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7 de septiembre de 2010

"AMOR A DISTANCIA", de Nanette Burstein

Después de un recorrido con documentales Nanette Burstein se atreve a la ficción, y acertadamente lo hace de la mano de Drew Barrymore, actriz de comedias por naturaleza y Justin Long. La historia en un comienzo se sitúa en la cosmopolita New York, donde Erin esta de paso realizando una pasantía en un diario de allí y Garret trabaja en una exitosa discográfica la cual lo obliga a contratar grupos netamente comerciales. Una noche de copas, en un concurrido bar Erin y Garret se cruzaran, se miraran y se atraerán comenzando así una particular relación. La química es instantánea, parecieran que se conocen de toda la vida, tienen muchas cosas en común, además de una gran afinidad sexual. Hasta aquí todo parece perfecto pero el problema se encuentra en que a Erin le faltan pocos días para terminar su pasantía y parece no haber cupo para ella en el diario. Conscientes de sus limitaciones ambos deciden pasarla lo mejor posible hasta la despedida. Pero cuando llega el momento de la separación la relación esta mas fortalecida que nunca, angustia y un fuerte abrazo de por medio decidirán mantener su amor a distancia.

Desde hace rato que los norteamericanos tienen el karma de la gran crisis financiera y lo hacen notar en sus películas. Atravesar una crisis generalmente nos hace madurar y esto parece vislumbrarse en varias comedias de este país, ya que los conflictos se tornan mas creíbles y realistas. Este caso no será la excepción porque el gran impedimento de la unión de la pareja tiene que ver mayormente con lo económico. Erin no consigue trabajo como periodista en New York, porque los diarios de allí están recortando personal, lo único que le queda es una recomendación de un profesor para un diario pero en San Francisco. Y Garret en San Francisco no consigue trabajo en ninguna discográfica. La duda residirá allí, en donde uno de los dos tenga que resignar trabajar de lo que no le guste para estar al lado del otro.

Si bien el film cae en varios lugares comunes y hay chistes un tanto burdos, están presentes los amigotes inmaduros de siempre que hacen pavadas que no aportan mucho al relato, el mismo sale a flote por la consistencia actoral y la empatía que logra la dupla protagonista. Ambas interpretaciones son muy verosímiles y además de traernos romance, con sexo y algo de drogas, reflotan conflictivas típicas de la generación de los treintañeros, "generación X" la cual creció viviendo la ruptura de varias instituciones tradicionales y en consecuencia les cuesta encontrar su lugar en el mundo. “Amor a Distancia” es una comedia fresca, madura y sensible que se identificara principalmente con este rango de edad. 

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos.

4 de septiembre de 2010

"MARY AND MAX", de Adam Elliot

Animación realizada con la técnica stop motion y también estrenada en el BAFICI (Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires), "Mary and Max" se convierte una de las sorpresas del año. Max es un hombre judío que vive en New York y padece el síndrome de Asperger, le cuesta relacionarse con gente al punto de tener un amigo imaginario. Sus únicas salidas se limitan al psiquiatra y al grupo de Comelones Anónimos. Mary es una niñita solitaria con una gran mancha en su frente, la cual trauma su existencia y tiene una familia que poco la ayuda, un padre ausente el cual tiene como única pasión la taxidermia y una madre cleptómana y alcohólica. Un día al azar escoge de la guía de teléfonos una persona a quien le comenzará escribir extensas cartas contándole sobre su realidad. Será ni mas ni menos que Max, quien responderá concretándose así una gran amistad que durará por años y llegando a ser de vital importancia para ambos protagonistas.

Nada de preciosismos rondara en esta película, los personajes son lo que socialmente podría establecerse como "perdedores", cinematográficamente hablando antihéroes. Los climas son grises, húmedos y angustiantes y prevalece un humor muy negro y acido a lo largo del film. Se describe una realidad incomoda y sombría casi al punto del grotesco. Pero el director se las ingenia para realzar lo emocional, centra el vínculo de la amistad, convirtiendo lo demás en elementos circunstanciales. La amistad cumple un papel tan significativo que cuando en un momento se quiebra, Mary se desmorona, cae en una gran depresión, al punto de buscar la muerte. La soledad y la necesidad de pertenencia signan a estos protagonistas ávidos de afecto.

Parece que Elliot ha creado un mundo nuevo dentro de la animación en stop motion, donde exalta la fealdad y muchos defectos humanos, que justamente a los seres humanos no nos gusta ver. Un mundo oscuro sellado por las insuficiencias y las desgracias, donde parece imposible rescatar la felicidad al menos por momentos. Lo meritorio es que al tratar estos temas tan densos nunca cae en el golpe bajo, ni la sensiblería barata y paradójicamente dentro de los excesos no se excede. Aquí el humor funciona como elemento catártico ante tanto morbo descomprimiendo el carácter dramático. Humor y tragedia enlazados como formas artísticas de expresión.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por Maria Paula Rios

28 de agosto de 2010

"POLICE ADJECTIVE", de Corneliu Poromboiu


Este film rumano e independiente que milagrosamente se estreno en nuestro país, ya se había proyectado en la Sección de Competencia en el BAFICI 2010 (Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires). El mismo narra como Cristi, un joven policía, tiene como misión el seguimiento de un adolescente para atraparlo porque fuma hachís, delito punible en Rumania. La película se centrará ni mas ni menos que en este hecho. La calle, la comisaría y su casa serán los escenarios principales que merodeara Cristi . La cámara en mano y muchos planos fijos disiparan la acción y propondran al paso tiempo como protagonista indiscutido de la historia. Veremos un cine contemplativo, con ritmos lentos y pausados. La eterna espera y el deambular darán cuenta de lo absurdo de esta persecución a un adolescente que no tiene una vida extraordinaria, sino simple y común como la de cualquier otro, que va de la escuela a su casa y su mayor pecado es juntarse con sus amigos a fumar hachís de vez en cuando, entonces ¿que peligro representa para la sociedad?. Esto mismo se pregunta Cristi por lo tanto dilatará la investigación y los encuentros reportados con su jefe.

Los mandatos morales, la apesumbrada burocracia, personajes ocurrentes que darán un toque de humor cínico y las extrañas discusiones con su pareja sobre los usos de las palabras, estructuran esta historia de manera sólida y sumamente original. A su vez reflejo social del proceso critico que le toca atrevesar a una Rumania post Ceauscescu, la cual aun no se puede desanudar de los resabios de dicho régimen.

El film indaga y reflexiona también sobre lo fundante de la palabra escrita. Como ciertos conceptos abstractos y alejados de la realidad al estar consensuados universalmente marcan un sentido irrefutable en la vida diaria. Se evidenciará en la última y memorable escena donde el jefe de Cristi se escuda en el significado de un diccionario para de este modo ejercer poder.

Carente de todo prejuicio Poromboiu realiza un ejercicio cinematográfico eficaz y revelador, inquiriendo los dispositivos del lenguaje y el efecto que estos provocan en la sociedad y el hombre mismo.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por M. Paula Rios

20 de agosto de 2010

"LA PIVELLINA", de Tizza Covi y Rainer Frimmel


Dulce, honesta y enternecedora es esta película que sitúa sus bases en las cosas simples y cotidianas. Gente que trabaja, arrugas en la piel, el mismo pantalón una y mil veces, desfilan en este mundo situado en la una de las zonas periféricas de Roma, donde no predomina ni el glamour y los autos lujosos, sino otra realidad consecuencia de las políticas implementadas por don Berlusconi.

Los directores ya habían explorado en un documental anterior,"Babooska" (2005), la vida mágica y melancólica del ámbito circense, el sacrificio de sus integrantes, los problemas monetarios y la forma de vida nómada. Con "La Pivellina" rescatan algo de este universo y paralelamente nos narran una historia de amor y solidaridad. Patti, una trabajadora de circo, encuentra en la plaza una niña de dos años abandonada, Asia, con una notita donde la madre anuncia que pronto volverá por ella. Sin dudarlo esta la recoge y lleva a su casa donde le brindará todo lo que la beba necesite incondicionalmente. A pesar de los regaños de su esposo Walter, por la responsabilidad que esto implica mas cuestiones de dinero, ella cada día que pase se ira involucrando mas y mas, tiene un instinto maternal nato. Con la ayuda de su pequeño amigo Tairo, un adolescente que vive en una casa lindante quién también es como su hijo, cuidaran y protegerán a la pequeña y tierna Asia. Patti, Walter, Tairo y Asia, a pesar de no estar unidos por lazos sanguíneos, se comportarán como una familia. Se vislumbra esa necesidad de amor por manifestar y también por recibir y lo cómodos que se sienten ante esta nueva conformación que ofrece y supera todo aquello que el dinero nunca logrará otorgar. Esto se extiende al comportamiento de la comunidad circense donde la fraternidad y el compartir son cuestiones que fluyen naturalmente, es como orgánico. Esta armonía se nota tanto cuando se comparte una canilla de agua con obreros de la calle, como cuando se reúnen alrededor de una mesa a brindar y festejar.

"La Pivellina" es digna heredera del neorrealismo italiano por su forma entre el relato y el registro documental; por sus locaciones, todo transcurre entre la calle y la casa; y sobre todo por el compromiso moral de los directores de sugerir una realidad poco observada, no solo desde el punto de vista social, sino también una filosofía de vida que se funda en sostenes como la solidaridad y el amor ilimitado, sin compromisos. Un cine limpio de todo tipo de vicios que adopta una posición ética y genuina.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por Maria Paula Rios

13 de agosto de 2010

"PAJAROS VOLANDO" de Néstor Montalbano




Una aventura de otro planeta






El director de los programas televisivos humorísticos mas disparatados, "De la Cabeza", "Cha, cha, cha" y "Todo por dos pesos", incursiona con otro personalísimo film, "Pájaros Volando". Recordemos que los programas antes mencionados fueron semilleros de grandes exponentes del humor actual como Alfredo Casero, Diego Capusotto y Fabio Alberti. En su reciente película, tal como lo había hecho en la delirante "Soy tu aventura", cita nuevamente para los papeles protagónicos a la efectiva dupla Capusotto-Luque, pero aquí, en vez de urdir planes para secuestrar a Luis Aguile, se verán envueltos en una acontecimiento cósmico en la localidad cordobesa de La Pircas.

José, músico nato, vive en Buenos Aires y esta agobiado por su presente rutinario como empleado de una remisería. Él recuerda con añoranza el momento de gloria conseguido con su banda "Dientes de Limón" gracias al hit "Pájaros volando". En dicha banda compartía escenario con su primo Miguel, quién ahora vive en las sierras cordobesas. Este regresa a Buenos Aires a buscarlo y convencerlo de formar parte de un grupo de "elegidos" para viajar hacia otro planeta con seres extraterrestres.

"Pájaros Volando" tiene momentos memorables, como la aparición de Cafiero atendiendo y profiriendo un discurso en una boletería de buses a larga distancia; una delirante conversación con un gorila en el medio de la nada, abducciones de gallinas o la escena del principio, sobre un lisérgico sueño que tiene José, con guiños paródicos a películas y grupos de rocks de los ochenta que atraviesa todo su imaginario.

El film manifiesta momentos kitsch y ese humor absurdo o surrealista al cual nos tiene acostumbrado Montalbano y compañía; atestado de desvaríos y personajes de los mas diversos que logran convivir en armonía y desprejuiciadamente en esta comunidad hippie donde rebosa la buena energía y la aceptación sin cuestionamientos. Celebremos que se estrenen comedias atrevidas y alucinadas que nos brindan esa cuota de humor, que como bien lo definiría Bertrand Russell, es la cualidad moral que mas necesita el mundo.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por Maria Paula Rios

7 de agosto de 2010

"MI VILLANO FAVORITO", de Pierre Coffin

Anunciándose como una nueva apuesta en el sorprendente mundo de la animación, la empresa Ilumination Entertainment (de la Universal Pictures) presenta "Mi Villano Favorito". Y bienvenido sea, ya que al margen del Dios Pixar y el pochoclero DreamWorks, este film refresca honradamente el ambiente de la animación digital.

El protagonista es Gru, un archivillano de sostificación europea obsesionado con ser el mejor en lo suyo, el mas apto ladrón. Tras sentir una gran frustración porque su némesis Vector, un joven con aspecto de nerd, robo una de las pirámides de Egipto, Gru se propondrá robar la luna con un rayo reductor, acompañado por su fiel compañero el Dr. Nefario y por sus inconfundibles amiguitos amarillos, los Minions. Pero el malvado Gru no sospecha el gran giro que dará su vida cuando adopte, por conveniencia, tres encantadoras huerfanitas, quienes ganaran su cariño imperceptiblemente.

Si bien el film no es un desborde de originalidad y creatividad, manifiesta una línea narrativa coherente e intercala momentos cómicos de los mas saludables. Los Minions son muy graciosos y serán los responsables de la mayoría de los gags físicos. Las niñas ocasionan dulzura y despiertan una gran identificación, tanto en los mas chicos como en los padres. Pero el mayor de los créditos se los llevará Gru, porque la construcción de su personaje es sumamente atractivo. El mismo tiene una particular relación con su madre, la cual a través de los años definió su personalidad, su modo de ser, un malvado sensible queriendo conquistar lo inconquistable para ganar su admiración.

Mas allá de ciertos aspectos remanidos, "Mi villano favorito" motiva ternura, empatía, mucho colorido y diversión. A prestar atención también a la canción principal del film, homónima,"Despicable Me" del hiphopero y productor musical Pharrell Williams.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

4 de agosto de 2010

"EL ORIGEN", de Christopher Nolan

El exitoso director estadounidense Christopher Nolan ("Memento", "El gran truco", "Batman, el caballero de la noche") nos acerca su última megaproducción "El origen". La misma esta dando que hablar por varias redacciones de diarios y revistas especializadas, ya que tiene fieles seguidores considerándolo uno de los films del siglo y mas de un detractor que la supone una película menor o, como en mi caso, una película correcta mas. Creo que la idea de Nolan es muy sugerente y cautivadora, la dificultad deriva en “como” la lleva a cabo.


Cobb es una especie de detective (Leonardo Di Caprio) que bucea las profundidades de los sueños de las personas para robar ideas y de esta forma vender información. El problema surge cuando este introduce sus proyecciones en los sueños de los demás desestabilizándolos. Él padece una gran crisis familiar, su mujer ha muerto y no puede ver a sus hijos, este dolor lo corroe por dentro día tras día. Pero se presentará un misión distinta, un grupo de gran poderío económico le encarga que siembre una idea en la mente de un importante empresario, a cambio tendrá la posibilidad de recuperar la libertad para estar junto a sus hijos. Sin dudarlo, y a pesar de su percepción un tanto perturbada, reúne al mejor equipo para llevar a cabo la tarea.

Lo que note incompatible en el film es el tratamiento de lo onírico, hay asuntos difíciles de emparentar, como el querer racionalizar el mundo de los sueños, porque este justamente posee todas las características opuestas a la lógica de la consciencia. La lógica del sueño o inconsciente es caótica y distorsionada, allí aparecen todos los delirios, las fantasías y los deseos reprimidos, amorfos, atemporales o disociados y gobierna lo simbólico. Es discordante querer comprender este universo desbordante en un sentido tan contrario, donde todo esta fríamente calculado y elaborado. Y para colmo cada dos escenas hay una explicación, como sobrevalorando al espectador. Acompaña poco también la construcción visual que en vez de prosperar se amolda a las escenas del cine de acción mas convencional.

Por otro lado como thriller funciona, entre tanto bucle recursivo, se genera suspenso y tensión. Las capas de los sueños son interminables y se disipan entre los pliegues de la realidad, y gradualmente se desprende esa subtrama, también protagónica, que encuentra su origen en el drama personal; un Cobb que lo único que anhela es vivir junto a sus hijos y sanar algo de su sufrimiento.

A pesar de su apariencia laberíntica e intrincada, "El origen" cuenta una historia lineal y clásica. Mayor naturalidad y menos pretensión le habría venido bien a esta obra donde el reino de lo onírico es funcional a la acción, confinándolo a ser un simple escenario de transición y poco explorado. 

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

"SON COMO NIÑOS", de Dennis Dugan

"Son como niños" es la ultima producción en la que actúa el reconocido cómico Adam Sandler ("Un papa genial", la magnífica "Embriagado de amor", "Como si fuera la primera vez", etc). Algo esta pasando con la carrera de este actor quien en un principio tomaba decisiones mas arriesgadas, originales, estampando así su rasgo actoral; últimamente viene en descenso tornándose reiterativo y mucho menos intenso. Lo mismo  pasa  con Dennis Dugan, multifacético también como Sandler (actor, productor y director), que tras una atrevida e irreverente comedia como "No te metas con Zohan", decae en lo mas ramplón del cine norteamericano.

La historia narra como un grupo de amigos, que allá por el año 78´ logran ser campeones locales de la liga infantil de básquet, después de varios años se reúnen tras la muerte de su entrenador. En este reencuentro, en el cual llevan a sus familias a cuestas, se darán cuenta que la amistad sigue vigente y, por las pavadas que hacen, que todos están oportunamente mas inmaduros que nunca.

En verdad ya están medios pasaditos de años estos muchachos para hacer una comedia de renuncia de la niñez o aceptación de la vida adulta. No son adolescentes, aunque su comportamiento los emparenté con esta etapa. Ni hablar del guión o el cause de la historia que se esfuma por todos los costados de la pantalla hasta desaparecer. Solo veremos, perdón por mi expresión, unos cuantos "boludos grandes" en situaciones cómicas de lo mas burdas y trilladas que existen. Una lastima porque el elenco es bueno y se desaprovechan las actuaciones. Y ni hablar de ese final condescendiente con tufos de "mea culpa" en donde cada protagonista se hace cargo de su estupido comportamiento. En fin, humor obsceno en el sentido mas literal de la palabra.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

28 de julio de 2010

TOY STORY 3 , de Lee Unkrich (Pixar)




Directo al corazón







Por enésima vez una película del grupo Pixar nos vuelve a sorprender y emocionar. El talento parece no tener fin es estos casos, sino al contrario se renueva y se supera. Hemos visto historias de lo mas variopintas provenientes de Pixar y cada una de ellas, en mayor o menor media, halla su propia identidad. En este caso nos encontramos ante la tercera parte de la saga de "Toy Story", aquella en donde un conjunto de juguetes, Woody, Buzz y pandilla, se ponía a merced de su dueño Andy para experimentar las mas coloridas aventuras y fantasías propias del juego. Es increíble notar como la historia, a través de las tres películas, va madurando como lo hace su protagonista. Si, Andy ahora ya es un adolescente y esta a punto de partir hacia la universidad, y sus juguetes han dejado de ocupar un lugar significativo en su vida. Por lo que la troupe esta un tanto deprimida ya que hace tiempo que no los usan y no saben cual va a ser su futuro, si el ático, la basura o una donación. Por una equivocación terminaran en un hogar de niños donde conocerán a nuevos amigos y enemigos, que a su vez también son viejos juguetes. Entre ellos a Ken, que sucumbirá bajos los encantos de Barbie, y al vil Lotso y su compañero Bebote quienes actuaran como mafiosos instituyendo un sistema totalitarista en la guardería. Con varios problemas a cuestas y con la despedida de su dueño Andy tendrán que lidiar nuestros amigos para encontrar un nuevo lugar en sus vidas.

Hay que destacar en párrafo a parte, la presencia de Totoro como uno de los nuevos amigos. En modo de homenaje al gran Hayao Miyazaki aparece este enorme personaje que no emite una palabra, pero con solo su presencia y su gran sonrisa emociona y rememora los grandes momentos que también nos hizo disfrutar.

"Toy Story 3" se trata de tantas cosas….., de afrontar los cambios, del desapego, de la solidaridad - aquí todos se ayudan entre si (menos el resentido del Oso Lotso)- y del valor de la amistad, entre otras. La película evoca lo mas tierno de nuestro infancia llegándonos a conmover, pero sin nunca recurrir a lo aleccionador o al golpe bajo. Aquí los estados emocionales fluyen con total naturalidad generando una noble identificación y despertando la nostalgia mas sana. No mas que cualidades posee este grupo de animación, muy sentidamente humano, que sigue manteniendo intacta la magia de la creación. 


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

24 de julio de 2010

ENCUENTRO EXPLOSIVO, de James Mangold

Mucha acción, una cuota de comedia y el romance son el eje de esta nueva producción de James Mangold, director que ha transitado varios géneros con films como "Inocencia interrumpida", "Identidades", o la oscarizada "Johnny & June, Pasión y locura". Los protagonistas de "Encuentro explosivo" son los reconocidísimos Tom Cruise y Cameron Díaz, quienes ya habían compartido pantalla en "Vainilla Sky", remake de la película española de Alejandro Amenabar, "Abre tus ojos". A pesar de que en este la protagonista era Penélope Cruz, ya se percibía la química que Cruise tiene con la Díaz. Y efectivamente así queda trasladado en "Encuentro explosivo", siendo uno de los elementos vitales para que la historia funcione.

El argumento presenta a Roy Miller, un agente secreto del FBI devenido en fugitivo debido que le ofrece protección a una batería energética que promete ser revolucionaria, y a su dueño Simon Feck a quién quieren capturar tanto el mismísimo FBI como un mafioso español que se quiere apoderar también de la codiciada batería. En medio de este tumulto aparece June Havens, una joven despreocupada que repara autos antiguos y se prepara para asistir al casamiento de su hermana. Usada como señuelo por Roy sin darse cuenta se involucrará en esta historia, en donde las máximas serán las explosiones, el peligro, la huída permanente y sobre todo el amor.

Autorreferencias como "James Bond", "Sr. y Sra. Smith" y las "Misión imposible", atañen a esta película que recicla todos estos elementos para parodiar el género del espionaje. Invadida de escenas de acción extraordinarias todo el tiempo rozará el límite con el absurdo. Pero gracias a los buenos efectos especiales y las actuaciones, lo cual provoca una naturalización de las situaciones, la película sale a flote entre tanto maistream reiterativo y pochoclero. Sin pretender ser mas que una película de entretenimiento "Encuentro explosivo" cumple ampliamente con la premisa asegurando alta dosis de humor, adrenalina y romance.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

22 de julio de 2010

EL APRENDIZ DE BRUJO, de Jon Turteltaub


Hipotéticamente, si el gran Merlín viese como se evoca su imagen o leyenda mítica para este tipo de películas, seguramente se levantaría de su tumba y haría un gran hechizo para contrarrestar tanto pastiche. Nos encontramos nuevamente ante una película de la companía Disney, la cual a veces produce cosas maravillosas como la reciente Toy Story 3, y otras engendros como "Aprendiz de Brujo".


Aquí Nicolás Cage encarna a Balthazar Blake, un mago sucesor de Merlín que subsistirá por miles de años ya que su misión es encontrar al "elegido", aquel quién podrá destruir el lado oscuro de la magia, representada en gran parte por Maxim Horvath (excelso Alfred Molina).Blake encontrará al escogido en la actualidad y en la ciudad de Manhattan, New York (locación ideal). El mismo será el insípido Dave Stutler (Jay Baruchel), quien su única inquietud es recuperar un amor de su infancia, sin importarle mucho las dotes fantásticas y las sucesiones por poseer.

Lo único que sale airoso son los efectos especiales, muy cuidados por cierto, y la presencia de la bella Mónica Belluci que aparece unos pocos instantes y por lo menos ilumina un rato la pantalla dotando de misticismo a esta historia que lo carece en todo sentido. Ni la figura de Nicolás Cage logra reavivar algún vestigio de misterio o ambiente mágico. Dueño de una estética "pop fashion" lo único que importa en el film son las canciones de moda y la resurrección "cool" de este antihéroe devenido en aprendiz de mago. Nunca se logra una comunión en toda esta parva de elementos, entre ellos complejos de adolescente, historia de amor y magia mística con villanos de lo mas tenebrosos incluido. Por lo que se torna anacrónico pero en el sentido mas literal, ya que los sucesos y los épocas realmente se sienten muy distanciadas y vacuas. Una pizca de sentido común, otra de contenido, mas dos patas de sorpresas le hace falta a esta producción para que surta efecto.

 Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

18 de julio de 2010

CHERI, de Stephen Frears

El director inglés Stephen Frears, quién nos supo conceder gratas historias como "Alta Fidelidad" y "Amistades peligrosas", regresa a la pantalla con otra película de época situada en la "belle epoque", a finales de siglo XIX, antes de la iniciación de los conflictos bélicos en Francia. Retorna con una de sus actrices fetiche, una madura y exquisita Michelle Pfeiffer, acompañada por la avasallante Kathy Bates y un jovencísimo Rupert Friend.
En esta época las cortesanas cumplían una función social importante y las que pululaban la clase alta ganaban mucho dinero. Por lo que cuando se avecinaba su retiro, lo hacían holgadamente y con todos los lujos. En este ámbito nace y se cría Chéri, un joven caprichoso y hedonista cansado de hacer lo que quiere. Cuando el novato a través de su madre conozca a Lea, una madura y sensual cortesana, se relacionará íntimamente con ella llegando ambos a enamorarse. Hasta que un día su madre, un tanto preocupada, se interponga arreglándole un matrimonio con una muchacha de su edad. Los amantes intentarán hacer su vida, pero el sentimiento compartido aflorará en cada rincón y en cada recuerdo fortaleciéndose aun mas en la distancia y en la imposibilidad.

Las actuaciones son precisas y muy verosímiles, teniendo en cuenta que por momentos la historia adquiere un tono teatral. La reconstrucción histórica es notable, hogares palaciegos con jardines pictóricos y vestimentas ostentosas y refinadas. Todo acorde a los lineamientos pautados en esta época muy prospera económicamente, sellada por la euforia y el optimismo de una determina clase social. Tal majestuosidad y empalagamiento visual comienza a tornarse algo barroco y justamente en esa intersección entre la comedia de enredos y el drama es donde Frears deja entrever, por las situaciones y los personajes, el comienzo de una decadencia en varios niveles. La reflexión de nuestra hermosa cortesana acerca del tiempo y su edad, y a su vez como se comienza a desmoronar lentamente esta visión del mundo caracterizada por los excesos.
El film es correctísimo y otra cosa no podemos esperar de este lúcido director, pero no es de lo mejor que ha hecho. Fluctúa mucho rítmicamente y ante tanta pulcritud cinematográfica, se pierde ese "plus" extra que bien lo podríamos emparentar con el apasionamiento, cualidad que a su vez dota de mayor empatía y credibilidad a la historia.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Rios

13 de julio de 2010

SHREK 4, FELICES PARA SIEMPRE, de Mike Mitchell.

Nos encontramos ante la última saga del simpaticón y redituable ogro Shrek, acompañado siempre por su fiel y amada Fiona y un séquito de graciosos amigos. Y si era el momento de darle fin a esta factoría que ya se estaba agotando a todo nivel y aquí, versión 3D incluida, se pondrá notablemente de manifiesto.

Nuestro ogro alejado de aquella vida en la cual cumplía su función y asustaba y divagaba libremente junto a su amigo el burro, ahora se encuentra un tanto hastiado por su vida rutinaria y cómodamente burguesa, en la cual cambia pañales a sus tres hijos, firma autógrafos en horquillas y soporta estoicamente a sus apegados amigos. Ante tal perspectiva en el camino se cruzará con el malvado Rumpelstiltskin, quién lo tienta con devolverle por un día su antigua vida, si el ogro le entrega otro día de su vida. Shrek firma el pacto sin dudar, hasta que se da cuenta que ha sido engañado, porque el muy rufián justo le quita el día en que nació. Shrek de repente se encuentra viviendo en un mundo alternativo donde Rumplestiltskin es el rey, Fiona nunca lo ha conocido y para colmo de males los ogros ahora se cazan en el reino de Muy Muy lejano. Shrek tendrá que hacer todo lo posible para revertir esta situación, reconquistar a su amor, a sus amigos y encargarse nuevamente del reino para que todo vuelva a la normalidad.

La historia remite a los clásicos del cine, con moraleja incluida. Nuestro amigo verde tuvo que perder todo para valorar realmente su vida y sus afectos. Pero esto quedará en la mera anécdota ya que el film prioriza los gags. Se erige de gags en gags para así tornarse efectivo al entretener y generar risas; y lo logra debido a la diversidad de personajes que entran en juego, los nuevos el Flautista de Hamelin y el vil Rumpelstiltskin. Imagínense que si cada uno de los personajes que desfila en la historia tiene su gag o su momento, se nos pasa una hora sin darnos cuenta. En fin, es un film de fórmula, con una animación técnicamente floja, atestado de personajes simpáticos y nada más. Todavía hay que recorrer un largo camino para llegar al sobresaliente nivel de Pixar.


Notas elaborada para Ay Love, por María Paula Rios


9 de julio de 2010

AMORES DE DIVÁN, de Jan Prusinovsky

De la mano del director checo Jan Prusinovsky llega a nuestro país su opera prima "Amores de diván". Cabe aclarar que no es muy frecuente que se estrenen películas de la República Checa en Argentina, por esto uno se forma ciertas expectativas ante la posibilidad de poder apreciar otra forma de cine, debido mas que nada a cuestiones culturales. Aunque, y anticipando algo de la conclusión, la idiosincrasia del mismo no variara en lo mínimo que si tuviéramos ante nosotros una comedia norteamericana de esta temática o tenor.

Frantisek es un psiquiatra "adicto al sexo" que decide sentar cabeza casándose, lo cual no parece ser el remedio apropiado. El juicio iniciado por una ex amante y ex paciente suya, que lo deja sin licencia ni trabajo, sumado el abandono de su esposa, harta de sus infidelidades y enamorada de un amigo suyo, hará que Frantisek tenga que volver a su hogar materno a vivir junto a una madre muy controladora y un hermano un tanto resentido, con quién además se vera forzado a trabajar en su escuela de manejo. Planteada esta situación nuestro antihéroe hará todo lo posible para recuperar su antigua vida, sobre todo a su mujer que además espera un hijo sin saber quien es el padre.

A pesar de su título, "Amores de diván" no va a profundizar un costado hondamente psicoanalítico a lo Woody Allen, ni tampoco una impronta localista y europea. Si podremos observar ciertos comportamientos como por ejemplo a un profesional de la salud mental aprovechándose de la transferencia para realizar conquistas "de alcoba", o la relación edípica un tanto patológica que el protagonista mantiene con su madre, que bien podría ser la causante de su "donjuanesco" comportamiento amoroso. Aunque el film pretende ser una comedia de tono punzante para de esta formar indagar las cuestiones antes citadas, trastabilla. Por momentos se logran atmósferas muy graciosas y acidas, pero por otros se pierde en la letanía y cae en el eterno "lugar común" dramático y sensiblero generando una previsibilidad rayana a la típica tragicomedia estadounidense.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos 

7 de julio de 2010

VERONIKA DECIDE MORIR, de Emily Young


En una reseña anterior ya había anticipado sobre la adaptación del libro, del escritor "best seller" Paulo Coelho, a la pantalla grande, "Veronika decide morir". Sustancialmente, como todo sabemos, Coelho tiene un estilo de literatura basada en la autoayuda preponderando lo espiritual. Esta historia no será la excepción ya que todo lo acontecido girará en torno a una "lección de vida" dejando paso también a la moraleja con aforismos incluidos.

Veronika es una joven neoyorkina que aparentemente parece tener todo, un buen trabajo, una buena relación familiar y un noviazgo decente. Pero surge en ella una angustia de tipo existencial, se ve abrumada por un futuro rutinario y alienante. Ante tal panorama, una noche decide tomarse un frasco de pastillas para quitarse la vida. El intento de suicidio fallido la llevará a que la internen en un psiquiátrico para tratar su depresión. Una vez allí le develaran que tiene una grave enfermedad y, paradójicamente, que le queda poco tiempo de vida. En esta institución su vida cambiara completamente, porque hará buenas amistades y conocerá el verdadero amor. Poco a poco se irá autodescubriendo y encontrará las ganas y lo motivos para seguir existiendo.

La película transita un ritmo lento y contemplativo, pareciera que la directora quiere lograr la atmosfera acorde a los estados de ánimo de Veronika, pretende crear un clima reflexivo e introspectivo. El problema reside que el guión no logra estar a la altura de las circunstancias. Los personajes están tratados con poca hondura y los acontecimientos y diálogos son bastantes predecibles, ni hablar del final que encuentra una "vuelta de tuerca" un tanto forzada y sobreexplicativa. En este contexto la verosimilitud pierde potencia, en consecuencia la empatia hacia los personajes toma distancia.

Tanto la película, al igual que lo hacia el libro, denotan el tratamiento "light" o superficial que hay acerca de estas formas que se pretenden "sanadoras del alma". Reconocida formula comercial que se retroalimenta gracias a generar, acorde a la lógica del deseo, la ilusión de una satisfacción inmediata en el espectador o lector, condición peligrosamente complaciente y tranquilizadora.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por Maria Paula Rios

4 de julio de 2010

TODAS LA VIDAS MI VIDA, de Charlie Kaufman


Todas las vidas, ¿una vida?

Conociendo a Charlie Kaufman como ya lo conocemos en su rol de guionista de filmes tales como Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, Ladrón de orquídeas, o Confesiones de una mente peligrosa, por no mencionar a ¿Quieres ser John Malkovich?, sabemos de antemano que no desperdiciará la oportunidad, ahora como director y guionista, de hacernos otro juego de prestidigitación de mente, pero esta vez valiéndose del recurso siempre recursivo del juego de espejos que nos llevará a regresiones infinitas adentrándonos en la mente de un dramaturgo y director de teatro Caden Cotard (alter ego de Kaufman) para investigar los procesos infinitamente recurrentes de la creación artística.

Confesiones de una mente peligrosa

Según San Agustín la mente es demasiado estrecha como para contenerse enteramente a sí misma. Tal vez sea esa una de las razones por las que Kaufman, esta vez, haya decidido hacer una puesta en escena de su propia mente, abriendo, o rompiendo (recordemos la cuarta pared brechtiana) las compuertas de la mente de un personaje de ficción, Caden Cotard, para liberar su yo que se irá desplegando, duplicándose, multiplicándose a través de diferentes personajes de ficción que harán de imagen especular de la siempre postergada vida del dramaturgo a lo largo de cuarenta años, desperdigando por aquí y allá sus múltiples yo que empezarán a entrar y salir de su desquiciada mente a medida que sus sueños y proyectos se vayan disipando. Podría uno preguntarse: ¿dónde está esa parte de la mente (aludiendo a la sinécdoque) que la mente misma no contiene? Porqué no buscarla en esa especie de galpón llamado Depósito 2, que reproduce en pequeña escala la ciudad de New York, que a su vez recrea una puesta en escena de una obra de teatro, que a su vez refleja una parte de la mente del director que la dirigirá, el propio Caden (sin llegar a estrenarla con audiencia) durante nada menos que veinte años.

Estamos en Shenectady, N.Y.C, y nuestro héroe Caden Cotard, interpretado por el insuperable Philip Seymour Hoffman, es un dramaturgo y director de teatro que intenta poner en escena sus propios problemas (que no serían otros que los del propio Kaufman, que a su vez no serían más que los de cualquier escritor) dirigiendo Muerte de un viajante de Arthur Miller, (una ficción dentro de otra ficción mayor, la historia sobre los avatares de la puesta en escena de la obra) que nunca acaba por estrenarse. Los actores son demasiado jóvenes para interpretar sus roles, pero gracias a la postergación reiterada de su estreno, tendrán la oportunidad de ir envejeciendo a lo largo de los infructuosos 20 años en los que se la pasarán ensayando, sin llegar, claro, a estrenarla nunca, pero sí a estar lo suficientemente viejos como para ahora sí poder interpretarla...

¿Quieres ser Caden Cotard?

Es otoño, el mes en el que todo cae, y todo muere: incluso, como nos informan a través de la radio, el gran dramaturgo británico, Harold Pinter. Hay fiebre aviar en Turquía, y una poeta dice que este es el principio del fin. Por televisión todo sigue cayendo, incluso una desvalida Betty Boop, después de mantenerse en una prolongada caída libre, para ir a parar dentro de las fauces de un tiburón…

Con tal alentador panorama, el protagonista descubre, al abrir la heladera, que la leche está vencida. Su hija Olive hace caca verde, y el chorro de la canilla del baño, al herirlo en un ojo, lo llevará directo a un oftalmólogo que, a su vez, lo derivará a un neurólogo, ya que los ojos son parte del cerebro, (la retina es la prolongación del cerebro) y sus pupilas, en palabras del propio Caden, ya no le funcionan bien. Su cerebro, tampoco, le diagnostican: degradación sináptica, lo que le hará perder, entre otras cosas, su capacidad para salivar, y le producirá un ataque de convulsiones en plena conversación telefónica con su mujer Adele, (la siempre espléndida Catherine Keener) artista plástica de miniaturas, que acaba de comunicarle, que lo ha abandonado por una amiga, pero definitivamente, previo viaje a Berlín, en donde fijará su residencia al lado de Olive, hija de ambos, no sin antes aseverarle que ella, Adele, artista de miniaturas tan mínimas que se necesitan lentes de magnificación para distinguirlas, se ha consagrado, y es famosa!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Abandonado y solo, a Caden no le queda más remedio que entrar a su cabeza que no es otro lugar que el depósito 2 donde se llevan a cabo los ensayos. A partir de ese momento, Caden dejará en libertad a sus múltiples yoes tan apretujados en su trajinada imaginación de escritor, entre ellos a Hazel (Samantha Morton) una cándida y adorable recepcionista que trabajará en la taquilla hasta que ya no tendrá más edad para hacerlo, Claire que hará las veces de Hazel, Ellen, que hará de mucama, y hasta del mismísimo Caden, y hasta el propio Sammy, alter ego de Caden, y aspirante a actor, que sin experiencia, ni C.V, ni formación conseguirá el papel para interpretar al propio Caden, con el persuasivo "lo vengo siguiendo desde hace veinte años, contráteme y verá cuán verídico es usted..."

Eterno resplandor de una mente sin recuerdos

¿Quién dijo que los recuerdos tienen que ver sólo con el pasado?

En el caso particular de Caden los recuerdos están ligados al pasado, pero sobre todo al futuro. Desde la partida de su mujer e hija, una Olive de cuatro años, el desdichado Caden no dejará de dilapidar tristeza, y depresión a medida que vaya recorriendo nada más ni nada menos que los rincones más inhóspitos y ruinosos de su ya ajetreada mente, que a esta altura ha dejado de ser depósito de recuerdos 2, para convertirse en un basurero de residuos nostálgicamente tóxicos con un asfixiante olor a fracaso en donde encontrará una caja rosa con una nariz en el frente, donde guarda los recuerdos de su hija Olive, el diario de Olive, que al igual que un work in progress autogenerativo, irá escribiéndose a sí mismo, sin que medie la presencia de la propia dueña para hacerlo, o que Caden tenga que dejar Shenectady para leerlo, siguiendo día a día la vida privada de su hija (recordemos que Olive seguirá viviendo en Berlín y, se convertirá para indignación de Caden, en la Flower Girl, apareciendo una imagen de su cuerpo totalmente cubierto por un tatuaje de flores en la portada de una revista alemana.) Pero no todo es fracaso, deterioro y pérdida para nuestro tan vapuleado Caden. Contra todo pronóstico, terminará ganando una beca: la Mac Carthy 2009, una subvención a los genios, de nada más ni nada menos que quinientos mil dólares, en el caso puntual de Caden, concedida por una pasmosa y obcecada ausencia de producción artística durante tantos años, guiño solapadamente cáustico de Kaufman para homenajear al siempre perseguido Arthur Miller por la tristemente célebre caza de brujas en los años cincuenta a cargo justamente del supuesto benefactor Mac Carthy, que otrora fuera el senador a cargo del Comité de Seguridad Interna para investigar el comunismo y sus actividades clandestinas en los Estados Unidos.

Menos que cero

Kaufman utiliza a su personaje de ficción Caden Cotard para explorar su propia mente, del mismo modo en el que Caden Cotard se vale de Arthur Miller con su Muerte de un viajante para seguir explorando la suya. En esta obra, el protagonista, Willy Loman, el viajante, en plena decadencia física y mental, irá perdiendo contacto con la realidad al sucumbir a la presión que le produce el fracaso y el paso del tiempo, reflejando lo mismo que le ocurre a Caden Cotard, y por carácter transitivo, siguiendo el juego especular, seguramente lo mismo que aqueja a Kaufman. Pero, a diferencia de Kaufman, a Caden Cotard se le hace imposible seguir manipulando a sus personajes, que se le escapan de todo control y hasta a uno de ellos, el tal Sammy, se le ocurre suicidarse nada menos que frente a sus ojos. La muerte y la desintegración acechan al hipocondríaco Cotard, que se irá deshojando como una margarita, al ver cómo mueren sus sueños, sus proyectos nunca realizados, sus padres, amigos, compañeros y hasta su propia hija, en una desopilante escena en la que siguiendo otro juego especular ella también se irá deshojando literalmente (recordemos el tatuaje de flores que cubría su cuerpo) hasta el estertor final.

Tal vez Kaufman nos haga reflexionar, en parte, con más sarcasmo que piedad, sobre la paradójica condición de todo artista frente al blanco (papel, lienzo, partitura, escenario) abismal que antecede a todo proceso creador y que cuando el artista es incapaz de llenarlo o dominarlo, termina siendo tragado o borrado por ese blanco abismo hecho más de tiempo que de espacio. O quizás, el filme en su totalidad (recordando lo de sinécdoque) haga de espejo sobre la condición humana con respecto a los logros personales a través del tiempo, mostrándonos personajes con aspiraciones siempre frustradas, quizás porque recurran a las efectivas tácticas de suspensiones y aplazamientos para nunca llegar a nada, con una voluntad inquebrantable para no ser alguien, ni llegar nunca a ningún lugar... 

Gabriela Mársico



29 de junio de 2010

KARATE KID, de Harld Zwart


El mismo director que se encargo de dirigir la película para niños/adolescentes "Agente Cody Banks" y también "La pantera rosa 2", es quién se acredita la remake de "Karate Kid". Aquella que por el año 1984 fuera un éxito de taquilla llegando a realizarse tres secuelas. Recordemos que aquí los protagonistas eran Ralph Macchio (Daniel San) y el maestro Mr Miyagi, Pat Morita. En la nueva versión encontramos que Daniel-San es reemplazado por un carismático Jayden Smith, si el hijo de Will Smith, y en lugar del maestro, aquí devenido en encargado de edificio, la estrella de artes marciales Jackie Chan.

Fui a ver el film empujada por la añoranza de mi época infantil y con mi mente encasillada en las comparaciones. Pensé que iba a ser muy difícil rescatar el espíritu de la versión original. Debo admitir que me equivoque y mucho, ya que no solo lo rescata, sino que además se toma el atrevimiento de adquirir vuelo propio.

La historia cuenta como Dre Parker y su madre, por cuestiones laborales, se mudan de Detroit (EEUU) a China, específicamente a la gran Beijing. El film girará en torno a la adaptación de ambos a esta exótica cultura, sobre todo de Dre a su nueva escuela en donde conocerá a la joven violinista Mei Ying. Debido a este suceso tendrá que enfrentarse a un engreído Cheng, quién hará de todo para interferir en la relación. Será el Sr.Han quién, además de adoptar una actitud paternal, le enseñe secretos y técnicas sobre las artes marciales para que Dre se defienda y también para que compita contra Cheng en el gran torneo de Kung-Fu.


No solo es la familia Smith quien aquí da un empujón económico para posicionar al pequeño Jayden en el mundo cinematográfico. Parece que el gobierno de China también ha puesto su buena cuota, porque apreciaremos en todo su esplendor los lugares mas prototípicos del país, como la Ciudad Prohibida y la Gran Muralla. Además de varios aspectos de sus tradiciones ancestrales, como el teatro de sombras.


Dejando a un lado mi embelesamiento por la cultura oriental repito nuevamente que "Karate Kid" la remake rescata fielmente el espíritu de la primera, a su vez diferenciándose ya que el argumento varía bastante. El film es muy ágil, a pesar de su larga duración estaremos todo el tiempo expectantes y siguiendo lo que el pasa a Dre. El amor, el espíritu competitivo, la amistad, una coreografía de puños y patadas y la música, formaran parte de este cóctel, que se sostiene, mas allá de su clásica y correcta forma, por aquel dejo de nostalgia ochentosa.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

BRIGADA A, de Joe Carnahan


Hablando de remakes y ochentosas, nuevamente el cine norteamericano nos ofrece otra. Esta vez la adaptación de la exitosa serie televisiva "Brigada A" o "Los magníficos". Si aquella en la que se encontraba Mario Baracus, aquel enorme hombre que relucía collares y anillos de oro. Recordemos que en la serie un grupo de ex combatientes de la guerra de Viet-nam son enjuiciados por un delito que no cometieron. De este modo se transformaban en fugitivos y mercenarios por "obligación”, para así desde el anonimato impartir justicia.

La historia en el film no dista mucho a la serie y el tratamiento tampoco, salvo por el avance en los efectos especiales, que en esta nueva adaptación parecen ser de vital importancia. Aquí Liam Neeson encarna a Hannibal Smith, el líder del grupo, Bradley Cooper a "Face", el playboy y el encargado de conseguir maquinaria para las misiones; el luchador Quinton Jackson a Mario Baracus y Sharlto Copley al "loquito" Murdock. En verdad el casting fue acertado ya que ninguno de los nuevos personajes desentona con los originales.

En esta reinterpretación se cuenta una aventura en escenarios internacionales, entre Irak, Alemania y Estados Unidos. Aquí como ex combatientes de guerra, pero de Irak, también recibirán una condena por un crimen del cual no son culpables. Pero respaldados por un agente de la CIA, el equipo se dará a la fuga con la intención de encontrar a los verdaderos culpables.

El film sostiene la acción de golpe de efecto en golpe de efecto, tanques, aviones, explosiones y espectacularidad, tapando así la precaria trama. Hay que reconocer que mantiene el humor que rescataba la serie tornandose desvergonzada. Entre el absurdo y lo bizarro, a causa de lo vertiginoso del ritmo, este tanque de acción pochoclero ofrece, literalmente, mucho ruido y pocas nueces.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Rios


23 de junio de 2010

KICK ASS, de Matthew Vaughn

Dave Lizewski es un adolescente fanático del comic que embargado por este fervor, además de transitar una etapa de cambios psicológicos y hormonales, y con el peso de la muerte de su madre a cuestas, decide convertirse en superhéroe. Se pone su traje verde, un tanto ridículo, su máscara y sale a recorrer las calles en busca de justicia. Pero justamente en una de las primeras escenas, cuando es atacado por dos ladrones y lo hieren de muerte, nos daremos cuenta que esta desprovisto de todo tipo de cualidades extraordinarias. Conciente de sus limitaciones, pero adquiriendo una "falsa fama" vía youtube, debido a que un par de curiosos graban con el celular como defiende a un hombre de una golpiza, Kick Ass se cruzará con Hit girl y su padre Big Daddy (Nicolás Cage). Dos nuevos superhéroes que salvaran al mismo de la muerte en manos de unos narcotraficantes. Hit girl y su padre si cumplen con todas las características del superhéroe clásico, protegen su identidad y tienen logística y entrenamiento de avanzada. Influenciada por su padre Hit Girl ha dedicado su corta vida a prepararse para vengar la muerte de su madre en manos del archivillano de la película, quién es el que suministra toda la droga en New York. Entre malvaviscos y chocolate caliente, la niña y su papá tienen una relación cotidiana sumamente afectiva, Hit Girl aprende a manejar el arsenal de armas que tiene en su casa y a la hora de matar a sus enemigos no dudará ni un instante.

Kick Ass explora varios entramados como la influencia de la tecnología hoy en día en pos y alcance de la comunicación, los vínculos en las relaciones familiares, el control sobre el otro como ejercicio abusivo de poder, la noción de fácil acceso a las armas instaurado en Estados Unidos y la preocupante naturalización de la violencia, todo esto solapado, inteligentemente, bajo la forma de comic. Recalco la forma en que se tratan estos tópicos, porque la película es muy violenta, por momentos hasta gore, y a pesar que el género se presta a la fantasía, el impacto en lo físico se transfiere de modo muy real y visceral, por esto mismo es prohibida para menores de dieciséis años. Si bien el asunto puede generar controversias desde lo ideológico, paradójicamente la crudeza trasmitida hace tomar conciencia de la materialidad de la muerte.

Una película muy pop en su estética, con reminiscencias a las de Tarantino en cuanto a las escenas de acción. Con buen ritmo, entretenida, aunque con algunos desfasajes de guión, y en la que sobresale la actuación de la pequeña actriz Chloe Moretz quién con su carisma se adueña del film. 


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

21 de junio de 2010

LEGION DE ANGELES, de Scott Stewart

“Legión de Ángeles” es la opera prima de Scott Stewart quién es responsable, en buena parte, de la creación de los efectos especiales en varios films del mainstream norteamericano. El leit motiv de esta película esta basado en una amenaza externa y desconocida que viene a irrumpir la aparente normalidad. En vísperas de navidad Dios desepcionado por el comportamiento de la humanidad, decide enviar un ejército de ángeles a la tierra para exterminar a los seres humanos. Pero será el arcángel Miguel (Paul Bettany), líder de esta legión, quién se revelará comenzando a hacer todo lo posible para proteger a los seres de la tierra. Un pequeño grupo de personas aisladas en el bar de una vieja estación de servicio ubicadas en el medio del desierto, ofrecerá resistencia ante el ataque de esta angelada legión. El mismo se produce allí porque entre ellos se encuentra Charlie, una joven embarazada quién lleva en su vientre al salvador de la raza humana.

En la primera parte nos encontramos ante una película apocalíptica en donde trasciende la acción cimentando a la misma. Abundan efectos especiales, ángeles musculosos, tatuados y muchas armas, hasta las alas cumplen esta función. En su segunda mitad se torna pretenciosa agregando cuestiones pseudo existencialistas y demagógicas en donde predominan diálogos inconexos. La historia gradualmente va perdiendo interés, suspenso y tonalidad, de oscura pasada a rosada, de animada a tediosa y de simple a ostentosa.

Atrapada en el plano de la contradicción, pero no justamente una contradicción dialéctica y hegeliana, sino mas bien una de índole histérica, la misma se vuelve artificial descuidando su construcción narrativa y la de sus personajes, quebrantando así la verosimilitud conformada en un principio en este pequeño universo ficcional, y dejando en el espectador un cierto halo de ajenidad y extrañeza.


Nota producida para el portal Ay love, por María Paula Ríos