagamiento visual comienza a tornarse algo barroco y justamente en esa intersección entre la comedia de enredos y el drama es donde Frears deja entrever, por las situaciones y los personajes, el comienzo de una decadencia en varios niveles. La reflexión de nuestra hermosa cortesana acerca del tiempo y su edad, y a su vez como se comienza a desmoronar lentamente esta visión del mundo caracterizada por los excesos.
El film es correctísimo y otra cosa no podemos esperar de este lúcido director, pero no es de lo mejor que ha hecho. Fluctúa mucho rítmicamente y ante tanta pulcritud cinematográfica, se pierde ese "plus" extra que bien lo podríamos emparentar con el apasionamiento, cualidad que a su vez dota de mayor empatía y credibilidad a la historia.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Rios

13 de julio de 2010

SHREK 4, FELICES PARA SIEMPRE, de Mike Mitchell.

Nos encontramos ante la última saga del simpaticón y redituable ogro Shrek, acompañado siempre por su fiel y amada Fiona y un séquito de graciosos amigos. Y si era el momento de darle fin a esta factoría que ya se estaba agotando a todo nivel y aquí, versión 3D incluida, se pondrá notablemente de manifiesto.

Nuestro ogro alejado de aquella vida en la cual cumplía su función y asustaba y divagaba libremente junto a su amigo el burro, ahora se encuentra un tanto hastiado por su vida rutinaria y cómodamente burguesa, en la cual cambia pañales a sus tres hijos, firma autógrafos en horquillas y soporta estoicamente a sus apegados amigos. Ante tal perspectiva en el camino se cruzará con el malvado Rumpelstiltskin, quién lo tienta con devolverle por un día su antigua vida, si el ogro le entrega otro día de su vida. Shrek firma el pacto sin dudar, hasta que se da cuenta que ha sido engañado, porque el muy rufián justo le quita el día en que nació. Shrek de repente se encuentra viviendo en un mundo alternativo donde Rumplestiltskin es el rey, Fiona nunca lo ha conocido y para colmo de males los ogros ahora se cazan en el reino de Muy Muy lejano. Shrek tendrá que hacer todo lo posible para revertir esta situación, reconquistar a su amor, a sus amigos y encargarse nuevamente del reino para que todo vuelva a la normalidad.

La historia remite a los clásicos del cine, con moraleja incluida. Nuestro amigo verde tuvo que perder todo para valorar realmente su vida y sus afectos. Pero esto quedará en la mera anécdota ya que el film prioriza los gags. Se erige de gags en gags para así tornarse efectivo al entretener y generar risas; y lo logra debido a la diversidad de personajes que entran en juego, los nuevos el Flautista de Hamelin y el vil Rumpelstiltskin. Imagínense que si cada uno de los personajes que desfila en la historia tiene su gag o su momento, se nos pasa una hora sin darnos cuenta. En fin, es un film de fórmula, con una animación técnicamente floja, atestado de personajes simpáticos y nada más. Todavía hay que recorrer un largo camino para llegar al sobresaliente nivel de Pixar.


Notas elaborada para Ay Love, por María Paula Rios


9 de julio de 2010

AMORES DE DIVÁN, de Jan Prusinovsky

De la mano del director checo Jan Prusinovsky llega a nuestro país su opera prima "Amores de diván". Cabe aclarar que no es muy frecuente que se estrenen películas de la República Checa en Argentina, por esto uno se forma ciertas expectativas ante la posibilidad de poder apreciar otra forma de cine, debido mas que nada a cuestiones culturales. Aunque, y anticipando algo de la conclusión, la idiosincrasia del mismo no variara en lo mínimo que si tuviéramos ante nosotros una comedia norteamericana de esta temática o tenor.

Frantisek es un psiquiatra "adicto al sexo" que decide sentar cabeza casándose, lo cual no parece ser el remedio apropiado. El juicio iniciado por una ex amante y ex paciente suya, que lo deja sin licencia ni trabajo, sumado el abandono de su esposa, harta de sus infidelidades y enamorada de un amigo suyo, hará que Frantisek tenga que volver a su hogar materno a vivir junto a una madre muy controladora y un hermano un tanto resentido, con quién además se vera forzado a trabajar en su escuela de manejo. Planteada esta situación nuestro antihéroe hará todo lo posible para recuperar su antigua vida, sobre todo a su mujer que además espera un hijo sin saber quien es el padre.

A pesar de su título, "Amores de diván" no va a profundizar un costado hondamente psicoanalítico a lo Woody Allen, ni tampoco una impronta localista y europea. Si podremos observar ciertos comportamientos como por ejemplo a un profesional de la salud mental aprovechándose de la transferencia para realizar conquistas "de alcoba", o la relación edípica un tanto patológica que el protagonista mantiene con su madre, que bien podría ser la causante de su "donjuanesco" comportamiento amoroso. Aunque el film pretende ser una comedia de tono punzante para de esta formar indagar las cuestiones antes citadas, trastabilla. Por momentos se logran atmósferas muy graciosas y acidas, pero por otros se pierde en la letanía y cae en el eterno "lugar común" dramático y sensiblero generando una previsibilidad rayana a la típica tragicomedia estadounidense.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos 

7 de julio de 2010

VERONIKA DECIDE MORIR, de Emily Young


En una reseña anterior ya había anticipado sobre la adaptación del libro, del escritor "best seller" Paulo Coelho, a la pantalla grande, "Veronika decide morir". Sustancialmente, como todo sabemos, Coelho tiene un estilo de literatura basada en la autoayuda preponderando lo espiritual. Esta historia no será la excepción ya que todo lo acontecido girará en torno a una "lección de vida" dejando paso también a la moraleja con aforismos incluidos.

Veronika es una joven neoyorkina que aparentemente parece tener todo, un buen trabajo, una buena relación familiar y un noviazgo decente. Pero surge en ella una angustia de tipo existencial, se ve abrumada por un futuro rutinario y alienante. Ante tal panorama, una noche decide tomarse un frasco de pastillas para quitarse la vida. El intento de suicidio fallido la llevará a que la internen en un psiquiátrico para tratar su depresión. Una vez allí le develaran que tiene una grave enfermedad y, paradójicamente, que le queda poco tiempo de vida. En esta institución su vida cambiara completamente, porque hará buenas amistades y conocerá el verdadero amor. Poco a poco se irá autodescubriendo y encontrará las ganas y lo motivos para seguir existiendo.

La película transita un ritmo lento y contemplativo, pareciera que la directora quiere lograr la atmosfera acorde a los estados de ánimo de Veronika, pretende crear un clima reflexivo e introspectivo. El problema reside que el guión no logra estar a la altura de las circunstancias. Los personajes están tratados con poca hondura y los acontecimientos y diálogos son bastantes predecibles, ni hablar del final que encuentra una "vuelta de tuerca" un tanto forzada y sobreexplicativa. En este contexto la verosimilitud pierde potencia, en consecuencia la empatia hacia los personajes toma distancia.

Tanto la película, al igual que lo hacia el libro, denotan el tratamiento "light" o superficial que hay acerca de estas formas que se pretenden "sanadoras del alma". Reconocida formula comercial que se retroalimenta gracias a generar, acorde a la lógica del deseo, la ilusión de una satisfacción inmediata en el espectador o lector, condición peligrosamente complaciente y tranquilizadora.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por Maria Paula Rios

4 de julio de 2010

TODAS LA VIDAS MI VIDA, de Charlie Kaufman


Todas las vidas, ¿una vida?

Conociendo a Charlie Kaufman como ya lo conocemos en su rol de guionista de filmes tales como Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, Ladrón de orquídeas, o Confesiones de una mente peligrosa, por no mencionar a ¿Quieres ser John Malkovich?, sabemos de antemano que no desperdiciará la oportunidad, ahora como director y guionista, de hacernos otro juego de prestidigitación de mente, pero esta vez valiéndose del recurso siempre recursivo del juego de espejos que nos llevará a regresiones infinitas adentrándonos en la mente de un dramaturgo y director de teatro Caden Cotard (alter ego de Kaufman) para investigar los procesos infinitamente recurrentes de la creación artística.

Confesiones de una mente peligrosa

Según San Agustín la mente es demasiado estrecha como para contenerse enteramente a sí misma. Tal vez sea esa una de las razones por las que Kaufman, esta vez, haya decidido hacer una puesta en escena de su propia mente, abriendo, o rompiendo (recordemos la cuarta pared brechtiana) las compuertas de la mente de un personaje de ficción, Caden Cotard, para liberar su yo que se irá desplegando, duplicándose, multiplicándose a través de diferentes personajes de ficción que harán de imagen especular de la siempre postergada vida del dramaturgo a lo largo de cuarenta años, desperdigando por aquí y allá sus múltiples yo que empezarán a entrar y salir de su desquiciada mente a medida que sus sueños y proyectos se vayan disipando. Podría uno preguntarse: ¿dónde está esa parte de la mente (aludiendo a la sinécdoque) que la mente misma no contiene? Porqué no buscarla en esa especie de galpón llamado Depósito 2, que reproduce en pequeña escala la ciudad de New York, que a su vez recrea una puesta en escena de una obra de teatro, que a su vez refleja una parte de la mente del director que la dirigirá, el propio Caden (sin llegar a estrenarla con audiencia) durante nada menos que veinte años.

Estamos en Shenectady, N.Y.C, y nuestro héroe Caden Cotard, interpretado por el insuperable Philip Seymour Hoffman, es un dramaturgo y director de teatro que intenta poner en escena sus propios problemas (que no serían otros que los del propio Kaufman, que a su vez no serían más que los de cualquier escritor) dirigiendo Muerte de un viajante de Arthur Miller, (una ficción dentro de otra ficción mayor, la historia sobre los avatares de la puesta en escena de la obra) que nunca acaba por estrenarse. Los actores son demasiado jóvenes para interpretar sus roles, pero gracias a la postergación reiterada de su estreno, tendrán la oportunidad de ir envejeciendo a lo largo de los infructuosos 20 años en los que se la pasarán ensayando, sin llegar, claro, a estrenarla nunca, pero sí a estar lo suficientemente viejos como para ahora sí poder interpretarla...

¿Quieres ser Caden Cotard?

Es otoño, el mes en el que todo cae, y todo muere: incluso, como nos informan a través de la radio, el gran dramaturgo británico, Harold Pinter. Hay fiebre aviar en Turquía, y una poeta dice que este es el principio del fin. Por televisión todo sigue cayendo, incluso una desvalida Betty Boop, después de mantenerse en una prolongada caída libre, para ir a parar dentro de las fauces de un tiburón…

Con tal alentador panorama, el protagonista descubre, al abrir la heladera, que la leche está vencida. Su hija Olive hace caca verde, y el chorro de la canilla del baño, al herirlo en un ojo, lo llevará directo a un oftalmólogo que, a su vez, lo derivará a un neurólogo, ya que los ojos son parte del cerebro, (la retina es la prolongación del cerebro) y sus pupilas, en palabras del propio Caden, ya no le funcionan bien. Su cerebro, tampoco, le diagnostican: degradación sináptica, lo que le hará perder, entre otras cosas, su capacidad para salivar, y le producirá un ataque de convulsiones en plena conversación telefónica con su mujer Adele, (la siempre espléndida Catherine Keener) artista plástica de miniaturas, que acaba de comunicarle, que lo ha abandonado por una amiga, pero definitivamente, previo viaje a Berlín, en donde fijará su residencia al lado de Olive, hija de ambos, no sin antes aseverarle que ella, Adele, artista de miniaturas tan mínimas que se necesitan lentes de magnificación para distinguirlas, se ha consagrado, y es famosa!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Abandonado y solo, a Caden no le queda más remedio que entrar a su cabeza que no es otro lugar que el depósito 2 donde se llevan a cabo los ensayos. A partir de ese momento, Caden dejará en libertad a sus múltiples yoes tan apretujados en su trajinada imaginación de escritor, entre ellos a Hazel (Samantha Morton) una cándida y adorable recepcionista que trabajará en la taquilla hasta que ya no tendrá más edad para hacerlo, Claire que hará las veces de Hazel, Ellen, que hará de mucama, y hasta del mismísimo Caden, y hasta el propio Sammy, alter ego de Caden, y aspirante a actor, que sin experiencia, ni C.V, ni formación conseguirá el papel para interpretar al propio Caden, con el persuasivo "lo vengo siguiendo desde hace veinte años, contráteme y verá cuán verídico es usted..."

Eterno resplandor de una mente sin recuerdos

¿Quién dijo que los recuerdos tienen que ver sólo con el pasado?

En el caso particular de Caden los recuerdos están ligados al pasado, pero sobre todo al futuro. Desde la partida de su mujer e hija, una Olive de cuatro años, el desdichado Caden no dejará de dilapidar tristeza, y depresión a medida que vaya recorriendo nada más ni nada menos que los rincones más inhóspitos y ruinosos de su ya ajetreada mente, que a esta altura ha dejado de ser depósito de recuerdos 2, para convertirse en un basurero de residuos nostálgicamente tóxicos con un asfixiante olor a fracaso en donde encontrará una caja rosa con una nariz en el frente, donde guarda los recuerdos de su hija Olive, el diario de Olive, que al igual que un work in progress autogenerativo, irá escribiéndose a sí mismo, sin que medie la presencia de la propia dueña para hacerlo, o que Caden tenga que dejar Shenectady para leerlo, siguiendo día a día la vida privada de su hija (recordemos que Olive seguirá viviendo en Berlín y, se convertirá para indignación de Caden, en la Flower Girl, apareciendo una imagen de su cuerpo totalmente cubierto por un tatuaje de flores en la portada de una revista alemana.) Pero no todo es fracaso, deterioro y pérdida para nuestro tan vapuleado Caden. Contra todo pronóstico, terminará ganando una beca: la Mac Carthy 2009, una subvención a los genios, de nada más ni nada menos que quinientos mil dólares, en el caso puntual de Caden, concedida por una pasmosa y obcecada ausencia de producción artística durante tantos años, guiño solapadamente cáustico de Kaufman para homenajear al siempre perseguido Arthur Miller por la tristemente célebre caza de brujas en los años cincuenta a cargo justamente del supuesto benefactor Mac Carthy, que otrora fuera el senador a cargo del Comité de Seguridad Interna para investigar el comunismo y sus actividades clandestinas en los Estados Unidos.

Menos que cero

Kaufman utiliza a su personaje de ficción Caden Cotard para explorar su propia mente, del mismo modo en el que Caden Cotard se vale de Arthur Miller con su Muerte de un viajante para seguir explorando la suya. En esta obra, el protagonista, Willy Loman, el viajante, en plena decadencia física y mental, irá perdiendo contacto con la realidad al sucumbir a la presión que le produce el fracaso y el paso del tiempo, reflejando lo mismo que le ocurre a Caden Cotard, y por carácter transitivo, siguiendo el juego especular, seguramente lo mismo que aqueja a Kaufman. Pero, a diferencia de Kaufman, a Caden Cotard se le hace imposible seguir manipulando a sus personajes, que se le escapan de todo control y hasta a uno de ellos, el tal Sammy, se le ocurre suicidarse nada menos que frente a sus ojos. La muerte y la desintegración acechan al hipocondríaco Cotard, que se irá deshojando como una margarita, al ver cómo mueren sus sueños, sus proyectos nunca realizados, sus padres, amigos, compañeros y hasta su propia hija, en una desopilante escena en la que siguiendo otro juego especular ella también se irá deshojando literalmente (recordemos el tatuaje de flores que cubría su cuerpo) hasta el estertor final.

Tal vez Kaufman nos haga reflexionar, en parte, con más sarcasmo que piedad, sobre la paradójica condición de todo artista frente al blanco (papel, lienzo, partitura, escenario) abismal que antecede a todo proceso creador y que cuando el artista es incapaz de llenarlo o dominarlo, termina siendo tragado o borrado por ese blanco abismo hecho más de tiempo que de espacio. O quizás, el filme en su totalidad (recordando lo de sinécdoque) haga de espejo sobre la condición humana con respecto a los logros personales a través del tiempo, mostrándonos personajes con aspiraciones siempre frustradas, quizás porque recurran a las efectivas tácticas de suspensiones y aplazamientos para nunca llegar a nada, con una voluntad inquebrantable para no ser alguien, ni llegar nunca a ningún lugar... 

Gabriela Mársico