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19 de junio de 2010

DIOSES, de Josué Méndez

"Dioses" es la segunda película del director peruano Josué Méndez, la cual estuvo coproducida por Perú, Argentina, Francia y Alemania. Este joven director debuto con "Días de Santiago" en el año 2004 un film con muy buena recepción por parte del público que contaba la historia de Santiago, un ex soldado peruano de veintitrés años que regresa a Lima después de haber luchado contra la subversión terrorista, el narcotráfico en su propio país, y en el conflicto con Ecuador. En film se centraba en la adaptación y la supervivencia que tenía que desafiar Santiago ante una sociedad abrumada de conflictos sociales y por ende "sin memoria" ante lo afrontado por esta generación de jóvenes.

En "Dioses" Méndez sigue hurgando espacios incómodos en un país que tiene una división de clases altamente marcada. Esta vez hace una ficción que refleja la clase alta peruana, un grupo social aislado en todo sentido, geográficamente, ya que generalmente ubican sus mansiones en la playa sobre el lado del Pacífico, y socialmente, ya obvian todo los conflictos económicos y sociales del resto de Perú.

La historia explora el micromundo que conforman Agustín un alto empresario peruano que trae a casa a su nueva esposa, Elisa, una joven muy bonita veinte años menor que él, que proviene de una familia humilde y que hará lo que sea por adaptarse a este ambiente. Diego, el hijo menor, que vive de exceso en exceso, fiestas, borracheras y mucho sexo. Y quién siente una gran atracción por su hermana mayor Andrea, persiguiéndola a sol y a sombra. Y Andrea que lleva una vida de perfil mas bajo, sin por esto dejar de ser caprichosa, la niña mimada de papá, y quién también esconde un gran secreto.

La película oscilando entre un tono paródico y melodramático y sin desbordar originalidad, pero respetuosa tanto en su ritmo narrativo y puesta en escena, desviste, sin demagogias, aspectos de la realidad en la clase alta peruana. Ámbito  donde la hipocresía, la frivolidad, el conformismo y la indiferencia son moneda común . Como bien lo define el propio director "este tema muestra como la miseria moral, y no solo la económica, está presente en mi sociedad, mas allá de la clase social a la que se pertenezca...".

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

MARMADUKE, de Tom Dey

"Marmamduke" esta basada en una historieta creada en 1954 por Brad Anderson, la cual se público por muchísimos años en el diario mas famoso de Canadá, el Toronto Star. Por los años setenta la misma tuvo una adaptación televisiva. Ahora le toca al cine y de la mano de Tom Dey, un director norteamericano con tres películas en su haber y que distan bastante en temáticas, "Shanghai Kid" un western combinado con artes marciales con Jackie Chan y Owen Wilson, "Showtime" un policial con Robert De Niro y Eddie Murphy, y una comedia de amor con Sarah Jessica Parker y Matthew McConaughey, "Soltero en casa".

"Marmaduke" es un adorable y gigante perro de raza gran danés que vive con los Winlows, una familia tipo conformada por una madre ama de casa, tres hijos y el padre que es experto en marketing para alimentos de mascotas. Debido a cuestiones laborales del padre, la familia se debe mudar de Kansas a la costa oeste en California. Por lo que Marmaduke tendrá que adaptarse a este ámbito ajeno, y afrontar situaciones como ganar un lugar entre sus nuevos amigos o enamorar a la perrita de sus sueños.

Como observamos en “Marmaduke” están trasladadas toda clase de inquietudes humanas, y no caninas, típicas de un adolescente norteamericano. Por lo que el film se convierte en una comedia de adolescentes, pero encarnado en la piel un perro que hasta habla y todo (con la voz de Owen Wilson). Habrá perros amigos "loosers" (los que no tienen pedigrí) y los ganadores que si son de raza, una gran fiesta descontrolada para ganar simpatía, y hasta practicará surf nuestro simpático can humanoide quién hará lo  imposible para pertenecer al nuevo lugar.

Dejando a un lado lo ideológico y lo remanido del género, la música funciona acorde a lo que se cuenta, los efectos son ágiles y los gags están bastantes logrados. Estamos ante una película familiar que al público infantil lo van a divertir sin defraudar.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

14 de junio de 2010

LOS MEJORES DE BROOKLYN, de Antoine Fuqua

Antoine Fuqua es un director norteamericano de mucha acción, entre sus films anteriores podemos recordar la oscarizada "Día de entrenamiento" o "Lágrimas del Sol". Es un hombre de oficio y hay que destacar que sabe maniobrar muy bien los ámbitos policiales o militares.

En "Los mejores de Brooklyn" se cuenta, independientemente, la historia de tres policías y las vicisitudes que cada uno de ellos atraviesa. Eddie (Richard Gere) es un policía solitario autodestructivo, que ha resignado una vida familiar por su carrera. A punto de retirarse se siente vacio, desilusionado, muy pocas cosas lo emocionan. Sal (Ethan Hawke) es un joven que tiene una familia numerosa y necesita dinero para mudarse de la casa en que vive, el espacio es chico y su mujer (embarazada) necesita paredes sin moho debido a una alergia que padece. Sal comienza a corrumpirse para conseguir el dinero, además de cargar con la culpabilidad de haber asesinado a un narcotraficante por el vil metal. Tango (Don Cheadle) hace tiempo trabaja como agente encubierto en el epicentro del mundo de las drogas. El problema es que su vida personal ha traspasado ciertos límites y ahora se encuentra en el dilema de tener que traicionar a quién se ha convertido en su mejor amigo, el traficante Caz (Wesley Snipes). También existen los oficiales superiores que harán de todo por quedar bien o conseguir un mejor puesto en la institución.

Una película de acción, clásica y bien narrada, con actuaciones y un timing correcto. Las escenas son crudísimas, con un realismo muy logrado, y donde no son ajenos tampoco los dejos de cuestionamientos vinculados con lo moral y la culpabilidad. Como valor agregado se puede rescatar el tratamiento logrado en la vida cotidiana de los personajes. Cotidianidad no ajena a los problemas económicos y sociales de un barrio bastante alejado del "sueño americano". Aquel sueño que hace tiempo ya ha dejado de venderse, afortunadamente, en el cine norteamericano. Film recomendado para aquellos que disfrutan del género policial y la acción a raudales.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

ZENITRAM, de Luis Barone

Sobre un relato paródico con tintes políticos de Juan Sasturain, escritor argentino y quién condujera el programa cultural en Telefe, "Ver para leer", esta basado este film que narra la historia de una especie de superhéroe/antihéroe argentino. Luis Barone, su director, a pesar de tener cinco películas filmadas ("24 horas (Algo está por explotar)", "Buenos Aires plateada", "Los malditos caminos" "El tigre escondido" y "Zenitram"), tiene mas experiencia en dirección de televisión que en cine. Parte del elenco de la película esta compuesto por Juan Minujin, Luis Luque, Daniel Fanego y los españoles Jordi Mollá y Verónica Sánchez. Y como nota de color hay apariciones breves de personalidades del mundo de la cultura como Jorge Dorio, Tom Lupo y José María Muscari.

La historia está situada en futuro no muy lejano, donde el agua es uno de los elementos mas preciados del mundo, y por lo tanto en nuestro país su distribución esta monopolizada por una empresa extranjera. Es una Argentina bastante marchita y gris. Y existe un gobierno de apariencia populista, pero que toma medidas políticas antinacionales. En medio de este contexto, y tras ser despedido de su empleo como basurero, al joven Martínez le revelan que pronunciando su apellido al revés, Zenitram, y tocándose sus genitales, posee el don de volar y adquiere una gran fuerza. Al revelarse ante el mundo como el superhéroe argentino, Zenitram se vinculará con el periodismo y con el gobierno. Y a través de un viejo amigo científico, se posicionará como la esperanza del país para solucionar la problematica del agua.

El planteo del film es sumamente interesante, con tono de parodia recorre varios momentos históricos y políticos de nuestro país como el de la dictadura militar, los estereotipos de la década menemista o la famosa pelea del actual gobierno con los medios. También cuestiones como lo ecológico, el amor, el "argentinismo", el comic, etc. Pero como bien diría el refrán: "el que mucho abarca poco aprieta", por lo que no se logra cristalizar una idea de todos estos elementos. Creo que falta solidez en la construcción del guión, la historia cambia de matices sin una buena cohesión y muchas de las actuaciones, como la del mismo Zenitram y los españoles, no logran alcanzar el tono que requiere la historia. Una historia que por momentos aburre y en donde se entremezcla sin lograr consistencia lo cómico y lo dramático.

Una pena porque creo que Zenitram tiene buenas intenciones, una búsqueda de estilo propio, con ideas atractivas, pero se queda rasante en el vuelo.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

TODOS TENEMOS UN EX, de Fausto Brizzi

“Todos tenemos un ex” es la segunda producción del director italiano Fabio Brizzi que en su país fue un gran éxito de taquilla. La primera, "Notte prima degli esami"(2006), fue de corte menos comercial, con menor presupuesto y solo se estreno en Italia y Polonia. Cabe aclarar que Brizzi tiene mucha experiencia en la tv italiana y esto se nota en el film, ya que por momentos se asemeja a una sitcom.

Sin nuevos descubrimientos “Todos tenemos un ex” remite a la película coral con seis historias de parejas que sufren, se pelean, se aman, se odian y se reconcilian. Pablo, el novio de Monique, esta celoso de David (ex pareja de ella) y se encuentra en guardia porque lo siente una gran amenaza. Sergio de un momento a otro debe asumir el hacerse cargo tiempo completo de sus dos hijas adolescentes tras la muerte repentina de su ex esposa. Julia y Marc tienen una armoniosa vida en París pero debido a un traslado de negocios a Nueva Zelanda deberán aprender a mantener su amor a la distancia. Loredana y Lucca tratan de asumir de la manera mas madura su divorcio, al contrario de Filippo y Caterina que en medio de este proceso de separación se disputan por la "no" custodia de sus hijos. Y Elisa, quién esta a punto de casarse con Corrado, se encuentra con un ex en el lugar y momento menos esperado.

Las historia son fluidas y agradables y transitan la típica idiosincrasia italiana, voces fuertes y esa cierta tendencia hacia la exageración, agitándose entre el humor y el dramatismo. Si bien cae en los lugares comunes de siempre, como su final totalmente conservador, el verosímil y los personajes estan noblemente construidos. Reflexiones sobre el amor y todos sus ingredientes nos acerca esta comedia que sin llegar a sobresalir brinda momentos nítidamente disfrutables.

Nota elaborada para Ay Love, por María Paula Ríos

ESTA VIVO, de Josef Rusnak

Parece que la escasez de ideas se acentúa cada vez mas en el maistream estadounidense, ya que nuevamente nos encontramos ante una remake. Esta vez de una película clase b, homónima, de la década de los 70´ dirigida y escrita por Larry Cohen. Quién también colabora en el guion de esta nueva versión a cargo de Josef Rusnak.

Leonore, una joven y aplicadísima estudiante universitaria, queda embarazada de su novio Frank. Ambos, dispuestos a iniciar una familia, se mudan a una casa de lo mas terrorífica. Este será uno de los primeros indicios que anticipará lo que esta por suceder, sin descartar las intuiciones de la futura mamá. Cuando llega el momento del parto ocurre una terrible masacre, mueren asesinados el médico y las enfermeras, solo queda con vida el bebé y su madre. Todo el hecho queda sumido en un terrible misterio, y la parejita volverá a casa con su hijo, que comienza a manifestar conductas infrecuentes como por ejemplo el devorarse una paloma. Sucederán una serie de asesinatos en torno al infante señalándolo, muy a pesar de los sentimientos de la madre, como el autor de los mismos. Leonore se empeñará en proteger a su hijito tratando de justificar lo injustificable.

El enfoque del film no produce nada novedoso con respecto al anterior y, en todo sentido, esta menos logrado. Solo se limita a retratar el universo de frágil cordura de la madre, a diferencia de la antigua versión que se expandía ante la mirada y las reacciones de toda la comunidad frente a un fenómeno tan pavoroso y causalmente inexplicable. Agregando que narrativamente no se genera ni suspenso, ni misterio en la historia. Su antecesora cimentaba esto dos factores en el intento de nunca develar del todo la fisonomía del niño. Intuíamos algo tenebroso y monstruoso, pero no lo veíamos. En cambio en la actual ya de entrada se nos muestra a la criatura, tiene una apariencia normal y concibe la idea de dulzura y ternura típica de la edad, lo cual le quita total verosimilitud en combinación con las escenas sangrientas.

¿Que mas agregar??, no creo que entusiasme siquiera a los amantes del genero.


Nota elaborada para Ay Love, por María Paula Ríos

11 de junio de 2010

LA ROBE DU SOIR, de Myriam Aziza (BAFICI 2010)

Myriam Aziza es una directora francesa con algunos films en su haber, entre ellos un documental Nos traces silencieuses , con quién comparte la realización con Sophie Bredier. En La Robe du Soir coescriben el guión juntas. Seguramente esta película tendrá su estreno en Francia y diversos países de Europa pero no creo que llegue a las salas argentinas.

Le Robe du soir, traducido a nuestro idioma, significa El Vestido de Noche. Lo cual esta relacionado, dentro del contexto del film, con el atravesar esa línea tan delgada que separa la niñez de la adolescencia, comenzar a tener gustos y querer actuar como una mujer.

Juliette es una niña de doce años muy aplicada y obediente en la escuela. Parece estar embelesada con su maestra, una mujer atractiva, sofisticada y con muy buen trato. Le gusta como se viste, como se maquilla, su sentido del humor, y debido a lo estudiosa que es Juliette, parece no querer defraudarla, hay cierta complicidad entre ambas. Pero un día la profesora vuelca su atención hacia un compañero de la joven. Un adolescente muy capaz pero con problemas de concentración, por lo que la maestra decidirá impartirle clases particulares. A partir de este momento, debido a los celos, se dará un quiebre en la vida de Juliette ya que la admiración se comenzará a convertir en una gran obsesión.

Debemos tener en cuenta el contexto familiar de la niña/adolescente, ella vive con sus hermanos y sus padres están casi siempre ausentes. El padre no vive con ellos y la madre trabaja todo el día. Juliette se identifica y desea ser como su maestra, teniendo en cuenta además que esta atravesando la etapa del despertar sexual, se confunden sus sentimientos.

Se nota que la directora tiene oficio, la factura del film es impecable. Esta muy bien filmado, la música acompaña en tono exacto, el ritmo es ágil y denota ese extrañamiento que siente Juliette ante sus emociones tan ambivalentes. Generando también suspenso e interés por querer saber en que devendrá esta gran obstinación. Pero el problema es su resolución ya que se nota forzada y sobreexplicativa. Una pena para un film que en su construcción revela la ambigüedad propia del despertar de un adolescente.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

CONTACTOS DEL CUARTO TIPO, de Olatunde Osunsanmi



Olatunde Osusanmi es un joven director que ya incursiono en el género del terror con su primer largometraje, The Cavern, donde relataba una historia de descenso a los infiernos. Pero con Contactos del cuatro tipo logra muchísima mas repercusión debido a su temática, sus actores y su método para filmarla, una especie de mockumentary (falso o pseudo documental).

En la primera escena de la película aparece la actriz Milla Jovovich informándonos que lo que estamos a punto de ver esta basado en hechos reales. Que ella representa a la doctora Tyler y que la película esta alternada con (supuestas) grabaciones de casos verídicos. Y que esta en nosotros que creamos o no lo que sucedido. El arranque es interesante y genera un cierto halo de misterio.

Todo sucede en Nome, Alaska, un pueblito que desde hace cuarenta años sufre de desapariciones de personas las cuales son inexplicables. La Dra Tyler de adentra en el mismo para investigar y se comienzan a acontecer sucesos impactantes. Tras la misteriosa muerte de su marido, Tayler descubre extraños comportamientos en algunos de sus pacientes quienes experimentan inexplicables trastornos y alteraciones de sueño. Sucesos que relaciona, tras averiguaciones, con posibles abducciones extraterrestres muy traumáticas que acontecen en esta gélida zona del mundo.

Que decir, hay algo de original en esta forma de intercalar grabaciones de casos supuestamente verídicos con la ficción, en realidad es interesante este bucle interminable pseudo realista. El problema reside en mal aprovechamiento de este recurso, en la chatura de como se aborda. Al final terminamos viendo otra película mas que funciona a base de golpes de efectos visuales, dejando a un lado el poder transmitir sugestión lo cual generaría mayor suspenso y veracidad a merced de lo que se cuenta. Fanáticos del género la van a pasar bien, escépticos abstenerse.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos 

6 de junio de 2010

SERAPHINE, de Martin Provost

Provost narra la historia del develamiento de una de las pintoras mas asociadas al arte naif, Séraphine Louis, también citada como Séraphine de Senlis. Contextualizada en un pueblito de Francia en los principios de 1900, Wilhem Uhde, un alemán con una extensa colección de arte y con fama de atinar grandes talentos artísticos, un día casualmente se tropieza con una obra de Seraphine y se asombra al averiguar que ella es la autora. Ya que la misma es quien limpia en la casa que él renta.

Con una vida muy particular y una sensibilidad a flor de piel, Séraphine queda huérfana a los cinco años. Sin recibir educación y sola en la vida le queda sobrevivir limpiando casas, lavando ropa para los adinerados y ayudando en distintos negocios del pueblo. Un tanto hosca y poco comunicativa guarda con recelo su gran secreto y todos los ritos en torno a su afición de pintar, como prepara los colores o como dispone los lienzos.

Wilhem Uhde decide inmediatamente ser su tutor y brindarle la posibilidad para que desarrolle su arte, pero la interrupción de la Primera Guerra hace que Uhde tenga que regresar a Alemania. Aquí hay un impass entre ambos, pero en estos años la capacidad artística de Séraphine se potenciará al máximo transformándose en una verdadera artista. Ya culminada la guerra Uhde vuelve a Francia y en una exposición del pueblo admira un cuadro de la virtuosa Séraphine y queda azorado. Retornado de este modo a buscarla y por fin darle la posibilidad que había quedado truncada. Ahora Séraphine por fin entrega su vida al arte convirtiéndose, a su vez, en víctima de excesos y traspasando los límites de la cordura.

El tempo de la película es pausado y con algunos desfasajes narrativos. Debido a la necesidad de querer abarcar tantos sucesos en la vida de la artista los mismos pierden consistencia en la singularidad. Pero conocer los pormenores de esta pintora genial, sensible, inocente, sufrida y que exuda libertad; sumada la excepcional interpretación de Yolande Moreau, la cual eleva notablemente el film, ya que narrativamente es bastante convencional, hace que valga la pena experimentar la visión de este singular, rústico e ingenuo modo de captar la realidad.
Nota elaborada para el portal Ay Love, por Maria Paula Rios

ESTAMOS TODOS BIEN, de Kirk Jones

Estamos todos bien es una remake de aquel drama italiano Stanno Tutti Bene del director italiano Giuseppe Tornatore y protagonizada por el gran Marcelo Mastroiani. En esta versión lo suple en el protagónico otro buen actor norteamericano, Robert De Niro, quien interpreta a un viudo con problemas de salud ya retirado de su trabajo que quiere reunir a sus cuatros hijos en casa tal como lo hacía su mujer. Tras la imposibilidad de congregar a todos juntos, debido a los compromisos que tienen cada uno de ellos, decide emprender viaje e ir a visitarlos uno por uno.

Un viaje iniciático en cuanto a descubrimientos e introspección emocional se refiere, ya que a través de este recorrido surgirán verdades familiares dolorosas las cuales el protagonista, puede que inconscientemente, tiene vededadas. Ciertamente no están todos tan bien como lo indica el título.

Este film es un drama que en su primera parte esta bien construido, vemos un De Niro totalmente creíble, un padre exigente, detallista y preocupado que ha trabajado toda su vida para darle lo mejor a sus hijos. Y que lo aqueja la ausencia de su compañera, esposa, en parte cómplice de ocultarle gran parte de la realidad.

Cuando la historia esta llegando a su desenlace se torna mas melodramática, hay situaciones mas lacrimógenas y algún que otro golpe bajo. Pero nunca pierde su lógica ya que la narración deviene en esto. Estamos todos bien nos va a tocar de cerca, va a generar mucha identificación con los personajes y por lo tanto puede que se nos caiga alguna que otra lágrima.

Sin destacarse en su género, es un film correcto en su estructura y donde se hacen presentes temas como la melancolía, la soledad, las relaciones, el perdón y sobre todo la aceptación.


Nota elaborada para el porta Ay Love, por María Paula Ríos

UN SUEÑO POSIBLE, de John Lee Hancock

Un sueño posible está basada en el libro "The Blind side: Evolution of the game", que a su vez esta inspirado en una historia verídica. Michael Oher es un enorme joven afroamericano quién consigue por casualidad una beca en una escuela católica, donde en su gran mayoría son blancos y adinerados, debido a su capacidad deportiva. Michael viene de los suburbios, del lado marginal de la ciudad y su familia es totalmente disfuncional. Una madre ausente y un padre suicida que no lo reconoció nunca. Por lo que el joven se encuentra solo y a la deriva hasta que un día lo encuentra bajo la lluvia la familia Tuohy, y he aquí que cambiará su vida ya que esta familia cristiana lo aceptará, lo adoptará y lo guiará, a través del esfuerzo y la voluntad, a que se transforme en una estrella deportiva.

El papel de Leigh Anne, la mentora incondicional de Michel, le valió el Oscar a mejor actriz a Sandra Bullock. Oscar totalmente acorde a sus criterios y políticamente correcto, ya que subraya el ideal de la mujer estadounidense, esposa fiel devota de su familia y con una alto compromiso cristiano. Debo confesar que me cae bien Sandra, pero este es una de sus peores actuaciones, remanida, previsible e impostada.

En esta historia hay un subtrama implícito totalmente peligroso. Lo que se cuenta es aleccionador, moralista hasta el extremo y sumamente tranquilizador. Tranquilizador sobre todo para aquellas conciencias guiadas "por el debe hacer", para limpiar en gran parte culpas y estigmas sociales. Pensemos en lo que simboliza cada personaje y da miedo, Michael es de color, con grandes problemas para relacionarse "salvado" por una familia perfecta, donde hay aceptación sin cuestionamientos por ninguno de los miembros, que lo amolda a su estilo de vida sin respetar sus costumbres, sus orígenes, en fin su verdadera esencia. Me gustaría saber si Michael hubiera sido rebelde o con problemas de adicción y sin talento para el deporte si lo hubiesen aceptado del mismo modo.

Nos encontramos ante una comedia dramática, con graves problemas de guión, plagada de lugares comunes y con altos aires de responsabilidad social, pero tocados con tal liviandad y superficialidad que asusta. Parece un manual didáctico del buen cristiano, y como es costumbre en la idiosincrasia norteamericana siempre tapando y emparchando, sin nunca ahondar en las causas de las dificultades sociales que los aquejan, para así por lo menos de este modo, acercarse alguna vez a la reflexión y a la aceptación de los errores.
Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

2 de junio de 2010

LA ISLA SINIESTRA, de Martín Scorsese

La última producción del gran Martin Scorsese, La isla siniestra, esta basada en la obra del escritor Dennis Lehane. Autor a quién le adaptaron a pantalla otras de sus obras como Río Místico ( Clint Eastwood), y Desapareció una noche, dirigida por Ben Affleck. Las cuales se caracterizan por ser oscuras, intrigantes y sumamente perturbadoras. La isla siniestra no es la excepción, destacando a su vez en la misma una impetuosa impronta poética que plasma este sanguíneo realizador.  

Teddy Daniels es una agente del FBI, quién junto a su nuevo compañero, se internan en una isla de máxima seguridad, que contiene a pacientes psiquiátricos con antecedentes delictivos, a investigar la extraña desaparición de una de las pacientes del recinto. A medida que se vayan adentrando en la investigación su supuesta realidad se ira desdibujando hasta alcanzar la máxima incertidumbre.

La isla siniestra es una construcción tan completa como compleja. Es un thriller psicológico, es un policial negro y también es un drama. Tiene un nivel narrativo tan potente y un tratamiento visual pocas veces visto, digno de uno de los grandes del cine como lo es Scorsese.

El punto de vista o la percepción de la realidad del personaje son uno de los elementos claves del film. Vemos como Teddy Daniels (un Leonardo DiCaprio que en cada nueva interpretación se supera actoralmente) recorre esos pasillos repletos de secretos, de dolor, de historias terribles, lo cual hace potenciar su sensibilidad, su propio recuerdo y su oscuro pasado, perdiéndose él también en ese laberinto de obsesiones y delirios, que rozan con límite de la ¿irracionalidad?.

Paradójicamente el film con un estilo muy clásico juega constantemente con la ambiguedad. Si bien en un principio nos plantea una trama muy simple, a medida que el relato avanza cada vez todo se va haciendo mas confuso y angustiante. Se presentan multiplicidad de elementos aislados que desorientan, pero hacia el final comienzan a despejarse las dudas y estos elementos cobran un alto grado de significancia y funcionalidad en relación a la historia.

Scorsese da cátedra con esta película sugestiva, terrorífica y dramática. Dándose el lujo, además, de reflexionar sobre los propios mecanismos del dispositivo cinematográfico.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

1 de junio de 2010

CRISALIDAS, de Fabio Junco y Julio Midú


Crisálidas es una producción netamente argentina y de interior del país. Es bueno contar de donde proviene este film y la historia que conlleva. Julio Midú y Fabio Junco encaminaron la propuesta de hacer cine en su ciudad, Saladillo, y que los vecinos de la misma intervengan como protagonistas en las realizaciones. A esta iniciativa la llamaron Cine con Vecinos y hoy en día, además de contar con un Festival de Cine, ya es el vigésimo primer largometraje que concluyen. Destacando también que Crisálidas fue declarada de Interés Provincial por la Cámara de Diputados de Buenos Aires por el proyecto cultural comunitario que promueve.

La película cuenta una historia coral sobre cinco mujeres que trabajan en un taller textil en un pueblito de Argentina, las cuales están adormecidas en su monótona realidad. Mercedes tiene una vida casi soñada, un marido profesional, un hijo y un muy buen pasar, pero se siente presa en este pueblo que no le brinda las oportunidades para seguir desarrollándose en lo que quiere. Marisa experimenta algo parecido, esta casada con un trabajador rural y se siente absorta por la rutina de su matrimonio. Sofía vive sola con su padre ya retirado y esta preocupada porque aún no encontró su amor, no formó una familia, y tiene miedo del "que dirán". Ana vive con su abuela, quién la crio tras la muerte de su madre, y esconde un gran secreto, esta muy enferma y aún no se lo ha confesado a nadie. Y Norma es una mujer que vive sola y está encasillada como "la gordi simpática" del pueblo, lo cuál padece con mucha angustia.

Como lo indica el nombre de la película estas cinco mujeres están en una fase pasiva y larvaria, pero a su vez experimentando, en potencia, una gran transformación. Y la película girará sobre este tópico, sobre las intenciones de sus protagonistas de poder cambiar el sentido de sus vidas, superar sus angustias y sentir posibles sus sueños.

Teniendo en cuenta el poco presupuesto destinado al film hay que subrayar, si bien a veces nos remite al formato televisivo y nos encontramos con algunos problemitas de guión, que tiene muy buenas intenciones y que se va superando respecto a las obras anteriores de los realizadores. Encontrando un tono dramático la historia se siente honesta, muy humana y las actuaciones no profesionales dan una bocanada de aire fresco hallando la empatía necesaria con el espectador. 


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

31 de mayo de 2010

IRON MAN 2, de Jon Favreau



Nos encontramos ante la secuela de la taquillera adaptación de la historieta de uno de los superhéroes de Marvel, Iron Man. Bajo el traje de hierro se encuentra el multimillonario egocéntrico Tony Stark interpretado por un correctísimo Robert Downwey Jr., y acompañado por un multiestelar elenco, Mickey Rourke, Gwyneth Paltrow, Scarlett Johansson y Sam Rockwell entre otros.
El superhéroe, tras develar ante el mundo su verdadera identidad, comienza a ser sometido a presiones por parte del gobierno para que comparta su avanzada tecnología con el ejército estadounidense. Tony Stark se niega a compartir el secreto por miedo a que el mismo caiga en manos no deseadas, alegando que faltan años luz para que se llegue a tal sofisticado nivel tecnológico. Esta teoría se debilita al extremo el día en que en una lujosa carrera de formula uno en Europa, Tony es atacado por Ivan Vanko, un físico ruso (interpretado por un magnífico Mickey Rourke) que persigue a Iron Man en son de venganza por resentimientos legados por su padre.   
Este es un film que no levanta vuelo, no se adapta a nuestra época, sino lo contrario retrasa. Parece un encargo desapasionado, no hay ideas nuevas. E ideológicamente es rancio, pasado de moda. Nos encontramos ante el típico estereotipo maniqueista de los años 80´, políticamente hablando, los norteamericanos son buenos y los rusos malos. Ese karma que ya tendría que haber sido superado hace tiempo. Agregando que tiene uno baches narrativos terribles, como la construcción, a los porrazos, de la historia del "ruso malo". Hablando del ruso, el padre de Iron Man acusaba en el pasado al padre de Ivan Vanko de solo importarle el dinero y por este motivo lo expulsa. Al mismo tiempo que él crea un imperio, gracias a la “privatización de la seguridad", legándole millones y millones a su excéntrico hijo que despilfarra dinero a mas no poder.

Un cóctel de fórmula (actores atractivos, explosiones y efectos especiales por doquier) que entretiene, pero no aporta nada nuevo e interesante, como si lo hacen las “Batman” de Nolan o las ¡”Spiderman” de Raimi.

 Nota elaborada para el portal Ay Love, por Maria Paula Rios

30 de mayo de 2010

RICKY, de Francois Ozon



“Ricky” es la penúltima película del prolífico realizador francés Francois Ozon, la última, “Le refuge”, llegará también este año a nuestros cines. El director se basa en el cuento "Moth" (Polilla) de la escritora inglesa Rose Tremain, para realizar este singular largometraje atravesado por el realismo cotidiano, el realismo mágico hasta elementos propiamente surrealistas.

Katie es una madre soltera de escasos recursos que trabaja en una fábrica para poder sustentarse. El padre su hija las dejo hace tiempo y su vida se esta teñida de una desapasionada monotonía. Su hijita Liza adopta una actitud demasiado madura para su edad, la despierta, le prepara el desayuno y contiene a su mamá. Realiza todo lo que le tendrían que hacer a ella. El personaje de Liza es muy emotivo y produce una ternura desmedida en el espectador. La rutina de ambas se limita entre el asistir a la escuela una y al trabajo la otra. Todo cambia el día que Katie conoce a Paco, un operario español que es nuevo en la fábrica. Estos se enamoraran y muy pronto Paco se irá a vivir con las dos mujeres. Katie queda embarazada y nace Ricky, un bebé hermoso y luminoso, al cual con el tiempo le descubren una característica especial, a Ricky le comienzan a crecer alas. Pero alas alejadas del estereotipo angelical, sino mas bien ligadas a lo animal. Parecen las alas de un pájaro. A pesar de que ante el descubrimiento Paco esta ausente, este irrumpir fantástico de la realidad transforma la vida de Katie y Liza aportándole otro sentido a las cosas.

“Ricky“es una película muy original que transita por varios géneros (drama, comedia y fantástico) y elipsis temporales. Y que ignora todo tipo de explicaciones lógicas y juzgamientos con respecto a las cosas extrañas e increíbles que suceden. Es de una libertad absoluta. No importa que pensemos si todo fue un sueño, o surge de la imaginación de Liza, o realmente sucedió. Aquí lo que interesa es la forma de vincularse, los nuevos lazos que se forman, el ser parte de una nueva familia, saber que el abandono es distinto que el dejar libre a alguien; aceptar nuevos espacios y ceder nuevos espacios. En definitiva darse cuenta de que nada es completamente perfecto y que hay que tratar de ser feliz, disfrutar de los pequeños momentos y saber apreciar a quién uno tiene a su lado.

Nota producida para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

PESADILLA EN LA CALLE ELM, de Samuel Bayer.




Nos encontramos ante la remake de la famosa película de los 80´ dirigida, en aquellos tiempos, por unos de los maestros del horror, Wes Craven. La cual se convierte en un clásico llegando a realizarse múltiples secuelas, y que tienen como protagonista al temido monstruo que invade los sueños de los niños.

El director de esta nueva “Pesadilla” viene del campo de los videos clips y la publicidad. Ha trabajado con grupos de rock como Iron Maiden, Metallica, Green Day y Blink entre otros. Y la productora es 'Platinum Dunes', que parece dedicarse exclusivamente a concebir refritos de terror como las ultimas versiones de "La masacre de Texas", "Martes 13", "La casa de cera", etc. Es evidente que se apunta comercialmente al nuevo público adolescente, lamentablemente sin realizar una reformulación de la fórmula, valga la redundancia, que aporte un ápice de creatividad.

Remontándonos a la historia original recordemos que el temible Freddy Krueger era un jardinero que aterraba a pequeños niños en un jardín de infantes. Cuando esto se descubre los padres en represalia lo prenden fuego vivo. Al crecer los pequeños, Freddy comenzará a aparecer en sus sueños con su cara toda quemada y con garras filosas en lugar de manos, acechándolos hasta querer asesinarlos, facultad que posee en este espacio, paradójicamente, de ensueños.

Quién interpretara a Freddy en su versión original, el inolvidable Robert Englund, que también actuó en la exitosa serie de televisión "V, invasión extraterrestre”, ahora es reemplazado por Jackie Earle Haley (el Rorschach de "Watchmen"). El cual sale airoso ante tal sustitución, dándole un nuevo perfil mas visceral, mas de contacto físico a este temido asesino. Tristemente este aspecto es lo mas aceptable en la película, ya que lo demás hace agua por todos lados. Se aportan muy pocas ideas nuevas, como cambiarle la fisonomía del rostro a Freddy. Ahora el mismo no es tan artificial como antes, las quemaduras son mas reales, inspirando mas repugnancia que miedo. Y aportándole una arista mas siniestra al pasado de Freddy, aquí se lo define directamente como pedófilo, quizá para dotarle mas justificación a la mal aplicada "ley de talión" ejecutada por los padres al matar a Krueguer. Por lo demás, el guión y los climas terroríficos que se generan, salvo por estar mas avanzados los efectos especiales, son copia fiel de su antecesora. Una lastima, ya que lo onírico es un territorio perfecto para experimentar, jugar y crear. Una remake que se queda en la vacua anécdota, sin sabor a nada y que pasará ligeramente al olvido.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

CARANCHO, de Pablo Trapero

En una reseña anterior ya había anticipado el estreno de la nueva película de Pablo Trapero (“Mundo grúa”, “Familia Rodante”, “El bonaerense”, “Leonera”, etc). Y finalmente llego a las salas con muy buena repercusión. Los protagonistas y el director ya han recorrido varios programas de televisión hablando de la película, ya que despertó una masiva y notable aceptación por parte del público. Desde mi humilde lugar me uno a esta aprobación, ya que el film es muy logrado y en varios sentidos.

Recordemos la historia, Martín es una abogado que esta muy pronto a que le otorguen nuevamente su licencia. Mientras tanto trabaja para una especie de "organización" ilícita que se dedica a lucrar con los seguros de víctimas de accidentes automovilísticos. Martín conoce a los paramédicos que le tiran data, y a los comisarios que lo ayudan con pruebas y jurisdicciones. Por lo tanto vive de hospital en hospital y en el momento justo que ocurren las desgracias, para conseguir a sus potenciales clientes. Entra estas idas y venidas conoce a Luján, una joven médica de guardia que justamente atiende a las urgencias y a los accidentados en el conurbano bonaerense. Luján esta cansada, sobrepasada por tantas horas de trabajo, lo único que le brinda un alivio inmediato es inyectarse drogas calmantes. Martín esta sumido en un mundo oscuro, desgastante, una especie de círculo vicioso del cual es muy difícil salir. Pero todo cambia cuando la conoce a Luján, ella lo renueva, le da aire, lo hace querer cambiar y estar mejor, sentirse mejor. El mayor de los problemas surgirá allí, en el momento en que ambos quieran despegarse de ese mundo en el que están alienados.

Trapero bucea en una trama compleja y muy oscura. Narrativamente a través de cuatro o cinco elementos (los accidentes, las heridas, la muerte, la corrupción y el amor) pone en juego una red de posibilidades en donde todo puede suceder, llamémoslo como lo llamemos, casualidad, causalidad, destino o azar. Además de crear un clima asfixiante y angustiante, donde, in crescendo, todo lo que sucede es cada vez mas opresivo y turbio, sin dejar lugar a la catarsis. Por esto el suspenso y el ritmo están muy bien construidos, y las actuaciones destacadas, todo totalmente acorde a este micro universo kafkiano, en donde también hay lugar para lo imposible. Luján y Martín están sumidos en una vorágine donde no hay tiempo para detenerse a pensar, las cosas ocurren vertiginosamente hasta estallar, como el mismo instante previo al de un accidente. Mas que recomendable esta película realizada en Argentina y de notable factura en el mas amplio de los sentidos.

Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

29 de mayo de 2010

ROBIN HOOD, de Ridley Scott

Russell Crowe, Cate Blanchett y el gran William Hurt son algunos de los actores que conforman el amplio elenco de esta nueva versión de "Robín Hood", la cual fuera película de apertura del Festival de Cine de Cannes, y esta dirigida por Ridley Scott. Director consagrado y de una extensa filmografía. Autor de películas como "Alien", "Blade Runner", "Thelma and Louise", "Hannibal" o "Gladiator".

Esta interpretación se sitúa en el pasado del mítico personaje, en como Robín Longstride se convierte en Robín Hood, el justiciero de los pobres. En el contexto de una Inglaterra de siglos pasados, Robín Longstride es un hábil arquero que forma parte del ejercito del rey Ricardo Corazón León. Cuando el rey es abatido en plena batalla, Robín y un grupo de amigos deciden retornar a sus tierras. Por cuestiones del destino en el camino de regreso se cruzan con una emboscada dirigida a los caballeros ingleses que llevan la corona del rey muerto, producida por Godfrey un traidor del reino británico aliado al príncipe de Francia. Vistiendo el ropaje de los caballeros Robín y su grupo continúan a Inglaterra con la corona haciéndose pasar por estos mismos. Después de la mala noticia entregada a la reina, y asumiendo el poder el hermano de Ricardo, el rey Juan, un joven hedonista y de lo mas tiránico, Robín decide cumplir la promesa hecha hacia uno de los caballeros ingleses mientras agonizaba en su lecho de muerte, entregarle su espada a su padre. En el pueblo del lord el padre del fallecido le propone a Robín hacerse pasar por su hijo para que a la esposa de este no le quiten las tierras. Hechizado por la belleza de la dama Robín decide quedarse y defender estas tierras de la injustas decisiones impuestas por el necio y reciente rey de Inglaterra.

En verdad nada nuevo bajo el sol, si ya vimos "Gladiador" notaremos que los puntos en común son notables. Una realización en donde resplandecen las batallas homéricas, los hombres rudos, los sistemas tiránicos aplicados por lo que mas tienen, la realeza y la típica historia de amor, la cual le da mas sentido a las proezas por cometer a nuestro héroe impetuoso. Una película de aventuras, con combates híper crudos, realistas, visualmente muy logrados. Con buenas actuaciones, pero con un guión y unos diálogos que dejan mucho que desear. Quizá el merito se encuentre en el nuevo perfil de Robín Hood. El cine nos había acercado este personaje como alguien mas naif, refinado y glamoroso. En cambio el de Scott es rudo, visceral, mas de contacto físico. Salvo por este detalle lo demás cae en lo puramente convencional y recorre todos los tópicos, ya vistos del género. Flechazo flojo a la originalidad.

Nota elaborada para el porta Ay Love , por María Paula Ríos

EL ESCRITOR OCULTO, de Román Polanski.



Sobre el transcurrir de una vida, irónicamente "cinematográfica", signada por sucesos sombríos, como en su infancia, donde sus padres son víctimas directas del nazismo, mas tarde la trágica muerte de su esposa Sharon Tate, excesos y problemas legales que aún en el presente siguen adviniendo. Y a pesar de su prisión domiciliaria en Suiza, Román Polanski sigue haciendo películas, acontecimiento de carácter vital para su existencia. En este caso, como ya lo había anticipado en una nota anterior, llega a la pantalla con "El escritor oculto", film con actores de primera línea como Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Kim Cattrall, Olivia Williams y Tom Wilkinson. Y que sigue demostrando la vigencia y sello de autoría de este aclamado director.

"El escritor oculto" esta basado en el libro "El poder de la sombra", el best seller del escritor británico Robert Harris. Un thriller político con trama de espionaje. Adam Lang es un ex primer ministro británico que esta escribiendo sus memorias con un escritor, un asistente que hace varios años que está a su lado y lo ayudaba en la creación de sus discursos mientras este estaba en actividad. Un día el asistente aparece muerto en la playa cerca de la propiedad en la que viven los Lang. Por lo que contratan secretamente a otro escritor "fantasma" para que complete la biografía del ex premier. El problema, las sospechas y supuestas persecuciones, surgen para el escritor cuando públicamente se comienzan a hacer acusaciones a Lang de estar vinculado con torturas perpetradas en al guerra contra Irak, de haber sido funcional al gobierno norteamericano durante su nombramiento e inclusive sospecharse de que es un agente encubierto de la Cía.

Con ciertas referencias indirectamente directas hacia Tony Blair, la gestión Bush y la particular buena relación de ambos políticos, Polanski, mas allá del género al que recurra, nuevamente nos remite a su universo y a sus ya conocidas obsesiones cinematográficas. Como es su costumbre nos sitúa ante una estructura circular, el final de la historia regresa hacia el punto de partida pero habiendo adquirido otras connotaciones de lo sucedido en este recorrido, otras impresiones de un mismo suceso. Llegando así a poner en juego y en escena tanto lo azaroso como la fatalidad. El espectador sigue siendo activo, observador privilegiado o "voyeur", compenetrándose directamente con el protagonista, en este caso el escritor, queriendo develar con él la intriga. Los climas creados son enrarecidos y claustrofóbicos, ya sea en lugares cerrados como la casa de los Lang y un hotel; o en espacios abiertos y naturales como la gran playa de la isla. Escenarios que contextualizan la psiquis o el estado mental en el que se encuentran los personajes. Para este director es mas importante el modo en que relata la historia, que la historia en si misma.

Con “El escritor oculto” Román Polanski sigue demostrando que se encuentra en plena forma y, discípulo del maestro Hitchckok, que elabora el suspenso como pocos.


Nota elaborada para el portal Ay Love, por María Paula Ríos

23 de mayo de 2010

UN HOMBRE SERIO, de Ethan Coen y Joel Coen

Debo confesar que tengo sentimientos encontrados ante las producciones de los Coen, ya que hay films de ellos que he apreciado mucho, como Fargo y Simplemente sangre y otros en que he disentido, como en la oscarizada Sin lugar para los débiles. Cabe aclarar que son directores con mucho oficio y correctísimos.

Un hombre serio se centra en una comunidad judía en los años 60´, y cuenta la historia de Larry Gopnik, un docente de física, casado con dos hijos quién además asila a su particular hermano en su casa. Todo se convocará en torno a un encadenamiento de desventuras que le comenzaran a suceder a Larry, como que su mujer se enamore de otro hombre y tenga que soportar estoicamente todas las explicaciones racionales por parte de ambos; o que justo cuando le están por dar un ascenso en la escuela reciba soborno de un estudiante coreano quien amenaza con denunciarlo sino lo aprueba; o que su hermano se meta en un problema legal tras otro; y demás sucesos que se irán provocando en cascada.

Parece ser una de los films mas personales de los Coen ya que lo que relatan esta muy ligado a el ámbito en el cual se criaron en su infancia. Cruzan esta historia todo tipo de tópicos y costumbres judías, lo cual para el que esta fuera de la comunidad puede que a veces le resulte algo ajena. Pero hay que resaltar que es el film, también, mas políticamente correcto de los hermanos en todo sentido. Como ya es característico en su cine esta todo finamente calculado desde las actuaciones (las cuales son admirables), el guión (también impecable) hasta la fotografía. Toda la puesta en escena es funcional a lo que se esta narrando.

Con un tono cínico y un humor negrísimo esta tragicomedia encontrará su punto exacto, coqueteando todo el tiempo con esa línea delgada que separa a los dos géneros. Sin perder nunca esa ambiguedad que bien caracteriza a estas piezas de relojería que elaboran a conciencia los prolíficos hermanos Coen.

Nota producida para el portal Ay Love, por María Paula Ríos